domingo, 23 de septiembre de 2012

RENZO PIANO: EL CONSTRUCTOR HUMANISTA I


"Fundación Beyeler", Basilea, Suiza (1992-1997)

 
Sobre la belleza en la arquitectura
“La belleza me intimida y la rechazaba. Me parecía una concesión, algo formal, elitista. Y era por una cuestión de educación, claro. Cuando de niño iba a las obras con mi padre me parecía que la arquitectura era construcción. Así de simple y sin dudar. Luego, cuando estudié, pensé que era política, un arte social. De nuevo, lo creí sin dudar. Hoy dudo de todo, pero creo que la parte artística es fundamental porque el arte mejora al ser humano. Un lugar pensado para la gente hace mejor a la gente. Eso obliga a que los arquitectos nos desdoblemos. Debemos ser constructores, sociólogos y poetas.”
"Trans National Place", Boston, Massachusetts, 2006
“La arquitectura es a la vez el arte de hacer edificios sólidos y permanentes para la gente y el arte de soñar con mejores ciudades. Las ciudades y los edificios deben entender a la gente, si no son fallidos. Pero hay más. Yo aprendí tarde que el objetivo de la arquitectura es el arte.”Entrevista en El País por
  Metabolizar la experiencia
“Si tengo que diseñar un lugar, ¿por qué debería olvidar que ya lo he hecho cien veces? (…)es la repetición de los gestos, como la del artesano o el pianista, lo que crea lo que denomino “estratificación de la experiencia”. Si rechazas esta sana continuidad en una trayectoria profesional, cometes el error de querer inventar algo nuevo a toda costa. Yo no busco el estilo, sino un metabolismo de la experiencia”.
Renzo Piano conoció a Richard Rogers en la "Architectural Association School" en Londres. Las afinidades entre ambos les llevaron a asociarse formando el estudio Piano & Rogers.
En 1970 RENZO PIANO y RICHARD ROGERS, ambos desconocidos en ese momento, colaboraron y erigieron uno de los edificios más famosos y radicales de nuestro tiempo, el CENTRO DE ARTE CONTEMPORÁNEO GEORGE POMPIDOU. El edificio se originó gracias al impulso del presidente Georges Pompidou, quien en 1970 lo ideó para revitalizar el barrio Les Halles. Convocó un concurso
 arquitectónico y el proyecto elegido fue el de Renzo Piano, Gianfranco Franchini y Richard Rogers.
En la construcción del Centro Pompidou. Piano cuenta con la colaboración de Peter Rice (ingeniero especializado en la construcción de estructuras de acero) con el cual crea el "Taller Piano et Rice" activo del 1977 al 1981.
Centro de Arte Contemporáneo Georges Pompidou", París (1970-1977)
"(…) Su propuesta ejemplificaba el constructivismo y un moderno centro cultural con alta tecnología (high-tech), estructurado con un sistema de ménsulas y cerchas, diferente a todo lo visto en el mundo de la arquitectura hasta ese entonces. (…) Los arquitectos propusieron un contenedor flexible, en el cual todos los espacios interiores y elementos exteriores pueden ser modificados o cambiados según se requiera. Es así, como el centro es un mecano que cambia constantemente.
(…) La estructura forma una malla de acero que proporciona un marco estable, dentro del cual pueden colocarse y cambiarse permanentemente los suelos y tabiques para formar distintos tipos de espacios interiores. El recubrimiento exterior es de acero y vidrio, que incorpora elementos sólidos metálicos y que está separado de la estructura para permitir el recambio de partes fácilmente". Fuente: plataforma arquitectura.




Su relación laboral con hombres como Peter Rice dan fe del enriquecimiento que ha introducido en su arquitectura al ahondar en el rigor aplicado del ingeniero.
"Peter diseñaba estructuras como un pianista capaz de tocar con los ojos cerrados". Piano.

El arquitecto y el ingeniero 
RICE afirmaba que:"El arquitecto, al igual que el artista, está motivado por consideraciones personales, mientras que el ingeniero trata fundamentalmente de transformar el problema en uno que exprese las propiedades esenciales de la estructura, el material o cualquier otro elemento impersonal. Esta distinción entre creación e invención es la clave para comprender la diferencia entre el arquitecto y el ingeniero, y cómo ambos pueden trabajar en el mismo proyecto pero contribuir de formas muy distintas”.
En 1977, junto con el ingeniero Peter Rice, fundó un nuevo estudio en Génova. De ahí saldrían en los años siguientes, y hasta la muerte de Rice en 1993, trabajos altamente reflexivos. 
                               MUSEO DE LA MENIL COLLECTION



