AREL-ARTE

CIUDADES CON NOMBRE PROPIO

2012-01-29T18:18:00.155+01:00

OSKAR KOKOSCHKA: "Londres, vista del Támesis ", 1959

Más allá de la representación genérica de la ciudad, la creación artística se detiene en muchas de ellas que, a lo largo del tiempo, han adquirido una personalidad propia. Así son retratadas, poetizadas, fotografiadas o cantadas como si fueran un ser vivo con sus gestos, sus formas y su peculiar lenguaje.

Retratadas, poetizadas...

Dresde, Londres, Venecia, Madrid… Los retratos de ciudades forman un importante capítulo de la obra del pintor expresionista Oskar Kokoschka. Fue el único artista capaz de renovar en la edad contemporánea la experiencia de Canaletto, Guardi y Bellotto.

OSKAR KOKOSCHKA: "Dresde"

OSKAR KOKOSCHKA: "Venecia"

Boccioni, antes de convertirse en el impulsor del movimiento futurista, realizó parte de sus obras siguiendo la tendencia divisionista. Interesado por la vida moderna surgida con la industrialización, la temática urbana será uno de sus temas preferidos. En el caso de la pintura del Gran Canal, se aprecia la quietud y serenidad que desaparecerá en sus obra futuristas, en que el dinamismo será esencial.

BOCCIONI: Gran Canal", 1907

EDUARDO ÚRCULO: "Nueva York"

EDUARDO ÚRCULO: "Sky line. La gran tentación.", 1988

SALVADOR MONTÓ: "Nueva York"

La obra del pintor valenciano Salvador Montó se puede englobar dentro de la neofiguración, y se caracteriza por una pintura que juega entre el realismo y las manchas de color.De lo genérico a lo particular:

un ensayo sobre la ciudad

El pintor Ricardo Galán Urréjola refleja el mundo urbano con enorme sensibilidad. Funde la realidad con la pincelada expresionista. Las manchas de colores tenues muestran la ciudad solitaria, en penumbra. Londres y Madrid son sus protagonistas más frecuentes.

RICARDO GALÁN URRÉJOLA: "Vista sobre el Támesis"

Ricardo Galán Urréjola "Torre del Círculo iluminada"

Ricardo Galán Urréjola: "Así vi la Gran Vía"

ANTONIO LÓPEZ: "Gran Vía"

La ciudad: un organismo vivo

Metropolis by Rob Carter - Last 3 minutes from Rob Carter
You've Got to Love London from Alex Silver on Vimeo.
En la fotografía

HINE:Old Timer Keeping up with Boys, Empire State Building,1930

Benedek Gabor, BuranoIV y Venecia

En la música

ROBERTO GONZÁLEZ FERNÁNDEZ: VISIONES DE LA CIUDAD

2012-01-03T01:16:00.003+01:00

“CONFUSION XXIX”, Cascais, 2011. CASA DAS HISTORIAS

Enorme y espléndida la labor creativa de este pintor gallego, nacido en Monforte de Lemos en 1948.

Estudia en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. En 1977 se instala en Edimburgo y a partir de 1982 comparte residencia entre esta ciudad y Madrid. En 1984 es becado por “The New York Foundation for the Arts”.

Su obra se puede encontrar en las colecciones de numerosos museos e instituciones nacionales e internacionales.

Su plástica es el medio de expresión donde exterioriza sus sensaciones, su estado emocional, su manera de ver el mundo. En ella se mezclan el realismo y la expresión conceptual, con una importante carga simbólica.

Su creatividad le lleva a la práctica de diferentes modos de expresión artística: fotografía, litografía, carteles, dibujo a carboncillo y a tinta, pintura al óleo, obra gráfica y recientemente fotografía y collages digitales además de escultura.

"Ha comenzado la hora del abismo", 1987

La soledad, el deseo, el aislamiento, el miedo, el compromiso forman parte de su bagaje conceptual. En esta obra diríamos que incluso tiene carácter premonitorio.

La preocupación del artista por el espacio y por el tiempo se hace evidente tanto en el estilo narrativo de su obra como en la organización seriada de su trabajo. Entre esas series reflejaré las que están relacionadas con el mundo urbano:

“ELEPHANT WALK" en la que recrea un barrio de la ciudad de San Francisco, Castro.

"ARQUITECTURAS" en que representa una serie de fachadas en las que apenas aparece o se intuye la figura humana.

AZULES, fachadas y patios

"Bien", 1975 (lápiz sobre papel teñido)

CAJA DE VIAJES es otra serie que muestra la pasión viajera de RGF.

LA CORUÑA

UN CARTEL

"Lo que queda del aire", 1987 (cartel en lápiz y tinta sobre cartón)

IRREALIDADES

En 2002 comienza una serie de "collages" llena de contenido, con títulos explícitos que, juntos, forman un pequeño discurso verbal visualizado a través de las imágenes. Selecciono tres obras pero para leer la serie ir a la página web de RGF.

Algunas de las obras de RGF nos hacen recordar a Edward Hopper e incluso a Hockney y a Magritte.

SERIE CONFUSIÓN

CONFUSIÓN VII, LA CORUÑA
Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa. MACUF

RGF realiza esta serie entre el 2005 y el 2011. Se supone que la Torre de Babel estaba situada en la llanura de Mesopotamia entre el Eúfrates y el Tigris, lo que hoy es Irak. En esta serie, la confusión (Babel) se relaciona con la amenaza del terrorismo internacional a los pilares de la civilización occidental representadas en este caso por edificios emblemáticos, Museos, y Centros de Arte Contemporáneo. (Fuente: página web de RGF)

Página web de RGF

RICHARD ESTES: LA CIUDAD REFLEJADA

2011-12-08T01:18:00.001+01:00

RICHARD ESTES: "Cabinas telefónicas", 1967

RICHARD ESTES, pintor nacido en Illinois, es uno de los fundadores del movimiento fotorrealista, surgido a finales de la década de 1960 en los Estados Unidos. Movimiento que se basa en la reconstrucción plástica o pictórica de la imagen fotográfica. En ocasiones se ha considerado esta tendencia como heredera del Pop Art por hacer de lo cotidiano y popular, protagonista del cuadro. Pero el Pop Art tiene una mirada irónica y humorística de la que carece el fotorrealismo.

RICHARD ESTES: "Urban Landscapes Suite-Grants"

Estudió en el Art Institute de Chicago desde 1952 hasta 1956 y trabajó en publicidad en Nueva York y en España.

En 1966 su situación económica le permitió pintar a tiempo completo, y dos años después tuvo su primera exposición individual en Nueva York, donde también ha expuesto en el Museo Metropolitano.

El artista persigue una iconografía en perfecto equilibrio entre la lucidez visual impersonal de la fotografía y la práctica pictórica.

RICHARD ESTES: "Bridge"

"34th Street Cross Town Bus"

EL CULTURAL.es

"Central Savings", 1975

"Broad Street New York City", 2003

" View of Manhattan from Staten Island Ferry", 2008

"People's Flowers 1971"
(Ver animación)
Este cuadro, en particular, se podría considerar el más pop de todos los cuadros de Estes porque su propio título, originado como en tantos otros de sus cuadros por el nombre del edificio o del establecimiento que representa, es, sin duda, el más "popular" de todos los nombres posibles. Para que no quede la menor duda al respecto, existe un efecto de repetición, pues el nombre aparece en el rótulo superior de la tienda, debajo de éste en el volante del toldo y, aún por debajo de éste, en el rótulo luminoso tras el cristal del escaparate. Este último rótulo luminoso lo vemos una vez más, aunque al revés y duplicado por el reflejo, tras el cristal de la otra fachada, la que se aleja del observador." (Para seguir el comentario:MUSEO THYSSEN)

RICHARD ESTES: "Urban Landscapes III, Manhattan", 1981

LA CIUDAD EN LA PINTURA DE EDWARD HOPPER Y BALTHUS

2011-11-27T21:26:00.014+01:00

HOPPER: "Entrando en la ciudad", 1946

El pintor de la ciudad

Edward Hopper (Nyack, 1882-Nueva York,1968). Pintor estadounidense que fue uno de los principales representantes del realismo del siglo XX. Su obra muestra una perfecta captación de la soledad del hombre contemporáneo. A través de su pintura nos acercamos a la América de la Gran Depresión que para él simbolizaba la crisis de la vida moderna.

HOPPER: "Nighthawks", 1942

El tratamiento cinematográfico de las escenas y el personal empleo de la luz son los principales elementos diferenciadores de su pintura.

