sábado, 28 de febrero de 2009

GEORGIA O'KEEFF



GEORGIA O’KEEFF
Nació en Sun Prairie, Wisconsin en una familia de granjeros. Estudió pintura en el Instituto de Arte de Chicago y en la Liga de Estudiantes de Arte en Nueva York. Ejerció como profesora en Amarillo, Texas y en Carolina del Sur. Admirada por sus paisajes, estudios de flores y pinturas abstractas. Su figura está marcada por el misterio y la leyenda que la rodea: una mujer artista, de singular personalidad y carácter fuerte, que se aísla en el desierto para realizar una obra intimista y estrechamente vinculada a la naturaleza. Esposa del fotógrafo ALFRED STIEGLITZ, su promotor y propietario de la galería 291, la más vanguardista del momento en Nueva York, O´Keeffe vivió en esta ciudad entre 1918 y 1949, alternando los veranos en Lake George y Nuevo México.

Inmersa en el círculo de intelectuales, escritores y artistas de Nueva York de las primeras décadas del siglo XX, Georgia logró crear una obra con identidad propia. ´Muy interesada en la obra de Kandinsky, leyó con avidez su libro "De lo espiritual en el arte". Al igual que Georgia O'Keeff, Stieglitz y sus amigos se vieron fuertemente influenciados por las teorías y pìntura de Kandinsky. La teoría artística del "equivalente", procedente del simbolismo y que postula que una obra artística es el correlato visual de la percepción sensible y emocional que el artista tiene de la vida, desempeñaron un papel esencial en este círculo.
En 1949 se traslada definitivamente a Nuevo México. A fines de los años 70, aquejada de una severa lesión ocular, abandona la pintura y trabaja la escultura y la cerámica.
Muere en Nuevo México en 1986.
Su obra se caracteriza por su uso innovador del color y de la forma y por el equilibrio de sus composiciones, basado en las formas y ritmos de la naturaleza. En el color reside la fuerza emocional que emana de su obra. O´Keeffe encuentra la inspiración en su entorno, en los paisajes, en las flores; objetos que ella interpreta desde su experiencia personal.

miércoles, 25 de febrero de 2009

ARTE FANTÁSTICO II

JOACHIM PATINIR: "San Jerónimo"
En esta segunda entrada sobre arte fantástico continúo documentándome en el libro de Walter Schurian que hace un análisis magnífico sobre el tema.

El centro de atención del arte fantástico es el hombre. Por lo tanto sus creaciones están ligadas al mundo de la psicología que a su vez trata de investigar el funcionamiento de la fantasía en el espectador. 
El arte, cuya creación transcurre en la mayoría de los casos en estado consciente, se mueve en torno a lo conocido y deseado. Así los cuadros del barroco resultaban comprensibles para la mayoría de personas, ya que su simbolismo, su percepción del espacio y sus técnicas se correspondían con el canon pictórico de la época y por tanto les eran familiares.
Cuando el pintor flamenco Joachim Patinir (hacia 1485-1524) integra en los serenos paisajes llanos de su tierra natal desmesuradas y fantásticas formaciones rocosas, que a su vez crean un espacio multidimensional de sensaciones y sueños, no hace sino plasmar de manera inconsciente sobre el lienzo el miedo de sus compatriotas ante el advenimiento de la, para muchos, amenazadora era moderna.
“La psicología considera que lo fantástico tiene gran importancia en el comportamiento humano e influye en la percepción, en el pensamiento y el sentimiento.
De acuerdo con esto, la fantasía es una actividad mental y una habilidad psíquica, así como una característica y un efecto al mismo tiempo, La fantasía se mueve al margen de las actividades mentales corrientes, como pueda ser la percepción consciente, el pensamiento «convergente» y lógico.”



FRIEDRICH (1774-1840):
"Acantilados blancos en Rügen"

El simbolismo espiritual es una constante en su producción. Sus figuras suelen aparecer de espaldas al espectador. Así consigue el que nos identifiquemos con estos personajes ya que nos hacen partícipes de la composición. Las figuras son representadas a una escala mucho menor que el paisaje. Sus personajes son mínimos ante la inmensidad de la Naturaleza y la omnipotencia de sus fuerzas.