Entre las obras más relevantes de esta etapa destaca el MUSEO 
DE LA MENIL COLLECTION (Houston, Estados Unidos, 1981-1986), destinado a alojar una importante colección privada de arte primitivo y contemporáneo. La propietaria, Dominique de Menil, había impuesto el diseño. Insistió en la necesidad de utilizar toda la luz natural posible, lo cual llevó al arquitecto a buscar sistemas innovadores para controlar y aprovechar el sol de Texas.
MUSEO DE LA MENIL COLLECTION
Para ello se creó un edificio en el que los distintos volúmenes y planos se interrelacionaron entre sí y con el exterior a partir de una galería circundante. 
 Uno de los elementos más logrados fue la cubierta de las salas de exposiciones, creada mediante un entramado de finísimas placas de hormigón que, a la vez que dejaban penetrar la luz solar, impedían que los rayos ultravioletas, dañinos para la conservación de las piezas, se filtraran en el interior.  Piano y Rice resolvieron el problema de la luz con un sistema modular en forma de hoja. Para ello utilizaron materiales inusuales. 
Así lo expresó RICE: "El ferrocemento y el hierro dúctil fueron dos de esos materiales. Combinándolos, tratamos de entretejer la extrema fragilidad del hierro dúctil con la textura blanda y granulada del ferrocemento para crear un todo fusionado continuo"


MUSEO DE LA FUNDACIÓN BEYELER. BASILEA, SUIZA. 1992-1997 
En 1991 se encargó a Renzo Piano, la creación de una sede para la colección de arte contemporáneo de Ernst y Hildy Beyeler. Piano realizó una obra espléndida, fundida con la naturaleza, con predominio de líneas horizontales y en la que el cristal de la techumbre y parte de los muros son protagonistas de la construcción.
Armonía entre arte y naturaleza 
El edificio se abre hacia el parque en calidad de terraza cerrada con cristales, y establece una relación directa entre lo interior y lo exterior. Todos los muros exteriores fueron revestidos de pórfido rojo de Patagonia. Piedra, acero y cristal son los materiales elegidos.
En las galerías, las paredes blancas y los suelos de madera clara crean la atmósfera de serenidad exigida por el fundador de la fundación, Ernst Beyeler, uno de los mayores coleccionistas de arte contemporáneo. 
En sus salas se pueden admirar obras de Giacometti, Rodin, Calder, Miró o Monet, entre otras. 
"Arquitectura sobria, capaz de fundir naturaleza, espacio, luz y arte con una elegancia intemporal".Floriana De Rosa FLOORNATURE

CENTRO CULTURAL JEAN MARIE TJIBAOU. NOUMEA
(NUEVA CALEDONIA, 1991-1998)
Tras la muerte de Jean-Marie Tjibaou, líder del movimiento independentista de Nueva Caledonia (colonia de Francia desde 1864 hasta 1946), Mitterrand promovió la creación de un centro para proteger la cultura indígena. Se realiza un concurso internacional que gana Renzo Piano.
Arquitectura sostenible
Piano realizó una especie de poblado, sede de exposiciones, congresos y actividades creativas. Alrededor de un atrio se disponen cáscaras curvadas, construidas con listeles de madera, siguiendo la estructura de la aldea tradicional de la civilización Kanak.  Realizada por RP en colaboración con Paul Vincent.
El material es el iroko, madera importada de Ghana, resistente a la humedad y a los insectos.
Junto a la delicadeza de los materiales y la armonía con el medio ambiente, el proyecto no se olvida de aplicar la tecnología en el interior de las 10 chozas levantadas sobre un promontorio rodeado de árboles. A merced de los vientos, el conjunto transmite una serena vibración. Un sistema de tejado doble con paneles de madera laminada juega con las corrientes. Con la ayuda de ordenadores la brisa puede entrar. Cuando el aire arrecia, el sistema se cierra.
El conjunto se encuentra en Nouméa, la capital del archipiélago de Nueva Caledonia. Situado en una península que se extiende hacia el océano, rica en vegetación garantizando así un contacto directo con la naturaleza.

"Tenía cincuenta años cuando descubrí la cultura del Pacífico. Es la cultura de la ligereza y lo efímero. Aunque me crié en Europa, me siento mucho más cerca del Pacífico, donde la ligereza o el viento son mucho más resistentes que la piedra. (...) En Japón, no cabe la menor duda de que la cultura de lo ligero y lo efímero es mucho más estable que la solidez de cualquier piedra"
"Renzo Piano es un maestro de la mecánica de la ligereza. Sabe que la arquitectura está unida a la tierra, pero ha encontrado su lugar en el equilibrio de tensión entre la tierra y el cielo" PHILIP JODIDIO: PIANO. Editorial Taschen.
En el edificio aunó las culturas del Pacífico y la modernidad. En 1998, año en que finalizaron las obras del conjunto, Piano recibió en la Casa Blanca de manos del presidente de Estados Unidos, Bill Clinton, el prestigioso Premio Pritzker, considerado el Nobel de la arquitectura.