HOPPER: "Drug Store", 1927

HOPPER: "Amanecer en Pensilvania", 1942

Alejado de las modas y tendencias artísticas, su estilo recibe múltiples influencias, pero suele encuadrarse en el llamado “realismo americano”. Sus pinturas son lacónicas, en ellas se aprecia el vacío y el silencio. Las escenas que crea están invadidas por una leve acción, como el rumor de la brisa suave de una cortina.

HOPPER: "Yonkers", 1916

HOPPER “Tejados de Ciudad”, de 1932

HOPPER: "La luz del sol en una cafetería", 1958

HOPPER: "Domingo", 1926

La vida cotidiana en la mirada de Balthus

BALTHUS: "La calle", 1935

Nacido en París en 1908 en una familia de intelectuales y artistas de origen polaco, el conde Baltasar Klossowski de Rola, Balthus, fue amigo de Bonnard, Derain, Giacometti y Picasso, de Malraux, Artaud y Camus, de Fellini. Admiró a Mozart, a Pascal, al Rousseau de las Confesiones, a Poussin y a los pintores italianos del trecento: Giotto, Massaccio y, sobre todo a Piero della Francesca. A éstos les debe, en parte, la atmósfera que persigue en sus cuadros, pintados con tiempo y luz, gracias a los efectos del color y a la geometría interna del dibujo.

Tuvo un patronazgo excepcional en el poeta Rainer Maria Rilke, íntimo amigo de su madre, quien prologó e hizo publicar en 1919 el ciclo de dibujos que, con 11 años, Balthus había realizado en memoria de su gato Mitsou.

Herido en la Segunda Guerra Mundial, Balthus se refugió en Suiza hasta los años cincuenta, cuando André Malraux, entonces Ministro de Cultura bajo el gobierno de Charles
De Gaulle, le dio el puesto de director de la Villa Médici en Roma, lugar donde vivió durante años.

BALTHUS: "La calle del comercio en Saint André", 1954

“Hay que aprender a atisbar la luz. Sus inflexiones. Sus fugas y sus filtraciones. Por la mañana, después del desayuno, después de leer el correo, informarse sobre el estado de la luz. Saber si es posible pintar hoy, si el avance en el misterio del cuadro será profundo. Si la luz del estudio será buena para penetrar en él”

“Siempre me ha parecido indispensable esa modestia ante los grandes, captar algo de su pericia, de su generosidad, y así ir avanzando”. BALTHUS

También en el blog
"Referencias en el arte de Hopper"
"Edward Hopper: el arte de la sugerencia"

MARIO LEVRERO: "LA CIUDAD"

2011-11-01T21:04:00.001+01:00

O Curioso Impertinente me envía una interesante colaboración que transcribo literalmente y que agradezco muchísimo. El libro que presenta y la imagen de su portada son muy oportunas en relación con las últimas entradas del blog. Como él mismo afirma "todo conspiraba para hacer esta aportación."

RENÉ MAGRITTE “O universo desenmascarado”, 1932

LA CIUDAD EN EL ARTE: NEOPLASTICISMO, PINTURA METAFÍSICA Y SURREALISMO

2011-10-24T23:18:00.006+02:00

PIET MONDRIAN: "Broadway, Boogie-Woogie" 1942-43

NEOPLASTICISMO

El Neoplasticismo es una corriente artística impulsada por PIET MONDRIAN en 1917 que proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal.

Los Neoplasticistas son un grupo de artistas holandeses: arquitectos, como Theo van Doesburg y Rietveld, escultores, como Vantongerloo, y pintores como Mondrian, agrupados en torno a la revista De Stijl (El Estilo). Son partidarios decididos de la abstracción y la simplificación más absoluta. La línea recta, los volúmenes simples (prismas), y los colores planos, fundamentalmente los primarios, son características comunes a todos los integrantes del movimiento.

PIET MONDRIAN: "Ciudad de Nueva York",1942

Quizá el más radical en sus planteamientos dentro del grupo sea el pintor Mondrian el cual repite en sus cuadros una y otra vez variaciones compositivas a base de rectángulos de distinto tamaño pintados únicamente con los tres colores primarios (rojo, amarillo y azul) además del blanco y el negro (líneas). Mondrian busca un “arte puro”, no contaminado de particularismos y ajeno a toda “alienación”. Para Mondrian existe una ley de equilibrio universal y para comprenderla hay que eliminar las particularidades. Sentimientos y emociones no tienen cabida en su arte, sus planteamientos son puramente racionales.

El geometrismo de Mondrian al representar la ciudad nos lleva al urbanismo, a la imagen de la estructura urbana.

PIET MONDRIAN: "Victoria Boogie-Woogie", 1943-1944

PINTURA METAFÍSICA Y SURREALISMO:

GIORGIO DE CHIRICO

La pintura metafísica de GIORGIO DE CHIRICO es considerada una de los mayores antecedentes del movimiento surrealista. En su estancia en Alemania tomó influencias de autores simbolistas y la filosofía de NIetzsche. En 1911, en París, comienza a realizar obras de imágenes muy sorprendentes, basadas en la representación de espacios urbanos, en los que predominan los elementos arquitectónicos y la proyección de sombras. Logra crear en sus obras un espacio extraño, atemporal, donde parece que se puede encontrar la calma y el silencio, pero también el desasosiego y el misterio.

GIORGIO DE CHIRICO:"Misterio y melancolía de una calle". 1914

"…sus personajes con la cabeza vacía ejemplifican bien el balance acusador de la inhumanidad. Las plazas desiertas, la decoración petrificada muestran al hombre deshumanizado por las cosas que ha creado y que, fijadas en un urbanismo en el que se condensa la fuerza opresiva de las ideologías, lo vacían de su sustancia, lo vampirizan." RAOUL VANEIGEM (líder de la Internacional Situacionista): " Tratado del saber vivir para uso de las jóvenes generaciones."

GIORGIO DI CHIRICO: "Plaza de Italia", 1913

«Lo verdaderamente nuevo que descubrió Nietzsche es una poesía extraña y honda, infinitamente misteriosa y solitaria, que surge de la atmósfera de una tarde de otoño, cuando el tiempo está claro y las sombras son más largas que en verano. Puede hacerse esta experiencia extraordinaria en las ciudades italianas y en algunas otras del Mediterráneo, tales como Niza; pero la ciudad italiana por excelencia, en cuanto a la manifestación del fenómeno, es Turín». GIORGIO DE CHIRICO

EL SURREALISMO:
SALVADOR DALÍ Y JOAN MIRÓ

DALÍ: "Suburbios de la ciudad paranoico-crítica. Por la tarde en las afueras de la Historia Europea", 1936

Francia será la cuna del Surrealismo. En 1917 el poeta Guillaume APOLLINAIRE inventa el término "surrealista" para designar sus obras de teatro. Sin embargo, el gran teórico del movimiento fue André BRETON. El "acta de fundación" del movimiento se redacta en 1924 (Manifiesto surrealista). Breton y su grupo de intelectuales y artistas se confiesan fascinados por las investigaciones de Sigmund Freud, entonces rompedoras. Una de las misiones del surrealismo será liberar el inconsciente reprimido, plasmar en la pintura el mundo interior, lo subconsciente y surreal: los miedos, las fobias, las obsesiones que anidan en lo profundo de la mente humana. Se llega al mundo de las imágenes a través del sueño.

André Breton definía el Surrealismo como un automatismo psíquico mediante el cual nos proponemos expresar sea verbalmente, por escrito o de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento, más tarde añadirá a esta 1ª definición... “dictado del pensamiento en ausencia de todo control ejercido por la razón al margen de toda preocupación estética o moral, consciente”.

RENÉ MAGRITTE
SURREALISMO DE POSGUERRA

MAGRITTE: "Golconde", 1953

"Ser surrealista… significa borrar de tu mente cualquier recuerdo de lo que has visto, y estar siempre buscando lo que no has visto nunca.