“El arte fantástico sitúa al hombre en el centro de su lenguaje formal y plástico. Presenta al individuo al mismo tiempo reconocible y misterioso, en la naturalidad de su destino, en sus comportamientos y actitudes peculiares y en sus sueños, sus anhelos y sus constantes deseos, Visto de este modo, la fantasía tiene menos en común con la teoría del arte que con la antropología.” WALTER SCHURIAN

EL SUEÑO DEL REY ARTURO EN AVALÓN, la última obra que realizó BURNE-JONES (1833 –1898) y que dejó inacabada resume la fascinación de los prerrafaelitas por la leyenda artúrica: Arturo, mortalmente herido tras la última batalla contra Mordret, ha sido llevado por tres reinas mágicas hasta la isla mágica de Avalón, donde permanecerá en un ensueño hasta que su presencia sea requerida de nuevo en la tierra.


SIGLO XX

A partir de los años veinte surge un nuevo artista más abierto hacia el exterior y dispuesto a aportar a su obra influencias de otras culturas. Las culturas tienen un valor equiparable, ya no hay jerarquías. En este sentido hay que tener en cuenta que lo fantástico es una cualidad humana universal.
La interpretación del espectador con respecto al arte fantástico está condicionada por el mundo emocional que tiene tanta fuerza en el ser humano.
“Todo cuanto el ser humano hace, ve y piensa se ve acompañado de sentimientos, alojados en el sistema límbico, que constituyen una parte importantísima del desarrollo del hombre, con el que éste garantiza su supervivencia, Emociones como el miedo, la alegría y la tristeza nos ayudan a regular y estimular nuestra vida, Toda manifestación artística, y en especial la fantástica, se ha valido de esta implicación de los sentidos en la percepción del arte.
El desasosiego que emanaba de los cuadros de Jerónimo Bosco tiene su origen en el miedo, directo o soterrado, que genera la doctrina religiosa de culpa, pecado, cielo, infierno, condenación y salvación, instilado en todos los habitantes del occidente cristiano y presente también en el islam y el budismo. (…)
A escala emocional, el cuadro fantástico sirve, tanto al pintor como al espectador, de superficie a la que transferir metáforas, proyecciones (entendidas como mecanismo de defensa) y pasiones y deseos.” WALTER SCHURIAN
“Una flor es relativamente pequeña.Todo el mundo hace asociaciones con una flor, con la idea de flor (…)Entonces, me dije, voy a pintar lo que veo, lo que significa la flor para mí.Pero voy a pintarla grande para persuadir a la gente de que se tome el tiempo necesario para contemplarla (…) haré que los neoyorquinos requieran tiempo para ver lo que yo veo de las flores.”
“(…) Al empezar a pintar los huesos de la pelvis me interesaban sobre todo los huecos de los huesos; es decir, lo que veía, cuando miraba a través de ellos. Especialmente me interesaba el azul que se hacía visible cuando mantenía los huesos al sol, dirigidos al cielo, cosa a la que uno tiende cuando parece tener en su mundo más cielo que tierra (…)”
“Me sorprende que tanta gente separe lo figurativo de lo abstracto. La pintura figurativa no es buena pintura si no es buena en el sentido abstracto. Un monte o un árbol no pueden constituir una buena pintura simplemente por ser un monte o un árbol. Son las líneas y los colores conjuntados de manera que digan algo. Para mí esa es la base de la pintura. Muchas veces la abstracción es la forma más neta para eso intangible que hay dentro de mí y que sólo puedo aclarar con pigmentos.” GEORGIA O´KEEFF
El arte fantástico se sirve a menudo, pero no en exclusiva, de las percepciones inconscientes, Juguetea con las alteridades, sorprende, choca, desconcierta. Sutil y sigiloso, toma como objetivos las emociones y sensaciones intuidas y camufladas. Pero sobre todo juega con los sueños, los deseos, los anhelos; con los comportamientos que habitualmente transcurren insospechados, de los que nunca o casi nunca somos conscientes y que precisamente por ello ejercen gran influencia sobre nuestro comportamiento.” WALTER SCHURIAN


“Lo real suele ocultarse tras una muralla de apariencias. La imaginación es túnel hacia un cielo y una materia que nuestros ojos no pueden advertir de manera inmediata. El surrealismo buscó traspasar túneles para visitar y expresar una realidad plena. La aventura estética del surrealismo se inició en 1924 con la publicación del Primer manifiesto surrealista por Andre Breton. El surrealismo pretendió liberar un inconciente creador, y hacer que las nuevas combinaciones de colores e imágenes del sueño puedan impregnar la vida de la vigilia, de la existencia cotidiana.” ESTEBAN IERARDO

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domingo, 22 de febrero de 2009

ARTE FANTÁSTICO I

Desde la perspectiva actual se puede hablar del ARTE FANTÁSTICO como un género que ha sido plasmado en todos los tiempos y en los diferentes estilos.

