martes, 31 de diciembre de 2013

“LA ESCUELA DE ATENAS”, UN SÍMBOLO DEL SABER

RAFAEL SANZIO: "La Escuela de Atenas", 1509-1510
Arte del Renacimiento: Cinquecento. Sala de la Signatura, Vaticano
UN MANIFIESTO SOBRE EL CLASICISMO
“La Escuela de Atenas” no solo es una obra de arte extraordinaria desde el punto de vista técnico y estético sino que es un verdadero cuadro histórico en el que la Antigüedad clásica y el Renacimiento se dan la mano. El arte, la filosofía y la ciencia se encuentran en un espectacular escenario renacentista. 
Realizado por Rafael Sanzio a principios del siglo XVI. 
BAJO EL MECENAZGO DE JULIO II
Uno de los rasgos característicos del Renacimiento fue la aparición de la figura del mecenas, personaje con posibilidades económicas, de la nobleza, iglesia o alta burguesía que protegía a los artistas y les hacía encargos para sus palacios o iglesias. 










“La escuela de Atenas” fue pintada por Rafael en 1509 -1510 por encargo del Papa Julio II para realizar un proyecto integral de renovación de sus propias estancias personales: la decoración de la  LA ESTANCIA DE LA SIGNATURA convertida en su biblioteca privada. Fue el arquitecto Bramante el que aconsejó al Papa la elección de Rafael para realizar la obra. Pintura realizada al fresco sobre una de las paredes de la Estancia que sustituye la realizada por Pinturicchio para el Papa Alejandro VI. 
Las cuatro estancias, llamadas de Rafael, eran parte de los aposentos situados en el segundo piso del Palacio Pontificio, escogidos por Julio II (pontífice desde 1503 hasta 1513) para su residencia personal y utilizados también por sus sucesores. La decoración pictórica fue realizada por Rafael y sus discípulos entre 1508 y 1524 y supone el comienzo del pleno Renacimiento.
PROGRAMA ICONOGRÁFICO DE LA ESTANCIA DE LA SIGNATURA



RENACE EL SABER DE LA ANTIGÜEDAD
El saber racional como principio de la mentalidad antropocéntrica de los siglos XV y XVI se muestra a través de sus protagonistas.  Los intelectuales del Renacimiento vuelven su mirada fascinada hacia la polis ateniense, centro del conocimiento del mundo antiguo, para avanzar reformulando y transformando sus teorías. La atención del artista se dirige, en especial, a la FILOSOFÍA GRIEGA. Platón y Aristóteles vertebran el cuadro y a su alrededor los grandes artífices de esa gran "escuela de conocimiento" que fue Atenas.

LOS PERSONAJES
RAFAEL ENLAZA EL MUNDO CLÁSICO CON EL RENACIMIENTO
En la obra están representadas las siete artes liberales.
En primer plano, a la izquierda: Gramática, Aritmética y Música, a la derecha: Geometría y Astronomía y en lo alto de la escalinata Retórica y Dialéctica. Junto a los filósofos aparecen astrónomos, químicos, geógrafos, matemáticos… Rafael rinde homenaje al saber, a los padres del pensamiento pero enlaza el saber de la Antigüedad con el Renacimiento situando en dos nichos  del templo renacentista a Apolo y Atenea y tomando de modelo a personajes públicos de la época, como Leonardo da Vinci encarnando a Platón o Miguel Ángel como Heráclito.  Es un modo de subrayar la continuidad entre el presente renacentista y el mundo clásico antiguo.  La obra es un verdadero discurso racional. 




Pitágoras, personaliza los valores de la Aritmética y la Música. Parece escribir sus teorías en un libro de acuerdo a las anotaciones que en una pizarra sostiene Telange, uno de sus discípulos. 
















ASPECTOS TÉCNICOS
TÉCNICA
Pintura mural al fresco.
LA PERSPECTIVA
Rafael aplica a la obra la perspectiva lineal por influencia de Leonardo. Fue uno de los hallazgos técnicos del Renacimiento para representar la profundidad sobre una superficie plana. Basada en la pirámide visual en la que los elementos del cuadro se relacionan con un punto de convergencia. Se observa un solo punto de fuga que coincide con el centro del arco, sobre las cabezas de Platón y Aristóteles.
LA LUZ Y EL COLOR
La luz proviene de la parte superior del cuadro. Se trata de una luz diáfana que ilumina toda la composición. 
Los colores son suaves y armoniosos. Los contrastes de luces y sombras son equilibrados y en ellos se aprecia la influencia de Leonardo. Utiliza el color para definir formas y volúmenes, técnica que recuerda el "sfumato" de Leonardo.
LA COMPOSICIÓN Y EL CÁNON
De una gran simetría, los arcos de medio punto situados en el centro y el modo de distribuir los personajes, en grupos compensados, a partir de un gran eje axial que divide el cuadro en dos partes iguales, equilibran la composición.
Los rostros están individualizados, serenos, bellos en su senectud y muy clásicos. Variedad de gestos. Influencia de Miguel Ángel en la monumentalidad de sus lienzos y figuras  de complicados escorzos. Cánon clásico en sus proporciones.