A la mente le encanta lo desconocido. Le encanta las imágenes cuyo significado está oculto, puesto que el significado de la mente también es desconocido." RENÉ MAGRITTE

RENÉ MAGRITTE: "El universo desenmascarado", 1932

LA CIUDAD EN EL ARTE. VANGUARDIAS HISTÓRICAS II

2011-10-04T23:59:00.004+02:00

GEORGIA O'KEEF: “New York with Moon”, 1925

La Secesión de Viena

EGON SCHIELE: "Stein en el Danubio, con viñedos en terrazas", 1913

EGON SCHIELE: "La ciudad vieja", 1914

La frustración que supuso para la burguesía austriaca ver como sus esperanzas de alcanzar el poder político se esfumaban se canalizaría apoyando revueltas de carácter cultural. Al no poder participar en las transformaciones políticas y sociales, la burguesía liberal se centró en la literatura, la ciencia y el arte, apoyando a los jóvenes creadores y participando de sus movimientos de rebeldía. Varios artistas vieneses deciden agruparse en 1897 bajo la denominación de Secesión, con objeto de promover un arte verdadero frente al formulismo académico. Entre ellos se encuentran EGON SCHIELE Y OSKAR KOKOSCHKA. Ambos realizan cuadros urbanos.

OSKAR KOKOSCHKA: " Dresde, Neustadt VII", 1922

OSKAR KOKOSCHKA: "Dresde, los puentes del Elba", 1923

Del Cubismo a la abstracción

Los artistas cubistas, siguiendo los caminos trazados por Cezanne, intentan una reducción de la realidad a sus formas esenciales utilizando para ello la geometría (“La geometría es a las artes visuales lo que la sintaxis es a la escritura”, decía Apollinaire). Se trata de plasmar en el cuadro la cuarta dimensión de los objetos: el espacio-tiempo que se consigue mediante la suma de todas las perspectivas. Valora la expresión primaria del volumen y la forma reducidos a conos, cubos, cilindros, esferas...

La imagen urbana es un tema que se ajusta a esta concepción volumétrica de las formas.

MALEVICH: "Un inglés en Moscú", 1914

KAZIMIR MALEVICH: "En el Gran Hotel", 1913

Cubismo y arquitectura

LUDWIG HILBERSEIMER: "Hochhausstadt Perspektivische Ansicht der Nord-Südtra", 1924

El interés por la gran ciudad caracteriza el arte de los años veinte. La complejidad y animación de lo urbano son considerados más interesantes y dignos de acercamiento artístico que la ingenuidad y carácter originario del campo. GEORGIA O'KEEF captará este mundo artificial desde el apartamento que ocupa junto a su compañero, el fotógrafo Alfred Stieglitz, en el hotel Shelton. Es el contrapunto a la imagen del campo.

GEORGIA O'KEEF: " Ciudad de noche", 1926

GEORGIA O'KEEF: "Radiator Building at Night, New York", 1927

GEORGIA O'KEEF: "East River, New York",1927

El Orfismo

«Mientras el cubismo tiende al dibujo integral, el orfismo es una búsqueda del color puro. Frente a los cuadros cubistas, generalmente de tonos neutros, los cuadros órficos serán deslumbrantes de colores». André Warnod

Delaunay: "Ya no son manzanas en un frutero, o una torre Eiffel o calles o vistas exteriores lo que pintamos; es el latido del corazón mismo del hombre, que se siente a sí mismo, que se entrega a sus capacidades intuitivas y las hace palpables con el lenguaje universal de los colores".

ROBERT DELAUNAY: "Villa de París", 1912

"Al dar así bruscamente libre curso a la virulencia explosiva de las formas-colores puros, Delaunay liberaba a la pintura de las construcciones petrificadas del cubismo, del que sin ambages se declaraba «heresiarca». Él mismo precisaba lúcidamente dónde radicaba el conflicto con sus «camaradas que habían desterrado los colores de su paleta, lo cual la había privado de todo elemento móvil», señalando su plena conciencia del vínculo existente entre el cromatismo y el movimiento." RENÉ HUYGUE

ROBERT DELAUNAY: "Ventanas simultáneas sobre la ciudad", 1912

ROBERT DELAUNAY: "Champs de Mars. La torre roja", 1909

Dadaísmo

Movimiento pictórico y también literario que construye su arte como ataque abierto contra todo lo que suponga orden, resalta, ante todo, lo absurdo y la desacralización del arte.

GEORGE GROSZ, sin título, 1920

GEORGE GROSZ : "Autómatas republicanos", 1920

La 1ªGuerra Mundial provocó una reacción en un grupo de escritores y artistas que eligieron el nombre de Dadá, una palabra que no significa nada: "Hemos decidido reunir nuestras actividades diversificadas bajo el nombre de Dadá. Hemos encontrado Dadá y tenemos Dadá. Dadá sale de un diccionario, no significa nada. Es la nada significativa cuya significación consiste en significar algo. “Queremos cambiar el mundo con nada, queremos cambiar la poesía y la pintura con nada, y queremos acabar con la guerra con nada".

GEORGE GROSZ: "Día gris", 1921

Estos escritores y artistas creían que una sociedad capaz de producir algo tan horripilante como la I Guerra Mundial era intrínsecamente mala, una cultura a la que había que destruir.

La abstracción

El propósito de los artistas abstractos es prescindir de todos los elementos figurativos para concentrar la fuerza expresiva en formas y colores que no ofrezcan relación con la realidad visual. La obra de arte se convierte en una realidad autónoma sin conexión con la naturaleza.

KANDINSKY: "Houses in Munich", 1908

"Rusos y alemanes sintieron muy pronto el apoyo y la complicidad que les ofrecía las realizaciones de Delaunay en Francia. Delaunay mantuvo relaciones cordiales lo mismo con Kandinsky que con Klee, Marc o Macke, desde 1912. El año anterior fue el único invitado francés del Blaue Reiter en Munich, y se le vio en Berlín en 1913 con Apollinaire. Esta convergencia de esfuerzos caldeó los espíritus, y la chispa de la no figuración en la que nadie había osado pensar hasta entonces, prendió fuego a la pólvora.
Pero más allá de la abstracción, cuyo nacimiento puede apreciarse entonces, más allá del color cuyo renacimiento se realiza, hay que subrayar ahora la nueva importancia que toma el dinamismo, en el que quizá se expresa la naturaleza más nueva de nuestra época."

RENÉ HUYGUE

KANDINSKY: "Vista de Murnau", 1908

KANDINSKY: "Munich-Schwabing con la Iglesia de Santa Úrsula ",1908

Uno de los artistas más representativos es VASILI KANDINSKY. Por su herencia eslava, por su formación neoimpresionista y por su participación en el expresionismo alemán, no recibió nunca más que los mandatos del color. En sus primeras obras refleja aspectos de la vida urbana con una técnica próxima al fauvismo

KANDINSKY: “La Calleja Grün en Murnau”, 1909

y al expresionismo,

KANDINSKY: "La dama de Moscú", 1912

...pero a partir de la 2ª década del siglo se vuelca en la abstracción geométrica.

KANDINSKY: "Gran Torre de Kiev", 1924

"Pensaba poco en las casas y en los árboles; con la espátula aplicaba franjas y manchas de color sobre el lienzo y hacía que cantaran lo más alto posible. En mis oídos resonaba esa hora fatal en Moscú, ante mis ojos veía los colores fuertes e intensos de Munich y el profundo trueno de sus sombras." Kandinsky
PAUL KLEE
Klee será uno de los artistas abstractos más interesados por la arquitectura. El tema urbano es frecuente en su obra. Sus numerosos viajes se reflejarán a través de su creación: Roma, Florencia, Túnez, Kairuán, calles, plazas, jardines... todas las imágenes urbanas están en su paleta.

KLEE: "Cupulas rojas y blancas", 1914

PAUL KLEE:"Dream City", 1921

Klee enseñó en la escuela de la Bauhaus después de la Primera Guerra Mundial, donde su amigo Kandinsky fue también un miembro de la facultad.

"(…) Klee centra buena parte de sus reflexiones plásticas sobre la ciudad y este rico mundo, poético y sensitivo, que se encara con el trasfondo racional y pragmático del proceso de construcción urbano. Aquí reside el interés que apuntamos ente la disciplina urbanística y el mundo de Klee.(…) Leonardo Benévolo señala, en su Historia de la Arquitectura Moderna, los vínculos observables entre las composiciones urbanísticas de Gropius y varias pinturas de Klee, coincidentes en el tiempo." Fernando Agrasar Quiroga: “Notas sobre un magisterio urbanístico”

PAUL KLEE: "Ciudad italiana", 1928

PAUL KLEE: "Villas florentinas", 1926

En sus imágenes urbanas presenta la línea de base y apoyo de las construcciones y el perfil, o skyline de lo ciudad. Da un papel importante al color. Superpone los volúmenes mostrando la densidad urbana y plantea por medio de sus formas los problemas arquitectónicos

LA CIUDAD EN EL ARTE: LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS I

2011-09-11T21:16:00.000+02:00

MATISSE:"Collioure, estudio del pintor", 1905

Las imágenes urbanas se renuevan

A comienzos del siglo XX se producen grandes cambios en la vida cotidiana de las ciudades. Inventos como el automóvil, el avión o el teléfono y la generalización del uso del ferrocarril, redujeron las distancias y aceleraron el ritmo de vida.