Desde las deformaciones y exageraciones del arte prehistórico o los híbridos animales y humanos de la escultura egipcia hasta los animales fantásticos de origen oriental que inundan los capiteles románicos.
Los totems y fetiches de culturas primitivas son invenciones de la imaginación humana que van más allá de la realidad.A lo largo de la Historia se ha intentado encuadrar toda obra de arte dentro de un estilo o tendencia, se ha tratado de acotarla y de ponerle etiquetas.
En muchos casos ha sido fácil debido a la fidelidad de la obra a ciertas convenciones o a las tradiciones artísticas de una época. Obras como “El jardín de las delicias” o “Las tentaciones de San Antonio” de EL BOSCO causaron un gran impacto en el público del momento, pero pronto se justificaron aquellas imágenes extrañas relacionándolas con los animales mitológicos conocidos en el mundo medieval.
Cuando en el siglo XVI la burguesía irrumpe en los Países Bajos y equilibra las relaciones de poder entre Iglesia y Estado, todo apunta a que la vida y el arte ha alcanzado un equilibrio similar. En este contexto hace acto de presencia El Bosco y con sus increíbles y drásticas representaciones de otro mundo da rienda suelta a todo tipo de sentimientos insospechados. El mundo burgués se tambalea; la debacle parece cercana, el miedo crece.
Lo fantástico está presente en mayor o menor grado en todo arte de importancia. El mismo Goya decía que las bases del arte hay que buscarlas en el “capricho y la invención”.El arte fantástico existe desde siempre. Ha sido un elemento esencial y genuino del arte en cualquier época y lugar.

El arte fantástico es una corriente importante dentro de la plástica del siglo XX. A menudo se describe como contrapunto al arte convencional, vanguardista y establecido. Aunque habría que añadir, como opina Rainald Goetz en una de sus novelas: “Nada hay tan fantásticamente sobrecogedor como lo auténtico, nada tan increíble como la verdadera realidad”.
La fantasía es también en las artes plásticas una formulación concreta de lo real, y no su antítesis.
Las imágenes fantásticas han servido en todas las épocas como superficies de proyección cuando el cambio de los tiempos provoca desorientación y reinan las dudas y el miedo. No debe sorprender que el arte fantástico se desarrolle precisamente durante la primera mitad del siglo XX. En una época de desórdenes e incertidumbres representa las extravagantes siluetas y el estrambótico colorido superpuesto en la imaginación inmanente de una sociedad atemorizada.
Así como en el siglo XIX se pudo ir entendiendo paulatinamente la realidad exterior por medio de las ciencias naturales -física, química, fisiología, biología y matemáticas-, la nueva ciencia de la psicología del siglo XX cree poder aportar el mismo grado de ilustración sobre el fuero interno del hombre, el apenas explorado territorio del inconsciente, de los sueños, los sentimientos, los deseos.
Las percepciones del mundo, el yo incluido, pueden consciente o inconscientemente dar un giro hacia lo fantástico. Puesto que por regla general uno siempre siente y percibe aquello que ya ha experimentado y categorizado, buena parte de la información queda bajo la superficie de la consciencia. Este es el ámbito al que desde Freud nos referimos como “inconsciente”
Cuando Giorgio de Chirico presenta al espectador la arquitectura de Italia, le muestra en primera instancia imágenes de colores saturados y contenido escasamente provocador. A primera vista. La imagen se adapta a la atención habitual del espectador. Este, sin embargo, empieza a percibir las inconsistencias: proyecciones de sombras alargadas, espacios vacíos, silencios. Estas percepciones desconciertan al pensamiento convergente y ordinari
o y dan paso a un pensamiento nuevo y divergente. En este caso, lo fantástico da pie a una compleja, significativa e inquietante ampliación del punto de vista del espectador.
Toda desviación de las expectativas, del conocimiento y de los sentimientos genera un elevado grado inicial de atención y emoción. El arte se ha valido siempre de esta alteración de la receptividad: pretende sobre todo ser percibido para, a continuación, ser juzgado y valorado.. Esto se puede aplicar especialmente a los creadores del arte fantástico, que, con su estudiada representación de rarezas y contradicciones generan una atención creciente por parte del público.