El Jurado de los premios Pritzker valora la arquitectura de Renzo Piano
 “La colección de edificios de Renzo Piano es sorprendente en alcance y completa en la diversidad de escalas, materiales y formas. (…) un arquitecto cuya inspiración parte de los maestros modernos que le precedieron y se remonta hasta el siglo XV de Brunelleschi. Piano ha sido fiel al concepto de que el arquitecto debe controlar todas las facetas del proceso de construcción, desde el diseño hasta la propia obra. Tan importante es para el él trabajo manual como la aplicación de técnicas informáticas, y hace gala de una gran sensibilidad por los materiales, ya utilice vidrio, metal, mampostería o madera. Dichos conceptos, valores y sensibilidades no son ajenos para alguien cuyo padre, tíos y abuelo fueron albañiles”.
Discurso de Renzo Piano tras recibir el Pritzker
 “Nací en el seno de una familia de albañiles y ello hizo que surgiera en mí una relación con el arte de hacer. Siempre me gusto ir a las obras de mi padre y ver crecer las cosas a partir de la nada, creadas por la mano del hombre. Para un niño es algo mágico; hoy ves un montón de arena y ladrillos, mañana una pared que se sostiene sola y al final aquello se convierte en un edificio alto y sólido en el que pueden vivir personas… he pasado la vida haciendo lo que soñaba de pequeño”.
La arquitectura es un arte. Utiliza la técnica para generar emoción y lo hace con su propio lenguaje, un lenguaje construido con espacio, proporciones, luz y materiales (para un arquitecto la materia es como el sonido para un músico o las palabras para un poeta). Hay una cuestión que tiene para mí, capital importancia: la ligereza (como es lógico, no referida únicamente a la masa física de los objetos)”. En mis obras trato de utilizar elementos inmateriales como la transparencia, la ligereza y la vibración de la luz. Creo que son una parte de la composición igual que las formas y los volúmenes”.

martes, 4 de septiembre de 2012

BORJA BONAFUENTE GONZALO: HIPERREALISMO DEL SIGLO XXI

"Amanda II"
Borja Bonafuente Gonzalo (1978, Madrid). 
Pintor, ilustrador y diseñador que vive en Madrid.
Como pintor toma lecciones de dibujo durante unos meses en la Art Students League de Nueva York con Nelson Shanks y David Kassan. Principalmente autodidacta, comienza su etapa hiperrealista con una serie de retratos autobiográficos pero usando a amigos como modelos. Pinta siempre con óleo sobre tabla de madera. El retrato tiene un papel fundamental en su obra. Le interesa mostrar los rostros de su entorno afectivo.
En su obra destaca...
La calidad y transparencia de la piel a través de la cual se perciben incluso los huesos, esa piel con sus tonos diferentes, el pelo, las pestañas, las venas, la barba incipiente... todo podría sugerir que estamos ante fotografías, pero las texturas nos llevan a apreciar el óleo, esta técnica de secado lento que permite recrearse en la representación de cada rasgo. A ello se añade el gesto, la mirada y la luz. Sin duda estamos ante un pintor en el comienzo de una carrera prometedora. Su vinculación con la música se aprecia incluso en los títulos de sus cuadros.
  "There’s a grey stone chapel here at Folsom"
“Descubrió que quería dedicarse a pintar el día que se imaginó al Felipe IV de Velázquez con una camiseta de AC/DC y se puso a ver qué salía de aquella idea.” RAI ROBLEDO
"AÑO CERO"
Comienza exponiendo en shows minoritarios y temáticos hasta que empieza a trabajar con la Galería MS (Madrid) donde consigue su primer "sold out" con su serie llamada "AÑO CERO".   
"When We Was Fab"
 Instinto creador.
“Llevo dibujando toda la vida (cómics, carteles… lo que pillase) pero lo que se dice pintar con óleo y lienzo o tabla, empecé a los 27 (como Van Gogh). Un día te despiertas pensando lo bien que quedaría un cuadro con base clásica de esos que ves en el Prado pero con camiseta y vaqueros y esa misma tarde te pones a probar que sale. Al final me gustó el experimento y continué con ello. Hasta hoy que puedes ver y juzgar lo que salió de aquello.”
"Amanda"
Borja Bonafuente pinta a sus amigos.
"Un día volví al óleo para pintar a la gente cercana al estilo de un retrato de siglo XVIII, pero de un modo contemporáneo (vaqueros, camiseta etcétera)..."