GINO SEVERINI: "Tren de la Cruz Roja atravesando un pueblo", 1915

Los nuevos movimientos artísticos conocidos como "vanguardias históricas" surgen en el ámbito urbano y la ciudad con sus rascacielos, sus calles y plazas, el ir y venir de sus gentes, se convierten en un tema recurrente para los artistas.

Pintura y literatura expresarán a través de sus obras todas las imágenes y sentimientos contrapuestos que ofrece la ciudad: el bullicio, la cultura, los avances técnicos, la soledad, la riqueza y la miseria, la vitalidad y el desasosiego, el anonimato..."una multitud en la que nadie está del todo claro para el otro y nadie es para el otro enteramente impenetrable" (WALTER BENJAMIN).

KLIMT: " Malcesine on Lake Garda",1913

Las profundas alteraciones en las formas de vida que se producen a partir de la Revolución Industrial y de las revoluciones burguesas del siglo XIX, con la implantación del liberalismo, darán lugar a enormes trasformaciones sociales en todos los ámbitos de la realidad. El arte experimenta nuevos caminos de la mano del movimiento impresionista y postimpresionista, pero será el siglo XX, a través de las vanguardias, el que romperá de una manera contundente con las tradiciones formales seguidas hasta el momento. La historia con sus acontecimientos -urbanismo creciente, avances técnicos, guerras mundiales, auge del fascismo, depresión de 1929...- se reflejará en las manifestaciones artísticas. El artista, libre de la presión de los mecenas, dará rienda suelta a su labor creativa individual y así surgirán las distintas tendencias en la pintura, uno de cuyos temas será la ciudad como centro de relaciones complejas y donde muchos pintores se establecen.
La fascinación simbolista

FERNAND KHNOPFF: " La ciudad abandonada", 1904

El pintor reproduce una esquina de la plaza de Menling en Brujas. Ejemplo de dibujo fantástico: "ambiguo, a un tiempo agradable y amenazante, inquietante, desierto." ("Arte fantástico", Walter Schurian).
Obra basada en un relato simbolista de Georges Rodenbach: ..." el agua de los viejos canales es débil y está poblada de espíritus, / llena de tristeza en medio de las viejas ciudades (...) / tanto se lamenta que incluso parece mortal. / ¿por qué tan desnuda y ya tan próxima a la nada? ¿y qué hace, / con todo su cansancio, sus sueños sombríos, / para no ser solo un espejo delator de la escarcha, / allá donde incluso a la luna le cuesta sobrevivir?"
La ciudad desde la mirada de fauvismo

ANDRÉ DERAIN: "Puente de Charing Cross"

DERAIN: "London St. Paul's Cathedral
seen from the Thames", 1906

Mientras que los impresionistas atendían a los efectos de la luz sobre las superficies, los pintores fauvistas se interesan por los colores puros y planos que juegan con las formas. No se preocupan por las cuestiones espaciales. Pintura sencilla, poética que apela a los sentidos, a lo emocional. Causó un fuerte impacto en los espectadores del momento.
El mundo urbano en el expresionismo

AUGUSTE MACKE: "Las personas se reunen", 1914

Frente a los demás pintores expresionistas, Macke pintó la vida callejera de una manera amable, escaparates divertidos, cafés, jardines, paseantes. Le gustaba la policromía del vestuario femenino.

AUGUST MACKE: "Casa en el jardín", 1914

El expresionismo ilustra el lado pesimista de la vida, el que se genera tanto por las circunstancias históricas del momento como por los descubrimientos audaces de los postimpresionistas. Es como un grito en el contexto de una sociedad que vive una industrialización acelerada, con una rápida transformación de las ciudades, de la forma de vida, pero que en cambio, mantiene una mentalidad antigua, con un rígido autoritarismo.

La cara oculta de la modernización (alienación, aislamiento y masificación) quedó al alcance de la vista, sobre todo en las metrópolis. Cuadros cargados de emoción debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano...

KIRCHNER: "Escena callejera"

Kirchner empieza a pintar casi exclusivamente escenas de las calles de Berlín y en 1931 escribe: "La luz moderna de las ciudades, el movimiento en la calle; esos son mis estímulos. Una nueva belleza cubre la tierra... La observación del movimiento excita mi pulsión vital, fuente de creación".
En 1914 publicó su "Guía para pintar las grandes ciudades": "Tenemos que empezar a pintar de una vez el lugar donde hemos nacido, la gran ciudad que tanto amamos. Nuestras manos febriles deberían trazar sobre innumerables telas, grandes como frescos, toda la magnificencia y la extrañeza, toda la monstruosidad y lo dramático de las avenidas, estaciones, fábricas y torres".

MEIDNER: "Ciudad incendiada", 1913

La angustia que se aprecia en las obras expresionistas con frecuencia se ha visto como la premonición de una catástrofe inminente, La Gran Guerra.

Munch emplea el motivo de la calle principal de Cristianía como escenario en el que tiene lugar la soledad, el temor y la alienación mutua.

MUNCH: "Atardecer en el paseo Karl Johan", 1892

Lyonel Feininger entre el Expresionismo y el Cubismo

LYONEL FEININGER: "Señora en malva", 1922

LYONEL FEININGER: "Arquitectura II" (El hombre de Potin), 1921

"Gaberndorf II",1924

Espacio y tiempo en el Futurismo

El Futurismo rompe con el equilibrio del arte tradicional y reivindica para su arte el dinamismo y el movimiento como elementos de la modernidad. Esto da lugar a que su obra se distinga por sus vibrantes composiciones de color que producen sensaciones simultáneas de espacio, tiempo y sonido.

BOCCIONI: "la ciudad que emerge", 1910

La nueva ciudad cambiante y compleja en la que la velocidad y el dinamismo son parte de su esencia, será un tema recurrente en el movimiento futurista. Para Boccioni la ciudad era el “nuevo altar de la vida moderna, vibrante y dinámico”
"La magnificencia del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Nosotros cantaremos a las grandes muchedumbres agitadas por el trabajo, por el placer o la revuelta; cantaremos las marchas multicolores y polifónicas de las revoluciones en las capitales modernas; las estaciones glotonas, devoradoras de serpientes humeantes; las fábricas colgadas de las nubes por los retorcidos hilos de sus humos; los puentes semejantes a gimnastas gigantes que saltan los ríos, relampagueantes al sol ton un brillo de cuchillos; las locomotoras de ancho pecho que piafan en los raíles como enormes caballos de acero embridados con tubos, y el vuelo deslizante del aeroplanos, cuya hélice ondea al viento corno una bandera y parece aplaudir como una muchedumbre entusiasta” BOCCIONI: “Manifiesto del Futurismo"

DEPERO: "New York, 1930

EVOCANDO A LUCIAN FREUD

2011-08-02T14:39:00.007+02:00

REFERENCIA BIOGRÁFICA

Lucian Freud nació en Berlín en 1922. Su familia huye del régimen nazi y se exilia a Inglaterra. A los 17 años el artista adquiere la nacionalidad británica. En 1943 se establece en Paddington, en un barrio popular destruído por los bombardeos de la II Guerra Mundial.

Nieto del creador del psicoanálisis, pinta desnudos porque le permiten "ver los instintos y deseos básicos" de la gente.

Lucian Freud fue, junto a Francis Bacon, uno de los más brillantes representantes de la Escuela de Londres.

"La habitación del pintor", 1943

"Chica con hojas", 1948

SU ESTILO
Iniciado en el surrealismo en su juventud, se convirtió tras la Segunda Guerra Mundial en uno de los principales representantes de la pintura figurativa inglesa.

"Interior en Paddington", 1951.

En 1951 ganó el premio del Festival de Bretaña con esta obra y desde entonces se labró una importante reputación como uno de los más notables pintores figurativos contemporáneos.

Durante los años cuarenta y cincuenta, madura un estilo de realismo meticuloso, singularizado por un toque de fantasía en el que el dibujo queda bien definido.

Hacia 1947 conoció a Francis Bacon, con quien compartiría la amistad y la inclinación por pintar el cuerpo humano. Lucian Freud muestra a las figuras en situaciones pasivas, mientras que Francis Bacon orienta a sus personajes hacia la acción. Ambos artistas se retratan mutuamente y se autorretratan. Tanto Bacon como Freud forman parte esencial de una generación de artistas figurativos ingleses.