Documentación: WALTER SCHURIAN, Arte Fantástico. Taschen
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miércoles, 4 de febrero de 2009

FRANK GEHRY, JEAN NOUVEL, TADAO ANDO Y ZAHA HADID EN ABU DHABI

ABU DHABI capital de los Emiratos Árabes Unidos, fue planificada en los años setenta siguiendo un modelo de ciudad ideal para 600.000 habitantes. Hoy, saturada la trama ortogonal trazada entonces, ha iniciado un proceso de expansión hacia las islas vecinas.
Su economía se basa casi exclusivamente en la producción petrolífera, explotando sus yacimientos desde 1959. Produce anualmente unos 100 millones de toneladas de petróleo.

Los enormes beneficios obtenidos se invierten en grandes operaciones inmobiliarias empeñadas en la construcción de espacios hedonistas y globalizados en los que el principal protagonista es el huésped para el que se prepara un espectáculo insólito. La operación más emblemática se localiza en la isla de Saadiyat, para la que se ha diseñado un distrito cultural que cuenta con sucursales del Guggenheim y del Louvre.
La ISLA SAADIYAT es una isla artificial a 500 metros de la costa de la isla de Abu Dhabi. Allí, en Saadiyat (la Isla de Felicidad) se realiza el proyecto más grande de uso mixto en el Golfo Árabe.
La isla natural de 27 km² se encuentra sólo a 500 m de Abu Dhabi, la capital de Emiratos Árabes Unidos. Abu Dhabi es uno de los siete emiratos, además de ser la Capital de los Emiratos Árabes Unidos que se encuentra en el Golfo Pérsico. La ciudad cuenta con casi 2 millones de habitantes (2007) y está situada en una isla, y se ha desarrollado rápidamente en una metrópoli muy progresista – al igual que el vecino Dubai – en los últimos años.
La isla está siendo desarrollada para que sea un destino completo residencial y turístico. Representa una de las oportunidades de desarrollo más importantes en la historia de Abu Dhabi. La isla, que tiene 30 km de fachada de agua y alardea de muchos rasgos ecológicos naturales, incluyendo bosques de manglares, está siendo desarrollada como un destino de turismo estratégico internacional y marca una nueva era en la rápida evolución de Abu Dhabi, el más grande de los siete Emiratos que forman la Federación de Emiratos Arabes Unidos.
La arquitecta iraquí ZAHA HADID se encargará del diseño del Centro de Desarrollo Artístico de Saadiyat.
FRANK GEHRY ha diseñado el MUSEO GUGGENHEIM de ABU DHABI (SAADIYAT) de arte contemporáneo que será el primero de este tipo en Próximo Oriente.
El japonés TADAO ANDO se encargará del diseño de un museo marítimo.

JEAN NOUVEL completa el conjunto con el diseño de un museo de arte clásico.
EL DECONSTRUCTIVISMO DE ZAHA HADID Y FRANK GEHRY EN SAADIYAT
El Deconstructivismo es una escuela de pensamiento en la arquitectura que tiene su base en el movimiento literario también llamado Deconstrucción. El nombre también deriva del Constructivismo ruso que existió durante la década de 1920 de donde retoma alguna de su inspiración formal.
Este estilo contemporáneo confronta la ordenada racionalidad de la Arquitectura moderna. El deconstructivismo incluye ideas de fragmentación, procesos no lineales, procesos de diseño, geometría no-euclidiana, negando polaridades como la estructura y el recubrimiento. Se propone la geometría fractal, que se sustenta en que el universo no esta solucionado con lineas rectas, pues estas no existen en la naturaleza. La apariencia visual de estos edificios en este estilo se caracteriza por un caos controlado. Muchos críticos del deconstructivismo ven esto como un mero ejercicio formal con poco significado social.
Construcciones que no habrían sido posibles sin la llegada del diseño asistido por ordenador que permitió a los arquitectos casi infinita libertad de crear cualquier forma deseada. En la realidad la construcción de estos nuevos tipos de espacios es otro asunto. Tales formas requieren una inversión importante, tanto financieramente como en términos de ingeniería.
Nunca, como a través de este movimiento, la arquitectura se había acercado tanto al lenguaje de la escultura y a su sentido de la plasticidad
PERFORMING ARTS CENTRE EN SAADIYAT ISLAND. ABU DHABI
Zaha Hadid construirá el Abu Dhabi Performing Arts Centre, una nueva institución cultural para la Fundación Solomon R. Guggenheim.
El centro albergará cinco teatros.Representará una de las principales instituciones culturales presentes en el distrito de Saadiyat Island, en Abu Dhabi. La estructura se asemeja a una escultura que parece tomar forma de las líneas de intersección entre las múltiples trayectorias de los visitantes. Un elemento orgánico, casi viviente, que extrae su alma del movimiento de las personas. Recorrido por una serie de cortes parecidos a agallas, el objeto de Hadid se extiende hacia el mar, se yergue, parece zambullirse como un habitante de la extensión azul ante éste.
Francesca Oddo