sábado, 16 de noviembre de 2013

EL SURREALISMO: EL SUBCONSCIENTE SE HACE VISIBLE

MAGRITTE: "El arte de la conversación", 1963
CAMBIOS HISTÓRICOS, CAMBIOS ARTÍSTICOS
A partir del siglo XIX se produce un cambio trascendental en la trayectoria de la creación artística paralelo a los profundos cambios políticos -a partir de la Revolución Francesa-, sociales -revoluciones burguesas- y económicos -Revolución industrial y desarrollo del capitalismo-.
El arte académico ligado al mecenazgo de la nobleza y de la iglesia empieza a agotarse ante el empuje de una nueva sociedad cuyo lema se fundamenta en la idea de “libertad, igualdad y fraternidad” y que representa el triunfo de la burguesía.
EL ARTE AL COMPÁS DE LOS AVANCES TÉCNICOS
Los avances científicos y técnicos serán decisivos como estímulo de cambio en el terreno artístico. La fotografía y el cine representan fielmente la realidad visible y el arte ve ocupado parte de su espacio. Comienza a buscar nuevas formas de expresión cada vez más alejadas de la tradición. Surgen movimientos artísticos nuevos que anticipan el arte rompedor de la primera mitad del siglo XX.
LA REVOLUCIÓN ARTÍSTICA DEL SIGLO XX


PARÍS, CENTRO DE LA REVOLUCIÓN DEL ARTE
Los movimientos artísticos de comienzos del siglo XX se desarrollaron fundamentalmente en Europa y, sobre todo, en Francia cuya capital se convirtió en lugar de encuentro de los artistas que configuraron las vanguardias históricas. De nuevo París fue el centro donde se fraguó un cambio decisivo en la trayectoria del arte. En 1900 se celebra en la capital francesa la Gran Exposición Mundial. 
Se produce una verdadera revolución estética en las artes plásticas que tenían precedentes próximos en el siglo XIX.
UNA REALIDAD NUEVA Y CAMBIANTE
Las nuevas formas artísticas son un reflejo de la realidad circundante: incertidumbres sociales, revolución científica, la filosofía de Nietzsche y Bergson, el psicoanálisis, cambios políticos, las guerras mundiales, el desarrollo de las ideologías… todo ello da lugar a la aparición de una nueva sensibilidad en los artistas que buscan diferentes respuestas ante una realidad convulsa. Así surgen una serie de movimientos artísticos cuyo conjunto recibe la denominación de "Vanguardias históricas". 

Una de las corrientes que más influencia tuvo en Ernst, Tanguy, Dalí y Magritte, será la pintura metafísica de Giorgio de Chirico que será una de las bases culturales más importantes del Surrealismo.

GIORGIO DE CHIRICO: "El mal genio de un rey",  1914
Xavier Rubert de Ventós en su ensayo “El arte ensimismado”, interpreta la evolución del arte en el siglo XX como un camino en busca de su propia esencia, rechazando todo lo accidental y fenoménico en la búsqueda de su mismidad.
Los distintos movimientos de pensamiento se reflejan en el arte a través de numerosas escuelas pictóricas -las vanguardias históricas- que luchan contra la falta de fuerza del arte académico y decorativo, tradicional. 
Los movimientos vanguardistas son más una actitud ante el arte que una estética. Abandonan la imitación de la naturaleza para centrarse en el lenguaje de las formas y los colores. Es la hegemonía del inconsciente, de la reconstrucción mental de la obra. Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. 
Entre 1905 y 1930 se producen los movimientos de vanguardia:

EL SURREALISMO






El gran teórico del movimiento surrealista fue ANDRÉ BRETON cuyos planteamientos quedan plasmados en el  primer "Manifiesto surrealista" (1924). En el define el nuevo movimiento como "un automatismo psíquico puro a través del cual nos proponemos expresar, ya sea verbalmente o por escrito, o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento"
En principio era un movimiento por y para escritores (fue el poeta Apollinaire el que acuñó el término), pero de inmediato se vislumbraron las posibilidades que tenía para la pintura y la escultura o el cine y la fotografía.
MAX ERNST: “La pubertad cercana a las Pléyades", 1921
MAX ERNST: "Las tentaciones de San Antonio", 1945
Alberto Giacometti: "Mesa surrealista", 1933
Una de las misiones del surrealismo consistirá en liberar el inconsciente reprimido, plasmar en la pintura el mundo interior, lo subconsciente: los miedos, las fobias, las obsesiones que anidan en lo profundo de la mente humana. Con esa perspectiva resulta crucial el papel desempeñado por el cine: en la sala oscura se producía el encuentro con lo insólito, con lo maravilloso. Era el ámbito del sueño con los ojos abiertos, mirando la gran pantalla.
"Un perro andaluz" (Luis Buñuel y Salvador Dalí), 1929
En las salas de cine es, en palabras de Breton "donde se celebra el único misterio absolutamente moderno"
Man Ray, fotógrafo que se unió al movimiento surrealista confirió a sus fotografías la capacidad de crear metáforas visuales y aportar a su actividad artística nuevas lecturas plásticas.
MAN RAY: "Le Violon d’Ingres", 1924
El surrealismo no es solamente un movimiento artístico más, sino una actitud ante la vida que tiene su clave principal en la visión de imágenes interiores a las que se llega a través del deseo. Sus planteamientos han influido de manera decisiva en todo el arte posterior y en la sensibilidad contemporánea. Museo Thyssen
Se produce la ruptura con una civilización dominada cada vez más por el pensamiento objetivo de la ciencia y el dogmatismo de los intelectuales.
BERGSON, FREUD Y EL SURREALISMO
El pensamiento de Bergson y Freud tuvieron gran influencia en los surrealistas. Bergson consideraba que el racionalismo objetivo y cientifista, con sus restricciones, amenazaba al espíritu humano y era necesaria la reeducación de lo intuitivo.
                                       RENÉ MAGRITTE: “Golconda”, 1953
"He aquí una multitud de hombres, todos diferentes. Pero como al pensar en la multitud no se piensa en el individuo, los hombres están vestidos de la misma manera, con la mayor sencillez posible, para sugerir la idea de masa... Golconda era una rica ciudad indú, un sitio maravilloso. Yo considero una maravilla el andar sobre la tierra a través del cielo. Por otro lado el sombrero hongo no representa ninguna sorpresa, Es un sombrero poco original. El hombre con sombrero hongo es el hombre común y corriente. Yo lo uso también, no tengo el menor deseo de destacarme". René Magritte









RENÉ MAGRITTE: "La gran familia", 1963






YVES TANGUY: "El sol en su joyero", 1937

YVES TANGUY: "Les jeux nouveaux", 1940


YVES TANGUY: "El mobiliario del tiempo", 1939

"The March of Summer", 1938
MAGRITTE opta por asociar elementos de lo más dispar en sus pinturas, como si se tratase de la célebre terapia llevaba a cabo por los psicoanalistas para sanar a sus enfermos.
DALÍ, en cambio, prefirió adoptar la doble figuración para gran cantidad de sus pinturas que datan de su etapa surrealista, la que cubre desde 1928 hasta diez años después, aproximadamente. 
DALÍ: "La metamorfosis de Narciso", 193 
Dalí publica un poema con el mismo título que el cuadro, en París en el año 1937, en Éditions Surréalistes, donde manifiesta que debe leerse junto con la observación del cuadro, se trata de una especie de recurso pedagógico del pintor. Dejo aquí la parte final del poema:


SALVADOR DALÍ :“Tentaciones de San Antonio”, 1946 


SALVADOR DALÍ :"Sueño causado por el vuelo de una abeja", 1944

DALÍ: "Construcción blanda con judías hervidas" ("Premoción de la Guerra Civil"), 1936
JOAN MIRÓ: "Hirondelle amour", 1933




Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, algunos de los surrealistas abandonan París y se trasladan a Estados Unidos. Allí dejarán su impronta que será el germen de los futuros movimientos de posguerra.
KAY SAGE, pintora estadounidense que viajó durante varios años por Europa, se instaló en París en 1937 y se integró en el grupo surrealista. En 1939 regresa a Nueva York y allí organiza la llegada al exilio de Yves Tanguy y ayudará a otros surrealistas a desarrollar su arte en Estados Unidos.
KAY SAGE: "I Saw Three Cities", 1944
KAY SAGE: "In the Third Sleep", 1944


En palabras de René Huyghe,"el surrealismo pretende deshelar la vida mediante una imaginación liberada de las cadenas impuestas por la religión, el mito y la literatura, revelando las vivencias del inconsciente. Se adentra en el terreno de la vida psíquica no explorada hasta el momento"

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