SUS TEMAS

Los temas que resultan cruciales en la obra de Freud: los desnudos.

"Echado sobre el sofá verde"

"Sleeping nude", 1950

"Dos mujeres", 1992

"Painter and model", 1986-1987

Los desnudos, masculinos y femeninos dejan constancia del interés que este tipo de retratos tienen para Freud, ya que en ellos sacia su fascinación por la naturaleza y el cuerpo humano. Freud no pinta cuerpos bellos ni rostros hermosos. Sus retratos, perturbadores e inquietantes, hacen pensar en el ser humano desprotegido. Quiere mostrar a sus retratados en su máxima naturalidad para que dejen caer sus "fachadas protectoras", como él mismo las llama, y así poder sacar de ellas lo que ni sospechan que tenían dentro. El artista muestra una enorme capacidad de captación y penetración psicológica de sus modelos.

...y los autorretratos y retratos a sus amigos íntimos y a miembros de su familia, como su madre Lucie o su hija Bella.

"Girl reading", 1952

"Boy´s head", 1952

...también son recurrentes en su trayectoria los perros

"Double portrait", 1985 1986

"Triple portrait", 1986-1987

... o las estampas extraídas del jardín de su casa.

"Interior with plant, reflecction listening" (self potrait)

"Two Plants",1977-80

De alguna manera Lucian Freud continúa la tradición inaugurada por su abuelo de descubrir en las personas lo que está más allá de lo visible.

"No es importante copiar propiamente al modelo. La pintura es todo lo que se siente sobre ella, todo lo que se piensa sobre ella, todo lo que se pone en ella cuando se la pinta".

"El tema es autobiográfico, cuanto tiene que ver con la esperanza y la memoria y la sensualidad y la participación, la verdad..." "Pinto gente, no por lo que quisieran ser, sino por lo que son".

"Cuanto más se mira un objeto, más abstracto se vuelve, y, paradójicamente, más real"

«La manera como un pintor usa la pintura os hablará de él. Un pintor requiere coraje, ternura, independencia de pensamiento y debe poner en duda todo lo que existe».

«Para emocionarnos y hacernos reaccionar, la pintura no debe sólo limitarse a recordarnos la vida, sino que tiene que poseer vida propia».

"El pintor sorprendido por una admiradora desnuda", 2004

«Considero el retrato como una actitud. Pintar objetos como símbolos o de una manera retórica no me interesa. Creo que la cosa más aburrida que se puede decir sobre una obra de arte es “eternidad”. Esta palabra me provoca una sensación de pánico».

«Some thoughts on painting»: “Mi propósito como pintor es intentar hacer reaccionar a los sentidos al ofrecer una realidad intensificada. El hecho de que lo pueda lograr depende del grado de intensidad que el pintor asuma y sienta hacia el objeto o la persona que haya elegido…”

"La madre del pintor", 1973

«Some thoughts on painting»: “El pintor hace real para los demás sus más recónditos sentimientos sobre lo que aprecia y le preocupa. Desvela un secreto a todos aquellos que contemplan el cuadro con la intensidad con la que él lo ha sentido.”

«Some thoughts on painting»: “Los pintores que se niegan a ellos mismos representar la vida y limitan su lenguaje a puras formas abstractas se privan de la posibilidad de provocar algo más en el espectador que la emoción estética.” “Trabajo con personas que me interesan, a las que quiero y en las que pienso, en habitaciones donde vivo y que conozco”. Lucian Freud

Julian Freud formó parte de un grupo de artistas que constituyeron la denominada Escuela de Londres.
ESCUELA DE LONDRES

MICHAEL ANDREWS: "Colony Room"

Escuela figurativa inglesa de los años 50 Y 60, formada por artistas de la talla de Lucian Freud, Francis Bacon, Leon Kossoff, Frank Auerbach y Ronald Brooks Kitaj.Algunos críticos han considerado que existe una vertiente expresionista en el grupo, mientras que otros han relacionado a sus componentes con el Surrealismo e incluso con la “Nueva Objetividad”. En Inglaterra, la II Guerra Mundial representó una ruptura total en la evolución de la pintura. El rasgo dominante de los intentos artísticos fue la angustia. Se bautizó con el nombre de "geometría del miedo" los formas angulares de los escultores de la época.Las obras de Henry Moore, Francis Bacon, Lucian Freud y Graham Sutherland expresan la ansiedad de un periodo aún turbulento.

"Benefits Supervisor Sleeping”

Esta obra fue pintada en 1995 y es tal vez la más famosa debido a que en una subasta de Christie’s celebrada en el 2008 en Nueva York alcanzó la cifra de 33,6 millones de dólares, cifra récord para una obra de un artista vivo.

El propio artista se sorprendió por ello..."yo nunca imaginé que un día uno de mis cuadros sería el más caro del mundo pero se ha convertido en una especie de imagen icónica. Es muy emocionante y como yo no tengo hijos es maravilloso pensar que un poco de mí va a durar para siempre".

Una mirada al arte británico

ANTONIO LÓPEZ Y VICTOR ERICE: "EL SOL DEL MEMBRILLO"

2011-07-10T23:35:00.001+02:00

"Hay una lentísima fuga de la luz que va resbalando por las hojas del membrillero, y al pie del árbol, como un cazador, está Antonio López con un lienzo en el caballete que parece una trampa tendida para atraparla. Esa luz es otro río de Heráclito, en la cual nadie podría bañarse nunca dos veces. Ella fluyendo transforma la sustancia de todos los seres, y el tiempo no es sino la copa de cristal donde la luz se teje y se desteje siempre a sí misma. Intentar captarla en el lienzo es el trabajo imposible de este pintor que en la película convierte su propia impotencia en una obra de arte. Es una tarde de otoño, y los membrillos ya están dorados..." Manuel Vicent, El País, 24 de enero de 1993

El cineasta Víctor Erice y el pintor Antonio López hablan de 'El sol del membrillo', la película documental que recoge el proceso creador del artista que recibió el Premio Especial de Jurado en el Festival de Cannes en 1992. Reportaje emitido en el programa "Días de cine" el 7 de junio de 1992.
El proceso creativo
El director de cine Víctor Erice filmó en 1992 "El sol del membrillo" En este film se recoge el proceso creativo del artista mientras pinta un membrillero del patio de su casa en plena maduración de sus frutos. El jardín se convierte en su estudio.
"Especie de diario elaborado a partir de la captación directa de los hechos (todas las personas que aparecen en las imágenes se representan a sí mismas, y lo que dicen les pertenece), El sol del membrillo trata, más bien, de buscar una relación menos evidente entre la pintura y el cine, observados ambos en lo que tienen de instrumento de captura de lo real; es decir, como formas distintas de llegar al conocimiento de una posible verdad.

A lo largo de este siglo, los pintores y los cineastas no han dejado de observarse, quizás porque han tenido, y siguen teniendo, más de un sueño en común -entre otros, capturar la luz-, pero, sobre todo, porque su trabajo obedece, como señaló André Bazin, a un mismo impulso mítico: la necesidad original de superar el tiempo mediante la perennidad de la forma; el deseo, totalmente psicológico, de reemplazar el mundo exterior por su doble." Víctor Erice

"Hay un espléndido azar, uno de esos días ponen en la televisión la película que hizo Víctor Erice en casa de Antonio López García, El sol del membrillo: a la cosecha de membrillos tangibles que nosotros hemos recogido se unen los membrillos quiméricos que pintaba y dibujaba Antonio López, y los que retrataba en el cine, con su abrumadora y misteriosa maestría, ese ermitaño o robinsón de las películas que es Víctor Erice.

El trabajo de cualquiera de los dos tiene la virtud de revelar la parte de prodigio secreto que hay en las cosas, el doble enigma de su perduración y su fugacidad. Da igual que el ámbito de la pintura sea el espacio, y que el del cine sea el tiempo: en un cuadro o en una escultura de Antonio López García, los lugares, los objetos y las presencias humanas parecen detenidos en una lejanía temporal que es la misma que se adhiere como un óxido a las fotografías desde el mismo instante en que son tomadas; cada plano de una película de Víctor Erice contiene la emoción de lo que está sucediendo y la melancolía de lo recordado, pero también ha sido calculado como una estática composición visual, sólo que con tal refinamiento que siempre da una impresión de naturalidad y de azar, como esos cuadros en los que las figuras parecen haberse detenido al irrumpir nosotros y mirarlas.
(...)"Es rara la poca atención con que la mayor parte de los artistas han mirado la realidad a lo largo de los siglos", decía esa noche Antonio López: nombró unas pocas excepciones, los artistas asirios, Velázquez, Vermeer de Delft. En un momento de la película, sé ve a María Moreno inclinada sobre una plancha de grabado, bajo la luz de un flexo, y se adivina en ese plano, como en una transparencia, el ensimismamiento de la bordadora de Vermeer, la hermosa quietud de quien está poniendo los cinco sentidos en hacer algo."