Estos son quizá los proyectos más importantes diseñados a la fecha por la arquitecta de origen Irakí, primero porque en ellos ha plasmado en toda su magnitud la visión futurista que transgrede los límites del tiempo y de la imaginación, y que ha caracterizado a toda su obra desde el comienzo de su carrera; segundo, porque ambos proyectos se ubicarán justo en la región del mundo que la vio nacer; y tercero porque con su obra, de alguna manera rompe y trasciende totalmente con las barreras de género impuestas a las mujeres en la mayor parte de los países de Oriente Medio.

FRANK GEHRY
Arquitecto nacido en Toronto (Canadá). Hijo de emigrantes que dejaron Lodz (Polonia) para instalarse en Canadá y más tarde, ir a vivir definitivamente a Los Ángeles. Fue vendedor de periódicos, conductor de camión de repartos y aplicado estudiante de arquitectura. Con el título de arquitecto en la mano trabajó en varios despachos de prestigio y estudió urbanismo en Harvard. Vivió una larga temporada en Europa.
En 1.962 abrió un despacho en Los Ángeles y en la siguiente década fue profesor en la Universidad de Harvard y en otras de similar prestigio como Yale.
En la década de 1980, arquitectos como Peter Eisenman y Frank Gehry comenzaron un largo proceso para llegar a convencer al público, y a los clientes para invertir en sus obras.
Frank Gehry es uno de los más destacados representantes de la corriente deconstructivista en su país. La figura de Gehry empezó a destacar en la década de 1970 gracias a sus atrevidas combinaciones de materiales industriales, tales como maderas contrachapadas, planchas onduladas o vallas realizadas con tela metálica. Su poética extremista ha derivado en la década de 1980 hacia el empleo de formas escultóricas. Gehry fue desarrollando su estilo arquitectónico personal y ganando reconocimiento nacional e internacional. Su arquitectura es impactante, realizada frecuentemente con materiales inacabados. En un mismo edificio incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas. Geometrías oblicuas se superponen en composiciones fracturadas e inestables.
El Museo Guggenheim de la isla de Saadiyat será un energizante paisaje de formas y volúmenes destinado a albergar galerías, centros para las tecnologías, espacios para la formación y bibliotecas.
FRANK GEHRY: MUSEO GUGGENHEIM de ABU DHABI (SAADIYAT)
TADAO ANDO: LA TRADICIÓN JAPONESA Y LA ABSTRACCIÓN OCCIDENTAL
Nació en Osaka, Japón, en 1941. En su juventud fue boxeador amateur, colgando luego los guantes para dedicarse a la arquitectura. Contrario a la mayoría de los arquitectos de hoy en día, Ando no recibió formación en escuelas de arquitectura.
En lugar de ello, su aprendizaje fue autodidácta y proviene de la lectura y de viajes por África, Europa y Estados Unidos, así como de un minucioso estudio de la arquitectura tradicional japonesa.
"Cuando vi la luz proveniente del óculo del Panteón en Roma, supe que quería ser arquitecto".
"Para ser arquitecto hace falta tener un sueño, ideales y la energía física para mantenerlo, y espero que los jóvenes tengan esos sueños y esa energía que los ayude a mantenerlos."
"Realmente, hay que tomarse muy en serio los sueños."
"La arquitectura sólo se considera completa con la intervención del ser humano que la experimenta.""Sólo después de contemplar ambos mundos, el actual y el de ficción, puede existir la arquitectura como expresión y elevarse al reino del arte"
TADAO ANDO
Es considerado como uno de los líderes del regionalismo crítico, rechaza el empleo indiscriminado de la arquitectura moderna en todas las culturas del mundo. Su obra combina formas y materiales del movimiento moderno con principios estéticos y espaciales tradicionales japoneses, sobre todo en el modo de integrar los edificios en su entorno natural. Una de sus características es el empleo de hormigón liso, con las marcas del encofrado visibles, para crear planos murales tectónicos, que sirven como superficies para captar la luz.
En sus diseños Ando rechaza el materialismo consumista de la sociedad actual, que es visible en muchas obras arquitectónicas. Ello no le impide usar en sus proyectos los materiales característicos de la época actual, aunque empleándolos de forma que aparenten sencillez y proporcionen al mismo tiempo sensaciones positivas, lo que consigue, entre otros recursos, mediante las formas, la luz o el agua. Para ello se basa generalmente en tramas geométricas que sirven de pauta para el ordenamiento de sus espacios. Ando sostiene que la arquitectura sólo se completa con las vivencias del ser humano. Considera que en la cultura contemporánea, invadida por el mundo electrónico, los espacios deben ser un refugio para el espíritu. Piensa que lo más importante es el universo de imaginación y ficción contenido en la arquitectura.
Utiliza las formas puras y la luz natural para articular los espacios, y las sombras para suavizarlos y envolverlos. El uso de paredes de concreto, marcos, cámaras, vidrios, ladrillos, piedras y elementos naturales revelan un sentido del orden. Tadao Ando usa paredes muy sólidas para delimitar los espacios humanos, desviando a sus edificios del caos urbano circundante desde afuera y encerrando espacios muy privados desde el interior. Una frase de este arquitecto japonés define toda su obra: "No creo que la arquitectura tenga que hablar demasiado. Debe permanecer silenciosa y dejar que la naturaleza guiada por la luz y el viento hable".
Finalmente, las paredes separan el exterior, frecuentemente ruidoso y caótico, del interior, que está diseñado como remanso de tranquilidad, aislado de lo demás.