  Su visión de la pintura
"Cualquier cuadro bueno que veo, ya sea en un museo o en una revista, me lleva a ponerme a pintar con ganas. Ves la expresión de ese modelo o como han pintado ese vestido en ese otro cuadro y necesitas llegar a casa para jugar con ello. No es un superar ni compararte con nadie, por supuesto que no, simplemente es ver algo bueno y tener unas ganas irrefrenables de ponerme a pintar. No es controlable. Si hablamos de otros pintores que me hayan hecho sentarme a pintar, podemos hablar del tremendísimo Eloy Morales, gran pintor y gran amigo que pincelada que da, boca abierta que me deja. Increíble, echadle un ojo".
"Yoko for one day"

                                                  "Shhhh"

"Master"
Velázquez, Picasso, Antonio López, Eloy Morales, David Kassan, Richard Estes... están entre sus pintores favoritos.
Le gusta el “aire” de los cuadros de Velázquez.
En una entrevista que le hicieron para la página "Beat On The Blue", le preguntaron ¿A quien consideras el mejor artista del Siglo XX? Su respuesta fue "Hablando en general y no sólo por su pintura: Picasso. Por todo lo que llegó a hacer, hasta donde llegó y la de puertas que abrió con su arte y personalidad. Un todoterreno que arrasó con todo lo que se le puso por delante. Si podemos salirnos del tema pintura, no dudaré en decir que The Beatles."
De Antonio López opina que…”es el pintor actual más internacional y que más va a perdurar en el tiempo de todos los que tenemos. En pocas décadas Antonio López va a ser el nuevo Velázquez. Hasta ese nivel va a ser tratado sin la más mínima duda.”
"Año Uno".
 En 2012 se monta su primera exposición individual (llamada "Año Uno") también en la Galería MS llamando la atención de varias revistas y magazines que le dedican varios artículos como la revista Rolling Stone o Calle 20 (entrevista en issuu). Aunque las dos exposiciones estén separadas por un año de diferencia, ambas están conectadas por esa misma historia autobiográfica detrás de los cuadros. Tras esta individual, comienza a trabajar con la galería Rayuela/Fernández Braso cuando los galeristas le llaman para ser parte de su exposición "Diálogos", exponiendo al lado de artistas como Andrea Santolaya o Pablo Genovés.
          "I ge by with a little help from ny friends"
De su primera exposición en España, la revista “Rolling Stone” en su nº del 1 de marzo  destacó sus últimos trabajos. "El artista e ilustrador Borja Bonafuente Gonzalo muestra sus trabajos basados en iconos del rock. Un prisma hiperrealista para un creador que necesita The Beatles para vivir y coger el pincel. No se equivoque, estas son pinturas, no fotografías".
En la portada de la revista, de la que es habitual colaborador, aparecía la imagen de uno de sus mitos musicales, Paul McCartney.
     "Remember New York staring outside"
                                   "I just wanna"
                                 "I will be there"
"Talk to me"
                     "See you in your dreams"
Dos pasiones: la música y la pintura 
BBG une las dos formas de expresión..."no puedo vivir sin la música, ni pintando".
"He sido un gran fan de los Beatles desde la primera vez que vi a Paul McCartney cuando yo era un niño. Lo que hicieron, como lo hicieron y como influyeron en tantas personas y todavía lo hacen hoy. Pienso que ellos han cambiado tantas cosas con sus canciones y lo que decían y el modo de interpretarlo".

El proceso creador
"Con el éxito primero viene el trabajo. Ensuciarse y agotarse. Cubierto de pintura y cansado = éxito. Esta imagen, para mí, representa todo lo que significa ser un artista. Levantando una mano para decir “He aquí, esto ha terminado” con la última cantidad de fuerza que uno tiene. Hay que darlo todo y será recompensado por ello."
"Uno no debe rendirse, debe continuar hasta que consiga su objetivo y aun cuando esto pueda doler, o parecer imposible o esté completamente cubierto de pintura durante el proceso, hay que continuar hasta conseguir lo que uno quiere. Nadie le dijo que esto iba a ser fácil. Tal vez se termine completamente destruido a lo largo del camino pero al final se alcanzará el éxito si uno se lo propone y trabaja para ello."
 Diseños para la industria musical .
BBG ha diseñado las portadas de discos como el de Amaral: "Hacia lo salvaje", el de Antonio Vega:"Antes de haber nacido"el último album de Christina Rosenvinge: "La joven Dolores" o el de The Mockers:"Hombres de la Mancha".

Para el album de Christina Rosenvinge: "La joven Dolores".
En esta representación de Cristina hay una evocación del cuadro de Ofelia, del pintor prerrafaelista Millais, pero no se representa moribunda como aquella (tumbada mirando hacia arriba), sino de frente al espectador como intentando sobrevivir.





Enlaces:

Referencias:

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