Antonio Muñoz Molina, El País Semanal, 5 de diciembre de 1999

ANTONIO LÓPEZ: FIGURACIÓN OBJETIVA

2011-07-05T19:53:00.003+02:00

Sus inicios

“Quisiera evocar el tiempo en que mi tío Antonio López Torres me inició en la pintura. Nací el año 1936 en un pueblo de la llanura manchega, un pueblo joven, apenas sin historia, luminoso, donde parecía que todo estaba a la vista. Mi familia, tan numerosa, las gentes, las calles tan rectas, tan bien proporcionadas que parecían larguísimas, el pueblo tan habitado, el campo tan cerca, todo me parecía emocionante y protector. El mejor mundo para un niño. A uno de mis tíos, el mayor de los hermanos de mi padre, le veía ir y venir con el caballete, la caja de pinturas y un lienzo a las afueras del pueblo a pintar el campo, una imagen familiar para todos. Antonio López Torres el pintor, soltero, pequeño, nervioso, sensible, aprensivo, a veces con un gran sentido del humor, se destacaba de los demás de una manera involuntaria. Había estudiado pintura aquí en Madrid en los años veinte. Querido y admirado por todos, vivía años de penumbra dedicado a la enseñanza en algún instituto de la provincia, pintando siempre que podía. Era el mayor ejemplo de talento para la pintura que he conocido.” Antonio López García, El País
Etapa inicial (1953-1965): del Realismo al Surrealismo

Etapa de madurez a partir de 1965

El pintor y su obra

La temporalidad y el deterioro de lo material son alguno de los rasgos que definen su estilo. El artista refleja, con un detallismo fotográfico, su percepción de los aspectos más cotidianos de la realidad que le rodea.

"La alacena", 1962-63

Está considerado como el padre de la escuela hiperrealista madrileña. Aunque el artista afirma:
“Yo creo que no somos hiperrealistas los realistas españoles. Esa palabra surge de unos pintores y escultores que trabajaban sobre el mundo real en América del Norte, y que tienen unas técnicas de ejecución, una temática y unas estrategias de trabajo que no son las nuestras.” En una reciente entrevista define su estilo como “figuración objetiva”.

El proceso creativo

El proceso de creación de su obra es lento, minucioso y meditado. Él lo explica así:“En una pintura, lo primero que hay que decidir es su tamaño, el tamaño del cuadro, que surge en principio por el propio tema. A partir de ahí siempre empiezo a pintar directamente, de modo que el cuadro, en su primer momento, es su propio boceto. Nunca he hecho bocetos, ni siquiera cuando no he tenido claro lo que quería pintar.”

"Mari y Antonio", 1961

"Una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades"“El cuadro nunca se termina. Siempre queda abierto. Si ya has metido en él lo suficiente, no todo, pero lo suficiente, aún se podría seguir, pero surgen dificultades, cansancios, compromisos que cumplir, deseos de empezar nuevas obras, y el cuadro queda detenido en ese momento, pero nunca terminado.”

"Gran Vía", 1974-1881

Interés por la luz

Todos los grandes artistas se interesaron por los efectos lumínicos sobre las superficies. Antonio López muestra, como antes lo hicieron los pintores impresionistas, los cambios que produce la luz natural sobre la ciudad. Cambios que hacen que cada momento captado sea único e irrepetible y muestran la fugacidad del tiempo.

“Cada pintor tiene su luz y el tratamiento que hace de ella forma parte de su historia como artista“

Pintando en la Puerta del Sol

“No me importa pintar cosas sin aparente belleza, pero que para mí posean una auténtica verdad. La verdad de las cosas y de las personas al mismo tiempo, es la belleza real”.

"Ventana por la tarde", 1974

"Cuando estás pintando por ejemplo una calle, lo que estás viendo es tan extraordinariamente impresionante que a mí, desde luego, me cuesta muchísimo trasladar una parte de aquello. Eso es lo que me hace tardar tanto. Yo no puedo resolver todo ese espectáculo con rapidez" Antonio López

"Madrid desde Torres Blancas", 1974-1982

"Madrid es uno de mis grandes temas, como el Purgatorio para Dante" Antonio López

Referencias en la obra de Antonio López

El arte es también lo que ha dejado de ser

Entre las obras del pasado, los artistas realizan una selección de rasgos que merecen ser tenidos en cuenta, que les seducen y rechazan otros. Estos, por omisión, forman parte también de sus obras...lo que nunca estará presente en ellas.
”Yo pienso que las referencias son muchísimas, unas las tienes muy claras y otras muy imprecisas. Hay unas cosas que no te gustan absolutamente nada, pero que te valen como referencias, como puntos de peligro que te avisan de que no debes de pasar, según que límites, tanto en literatura, en cine y en la propia vida, que te va enseñando.
El artista desde la mirada del escritor “Deslumbrado por la magia del pincel de Antonio López, fui de los primeros en acercarme a su obra. ¿Para qué? ¿Y quién lo sabe? Yo buscaba algo, una muestra, una aproximación a su genio. Después aspiré a un recuerdo. En mi expectativa ávida, llegué a proponerle: "Lo que tú quieras, Antonio. Una interrogación, mis iniciales firmadas por ti. Algo". Él sonreía, los ojos bajos, con su bonhomía habitual, esa sonrisa flébil de hombre cuya naturaleza no le permite complacer a tanta gente. Mas el talento pictórico de Antonio era tan excelso y natural que atraía al más profano. Yo sabía que me leía, me decía que gustaba de mis escritos, pero esto nada tenía que ver con mi deseo." Miguel Delibes en “El País”

El artista y su visión del arte actual

“Un cuadro de ahora, no se puede parecer al de otras épocas. Tiene que tener un elemento espiritual, ético, estético, un conjunto de cosas que justifique que se haga en un momento en el que se trabaja por lo general fuera de ese territorio. Sólo ahí tiene espacio la figuración. Y naturalmente, tiene que estar muy bien hecho, como también lo tiene que estar la abstracción. Pero ya no se habla de lo bien hecho, sino de lo que pueda sorprender. El gran arte de todas las épocas siempre ha necesitado que el contenido tenga hondura y que el espectáculo de su lenguaje sea atractivo.” Antonio López: "Yo no he decidido mi vida", El País

Una exposición antológica en Bostón
"Reencontrarse con la propia obra es el mayor privilegio, si lo puedes resistir“

"Me está volviendo el interés por la figura humana. No por el mero retrato, sino por la descripción de la vida que hace la gente: afeitarse, lavarse... Esa parte de la historia que la pintura tiene olvidada y solo está viva en el cine, en la literatura, en la fotografía."

"Soy más libre que cuando era joven. Me ha costado mucho llegar a algo parecido a la estima por la vida y por mí mismo"

"He trabajado muy a gusto, he vivido muy libre. ¿Qué más puedo pedir? Antonio López: "Ha sido doloroso hacerme a mí mismo", El País

"El arte no necesita explicaciones, basta con la sensibilidad de quien contempla una obra. Y a cada persona le puede sugerir ideas y sensaciones muy diferentes. Esa es una de sus mayores grandezas.

Me considero un ser humano privilegiado por haber podido expresar mis sentimientos a través de la pintura”.

Muy recomendable el especial de El País sobre el pintor.
También aquí una interesante la página
Página del Museo Thyssen sobre la exposición

PASEO URBANO CON WALT WHITMAN Y FREDERICK CHILDE HASSAM

2011-06-20T23:10:00.003+02:00

FREDERICK CHILDE HASSAM: "Avenida de los Aliados, Gran Bretaña",1918

CHILDE HASSAM: "Catorce de julio, Rue Daunou", 1910

CHILDE HASSAM: "Escena de una calle de París en otoño", 1889

"En mí se ensancha la latitud,
se prolonga la longitud"

CHILDE HASSAM: "La Habana, Cuba"

CHILDE HASSAM: "Campos Elíseos, Paris"

“Yo veo el Vesubio y el Etna…”

FREDERICK CHILDE HASSAM: "Vesubio", 1897

CHILDE HASSAM: "Allies Day, May 1917, 1917

CHILDE HASSAM: "Banderas en calle Cincuenta y Siete el invierno de 1918" New York

CHILDE HASSAM EN NUEVA YORK

CHILDE HASSAM: "Lower-Manhattan", 1907

“Las aceras atestadas, los coches, Broadway,las mujeres, las tiendas y las curiosidades,
Un millón de habitantes de maneras libres y orgullosas, de voz franca, acogedores; los jóvenes más intrépidos y más cordiales,

¡Ciudad de arrojadas olas cubiertas de espuma!