El pensamiento de Tadao Ando está basado en la construcción con formas geométricas simples las cuales con el uso de la luz y los materiales pueden crear espacios trascendentes, como él mismo dice “Pienso que la arquitectura se torna interesante cuando se muestra éste doble carácter: la máxima simplicidad posible y, a la vez, toda la complejidad de que pueda dotársela”.
Hace mucho énfasis en la incorporación de la naturaleza dentro de las construcciones para dejar fuera el caos de las ciudades y crear un espacio de meditación, serenidad y espiritualidad. Su filosofía está dirigida a pensar que el espacio puede ser una fuente de inspiración y ha logrado plasmar esto en sus construcciones. También piensa que el objetivo de todas las religiones es similar, y el de la suya es la espiritualidad, por lo tanto intenta expresar ésta espiritualidad de una forma arquitectónica.
Su arquitectura no distrae a la hora de la meditación sino que contribuye a la introspección.
TADAO ANDO proyectará el Museo Marítimo inspirándose en el contexto natural y en las tradiciones marineras de Abu Dhabi: en el exterior su superficie refleja los tonos y los humores del mar, en el interior una serie de plataformas "flotantes" guía a los visitantes a través de los espacios expositivos.
TADAO ANDO: PROYECTO DEL MUSEO MARÍTIMO DE SAADIYAT

JEAN NOUVEL EN ABU DHABI
Nació en Fumel, Francia y estudió arquitectura y diseño en la escuela de Bellas Artes de París.
Desde que inició su labor como arquitecto, Nouvel ha trabajado intensamente para crear su propio lenguaje arquitectónico, lejos de los estilos del modernismo y post-modernismo. Rechaza las directrices establecidas por Le Corbusier, que han influido a tantos arquitectos, y se plantea cada nuevo proyecto sin ninguna idea preconcebida.
De esta manera, sus edificios difieren notablemente el uno del otro, si bien existe un común denominador entre todos ellos, que es la transparencia, así como la luz y las sombras. También le da gran importancia a que sus edificios se integren de forma armoniosa en el entorno.


Dentro de la mayoría de sus edificios, Nouvel introduce consistentemente las ideas de transparencia, tecnología, claroscuro, velocidad, y reflejos.
Nouvel participó activamente en las revueltas estudiantiles de 1968 y sigue siendo una persona inconformista y contestataria, aunque mucho más reposada por la edad y por la responsabilidad de su trabajo.
En 1976 Nouvel fue miembro fundador de "Mars 1976" junto con otros jóvenes arquitectos franceses. También participó en la fundación del Sindicato de Arquitectura.
En el año 2008 obtuvo el Premio Pritzker, considerado como el Nobel de la arquitectura.