¡Ciudad de techumbres y mástiles!

¡Ciudad posada entre las bahías! ¡Mi ciudad!

Walt Whitman: Manhattan en “Hojas de hierba”

CHILDE HASSAM: "Sunset View of the New York Skyline from Brooklyn", 1911

CHILDE HASSAM: "Manhattan Misty Sunset, 1911

"Yo he recorrido todo lo que han recorrido los ríos, y he

pasado por todos los estrechos del globo;
Me he establecido sobre las playas de las penínsulas y sobre las rocas enclavadas en los acantilados para gritar desde allí:
Salut au monde!
Todas las ciudades penetradas por la luz o el calor, yo mismo las he penetrado" Walt Whitman: "Hojas de hierba", 1855

LA CIUDAD EN PRIMER PLANO II

2011-05-31T18:44:00.005+02:00

PISSARRO: "Bulevar Montmartre, nocturno", 1897

La ciudad evoluciona

El impresionismo mostrará una atención especial por el efecto que la luz produce sobre las superficies a lo largo del tiempo. Esto le alejará de la pintura de taller y centrará su interés en la representación de la vida al aire libre. Por eso no es de extrañar que uno de sus temas preferidos sea la ciudad en todas sus perspectivas. Los cambios en la ciudad son una metáfora de la revolución en la pintura.

PISSARRO: "Bulevar de la Ópera"

El bulevar surge como un espacio público nuevo donde las diferencias de clase se desdibujan entre la multitud deambulante.

"Es éste un fenómeno más variable que cualquier otro; es signo de la vitalidad del país, expresión de una sabiduría que alcanza su apogeo o que llega a la decadencia...

(…) Este marco, económico y político, aun en el caso de que su valor haya sido confirmado por el uso durante algún tiempo, puede ser alterado en cualquier momento, ya sea en una de sus partes o en su conjunto. A veces, basta un descubrimiento científico para suscitar la ruptura del equilibrio, para hacer que se manifieste el desacuerdo entre el sistema administrativo de ayer y las imperiosas realidades de hoy." CARTA DE ATENAS, 1933

París se transforma

“París es el corazón de Francia; pongamos todos nuestros esfuerzos en embellecer esta gran ciudad, en mejorar la suerte de sus habitantes. Abramos nuevas rutas, saneemos los barrios populosos que carecen de luminosidad y que la luz de sol penetre por todos nuestros muros.” NAPOLEÓN III: Discurso pronunciado en 1850.

MONET: "Boulevard des Capucines",1873

"Destacar los grandes edificios (...) de manera que le de un aspecto más agradable a la vista (...) y una defensa más fácil en los días de revueltas (...). asegurar la tranquilidad pública por la creación de grandes bulevares, que dejarían circular no solamente la luz, más las tropas y, por una ingeniosa combinación, darían mejoras al pueblo y menos disposición para la revuelta". GEORGES EUGÈNE HAUSSMANN

JEAN BERAUD: "Le Pont-Neuf"

MANET: "Street Pavers, Rue Mosnier", 1878

Las transformaciones de la ciudad llevadas a cabo por Haussmann, acabaron con el hacinamiento de la ciudad medieval. Para abrir los grandes bulevares tuvo que llevar a cabo una labor destructiva que recibió críticas como la de Walter Benjamin: “Así aliena a los parisinos de su ciudad. Ya no se sienten en ella en casa. Comienzan a ser conscientes del carácter inhumano de la gran ciudad”
Paseando por la ciudad: el "flâneur"

CAILLEBOTTE: "En el puente de Europa, 1876

“La figura del "flaneur" o paseante, presentada por Baudelaire y luego rescatada por Benjamin, es sin duda una de las expresiones más radicales del ambiente metropolitano del siglo XIX. Este personaje derivaba por bulevares y galerías sin mayor derrotero que el que su afán “voyerista” indicaba, encontrando regocijo y placer en el simple hecho de deambular sin propósito. Ciudadano, espectador y lector al mismo tiempo del ambiente urbano, el flâneur encarnaba nuevos modos de percepción, imaginarios y prácticas estéticas.

(..)Para el "flâneur" la ciudad no era un hogar sino una vitrina con continuos y cambiantes puntos de fuga, observando y registrando "en passant", no una imagen de ciudad, sino más bien un atisbo. ”

PABLO ALLARD: “Las dimensiones del juego. La ciudad como campo y escenario”

CAILLEBOTTE: " por el puente de Europa", 1876

DAUMIER: "Los noctámbulos"

JEAN BERAUD: "Modista por los Campos Elíseos"

JEAN BÉRAUD: « L'attente, rue de Chateaubriand, a París »

A una transeúnte

La calle atronadora aullaba en torno mío.

Alta, esbelta, enlutada, con un dolor de reina

Una dama pasó, que con gesto fastuoso

Recogía, oscilantes, las vueltas de sus velos,

Agilísima y noble, con dos piernas marmóreas.

De súbito bebí, con crispación de loco.

Y en su mirada lívida, centro de mil tomados,

El placer que aniquila, la miel paralizante.

Un relámpago. Noche. Fugitiva belleza

Cuya mirada me hizo, de un golpe, renacer.

¿Salvo en la eternidad, no he de verte jamás?

¡En todo caso lejos, ya tarde, tal vez nunca!

Que no sé a dónde huiste, ni sospechas mi ruta,

¡Tú a quien hubiese amado. Oh tú, que lo supiste!

BAUDELAIRE, 1857

GUSTAVE CAILLEBOTTE: "Calle de París, día lluvioso", 1877“

“El Sr. G (...) admira la eterna belleza y la sorprendente armonía de la vida de las capitales, armonía tan providencialmente mantenida en el tumulto de la libertad humana. Contempla los paisajes de la gran ciudad (...). Disfruta de los bellos carruajes, de los fieros caballos, de la limpieza deslumbrante de los botones, de la destreza de los lacayos, de los andares de las mujeres ondulantes, de los niños guapos, felices de vivir y de estar bien vestidos; en una palabra, de la vida universal.” Baudelaire, C.: “El pintor de la vida

moderna”.

(…) Llegó la hora del maquinismo. A una medida milenaria que hubiera podido creerse inmutable, la velocidad del paso humano, vino a añadirse otra medida, en plena evolución: la velocidad de los vehículos mecánicos.” CARTA DE ATENAS, 1933

MONET: "El Puente de Europa, Estación de San Lázaro", 1877

“La forma de la ciudad cambia más aprisa que los deseos del corazón humano”. Charles Baudelaire

MONET: "Estación de Saint-Lazare"

“La fantasmagoría de la cultura capitalista alcanza su despliegue más luminoso en la Exposición Universal de 1867. El Imperio está en la cumbre de su poder. París se confirma como la capital del lujo y de las modas." WALTER BENJAMIN

La ciudad desde la mirada del Postimpresionismo:

A través del empleo arbitrario del color con Van Gogh...


VAN GOGH: "Café de noche", 1888

“Yo busco ahora exagerar lo esencial. No quiero reproducir exactamente lo que tengo delante de los ojos, sino que me sirvo arbitrariamente del color para expresarme con más fuerza”. Vincent Van Gogh: "Cartas a Theo"


VAN GOGH: "Calle en Saintes-Maries", 1888

...o del geometrismo que la ciudad brinda a Cézanne y que le permite mostrar su interés por la representación del espacio y el volumen.

...y el colorido de la pintura de Gauguin

GAUGUIN: "Avenue de Clichy, » 1887, París

MONET: "El Parlamento de Londres en la niebla", 1904
Londres: la atracción de la gran ciudad

"La piedra junto a la que estaba sentado ostentaba en grandes caracteres la indicación de que había precisamente setenta millas desde aquel lugar a Londres. Este nombre despertó en la imaginación del niño una nueva sucesión de ideas. ¡Londres! ¡Aquella ciudad inmensa! ¡Nadie, ni siquiera el señor Bumble, podría encontrarle allí jamás! Con frecuencia había oído decir a los viejos del hospicio que ningún muchacho con talento pasa nunca privaciones en Londres; que en aquella vasta ciudad hay medios de vida inimaginables por los que se han criado en el campo."