"La identidad de un pueblo pasa siempre por una dimensión cultural“
“Mis edificios no quieren ser los más bonitos, quieren contribuir a formar el lugar más hermoso".
Lo llama la
"política de la situación": “los vecinos son importantes. "Se debe aprender a convivir con ellos, aunque molesten. La arquitectura tiene que ser respetuosa con el contexto".
JEAN NOUVEL
EL LOUVRE EN EL DESIERTO
Francia y Emiratos Árabes Unidos firmaron un acuerdo para construir una sucursal del museo del Louvre en la capital de este último país, Abu Dhabi.
Se prevé que esté concluida para 2012. El proyecto, que generó polémica en Francia, le dejará al país europeo ingresos por 1.000 millones de euros. En el país asiático ya existe una sede de la Universidad de La Sorbona.
La ciudad busca convertirse en el mayor destino cultural del mundo, ya que previamente logró un pacto similar para instalar una sucursal del museo Guggenheim.
Para el presidente de los EAU, Sheikh Khalifa, el objetivo es fortalecer el diálogo internacional e incluir a todas las culturas para la educación de las futuras generaciones.
El país europeo aportará obras de arte y el prestigioso nombre de la institución. Sólo por la marca "Louvre", Abu Dhabi pagará 400 millones de euros en 30 años, de los cuales los primeros 150 millones deben ser pagados en un mes.
Su diseño estará a cargo del arquitecto francés JEAN NOUVEL. Realizará el Classical Museum, un edificio cubierto por una gran cúpula punteada por una serie de pequeños puntos luminosos que se dirige hacia el cielo.
Su apariencia es como la de un domo flotante, que permite la entrada de los rayos de sol causando el mismo efecto que produce la luz cuando se filtra entre las hojas de una palmera. Aunque el atractivo mayor serán las obras de arte, los diseñadores quieren que el edificio atraiga a los turistas por sus propios méritos, tal como sucede con su primo mayor en París. (TODOARQUITECTURA REVISTA DIGITAL)
Tras confirmar que el Louvre de Abu Dhabi "será un museo universal que reunirá obras de todo el planeta", el jeque MOHAMED señaló que
"en el futuro será independiente, como una herencia cultural de la Humanidad y un lugar de encuentro de todas las civilizaciones".

“PRÓXIMO ORIENTE”, LUIS FERNÁNDEZ-GALIANO
El Golfo Pérsico fue primero petrolífero, después bélico y hoy inmobiliario, pero pozos, portaaviones y rascacielos son términos de la ecuación que vincula energía, guerra y construcción en un triángulo vicioso. Este polvorín del planeta se urbaniza vertiginosamente con patrones occidentales y capitales globales, en el núcleo incandescente de un mundo islámico fracturado por los conflictos e impulsado a la vez por la humillación y el desafío. La aventura inmobiliaria, financiera y turística de los pequeños estados del Golfo se produce en un marco geopolítico delimitado al sur por la teocracia saudí, al norte por el Irán casi nuclear de los ayatollahs y al oeste por un rosario de crisis que desgarran desde el Líbano y la Palestina dividida entre Cisjordania y Gaza, hasta un Irak ocupado y en guerra civil.
(…) La arquitectura espectáculo y el urbanismo genérico del Golfo son frutos bastardos y tardíos de la modernidad occidental: no hay nada tan parecido a una feria inmobiliaria en Kuwait o Dubai como otra en Londres o Cannes. Entretanto, Occidente y el Islam se enredan en una madeja de malentendidos y reproches que se extienden del uso del velo o las caricaturas de Mahoma al discurso del Papa en Ratisbona, y que tienen su dimensión arquitectónica en las polémicas sobre los minaretes en Suiza o Alemania y en los desacuerdos sobre la construcción de mezquitas en Gran Bretaña, Holanda o España. Son guerras de religión similares a las de católicos y protestantes, y si el Golfo ofrece el borrador de una convergencia material y simbólica, acaso el Próximo Oriente sea nuestro ominoso próximo futuro.
ARQUITECTURA VIVA (Número 111 XI - XII 2006)
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