Charles Dickens: "Oliver Twist"

TURNER: "Antiguo puente de Londres", 1896

LONDRES

"Vago sin fin por las censadas calles,
junto a la orilla del censado Támesis,
y en cada rostro que me mira advierto
señales de impotencia, de infortunio. En cada grito Humano,
en cada chillido Infantil de miedo,
en cada voz, en cada prohibición,
escucho las cadenas forjadas por la mente:
y escucho cómo el grito del Deshollinador
hace palidecer las oscuras Iglesias,
y el dolor del Soldado infortunado
ensangrienta los muros de Palacio.
Pero, al fin, en las calles de medianoche escucho
cómo la maldición de la joven Ramera
deseca el llanto del recién nacido,
y asola la carroza fúnebre de los Novios.”

WALT WHITMAN

ANDRÉ DERAIN: "Casas del Parlamento", 1905

LA CIUDAD EN PRIMER PLANO I

2011-05-14T10:11:00.003+02:00

STABIA: pintura mural romana que representa una ciudad costera

La ciudad testimonio de la historia

El imperio romano desarrolló una civilización urbana. El arte será testigo de este hecho cultural: la ciudad se convierte en motivo iconográfico en los frescos de las villas romanas.

La ciudad ha sido objeto de enorme interés para los artistas. Muchas veces se mostró como marco en donde se desarrollaban las escenas pero ya en el arte clásico adquirió tal protagonismo que pasó al primer plano de la representación...

Pintura mural en la villa romana de Boscoreale

En las miniaturas medievales...

y en la pintura de los primitivos italianos

...tendrá el papel de marco donde se desarrollan las escenas.

...e incluso ocupara el primer plano de la obra

AMBROSIO LORENZETTI: "Ciudad junto al mar"

En el Renacimiento, la preocupación por el urbanismo, las perspectivas y el orden racional llevará a numerosos artistas a diseñar la ciudad ideal, siguiendo la técnica de la perspectiva lineal creada por Brunelleschi. Será motivo temático y pretexto para avanzar en la técnica pictórica.

Piero della Francesca:"La ciudad ideal", 1475

"... la calle resultará muy bella si todos los pórticos están hechos del mismo modo y los edificios destinados a viviendas, bien alineados a uno y otro lado, y no más alto uno que otro ...“ L.B. Alberti

Francisco de Giorgio: "Plaza de una ciudad ideal", Baltimor, col. Walters.

"El inteligente empleo de niveles diversos, y la concepción del espacio sorprendentemente moderna, revelan la experiencia de un escultor consumado. Las figuras humanas esparcidas aquí y allá demuestran que consideraba a las columnas en el espacio, a los planos diversos, y a las esculturas, todo en función de las personas en movimiento." S. Giedion: "Espacio, tiempo y arquitectura

En el Manierismo, EL GRECO la convierte en protagonista del cuadro

EL GRECO: "Vista de Toledo", 1607

EL GRECO: "Vista y plano de Toledo"

La pintura de los Países Bajos responderá a las demandas de la burguesía que reclamaba obras de arte en las que se reconocieran los espacios urbanos.

VERMEER: "Vista de Delf"

VERMEER: "La callejuela", 1657-1658

El siglo XVIII asistirá a numerosas y magníficas representaciones de vistas urbanas -“veduttas”-

CANALETTO: "Gran canal. Santa María de la Salute", 1730

CANALETTO:"El retorno del Bucentoro al Molo el día de la Ascensión", 1732

"Las ciudades son un conjunto de muchas cosas: memorias, deseos, signos de un lenguaje; son lugares de trueque, como explican todos los libros de historia de la economía, pero estos trueques no lo son solo de mercancías, son también trueques de palabras, de deseos, de recuerdos."

Italo Calvino: "Las ciudades invisibles"

ANTONIO JOLI: "Calle de Alcalá", 1750

EL PÓRTICO DE LA GLORIA EN EL ARTE Y EN LA LITERATURA

2011-04-20T22:45:00.001+02:00

“…el mítico lugar donde confluyen caminos y peregrinos procedentes de todos los países de la Tierra, siguiendo las pisadas de otros muchos anteriores que, a lo largo de los siglos, llegaron a esta ciudad atraídos por su estrella y su fama milagrosa, igual que hiciera años antes -en el 813- el obispo de Iria Flavia Teodomiro, que fue el primero en llegar y el que descubrió el sepulcro sobre el que hoy se levanta la catedral.

Una catedral que es, como la mayoría de ellas, el resumen de muchas catedrales superpuestas, desde aquel templo inicial que ordenó construir el rey Alfonso II el Casto a raíz del descubrimiento de los restos del apóstol y en torno al que surgiría la ciudad de Compostela.”

JULIO LLAMAZARES:”Las rosas de piedra”

El Pórtico de la Gloria

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Un programa iconográfico de altura

"Ahí está todo, en panorámica, desde el Alfa hasta el Omega. En un nártex de 17 metros de largo y 4,50 de ancho. Lo que Shakespeare llamaría "el gran escenario de la humanidad", pero labrado en granito y elevándose por el trabajo de la luz, desde la cripta hacia la tribuna, donde se esmera día y noche, con el obturador de un rosetón, el enigmático director de fotografía." Manuel Rivas: "El gran "biopic" de Jesús"

De la portada de las Platerías al Pórtico

Unos 70 años separan estos rostros

Del hieratismo románico...

...a la vitalidad del protogótico

“Vivas ou de pedra, segundo dubidaba Rosalía, as figuras semellan habitar connosco a arquitectura, máis ca decorárena. A arquitectura, en suma, é tamen parte das imaxes, como seu escenario ou decorado.”

SERAFÍN MORALEJO: “O Pórtico da Gloria contado a mozos e nenos”

ARQUITECTURA ROMÁNICA

2011-03-08T22:06:00.001+01:00

La arquitectura románica en España

ARTE ROMÁNICO

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Los caminos europeos de peregrinación a Compostela

Las iglesias de peregrinación en Francia

Santa Fe de Conques, modelo de iglesia de peregrinación

Situada en un pequeño pueblo de la Vía Podensis, uno de los cuatro ramales franceses del Camino de Santiago que pasaba por Le Puy, Cahors y Moissac, la iglesia de Sta. Fe es una de las cinco iglesias de peregrinación que existían en el Camino.

Como todas ellas presenta una estructura pensada para facilitar el tránsito de los fieles en su visita a las reliquias (en este caso las de la mártir Sta. Fe).

Es la de menores dimensiones del grupo pero probablemente su girola es la más antigua de todas (mediados S. XI) por lo que podría considerarse como la pionera y en ella aparecen todos los elementos que caracterizan al grupo: la girola y el transepto destacado con tres naves,

las bóvedas de cañón con fajones, las tribunas, los pilares cruciformes, el cimborrio…

LA ALHAMBRA

2011-02-17T22:31:00.003+01:00

La Alhambra, la fortaleza roja

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CARACTERÍSTICAS ARQUITECTÓNICAS

Sus muros y columnas...

soportan arcos angrelados...

falsos arcos de mocárabes...

y espectaculares bóvedas

La decoración oculta el aspecto original del edificio. Predomina lo decorativo sobre lo constructivo.

Los motivos decorativos forman series continuas ininterrumpidas con arreglo al sentido de lo infinito tan desarrollado entre los pueblos orientales.

Yeserías...

alicatados...

mocárabes...

...forman una segunda arquitectura envolvente en el interior de la Alhambra.

La Alhambra en la poesía...

y en la pintura

SOROLLA: "Torre de las Infantas"

ARTE ISLÁMICO. LA MEZQUITA DE CÓRDOBA

2011-01-20T22:34:00.000+01:00

ARTE ISLÁMICO. LA MEZQUITA DE CÓRDOBA

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La decoración en el arte islámico

El deseo de esconder el cuerpo de la construcción se adivina en toda la arquitectura del Islam.

El arte musulmán tendió a conjugar los elementos estructurales con los ornamentales, tendió al ilusionismo más radical por el que las cosas no aparentaban ser lo que eran.

Todos los motivos decorativos se utilizan formando series continuas ininterrumpidas con arreglo a ese sentido de lo infinito tan desarrollado entre los pueblos orientales y que, dentro del arte islámico, responde a la estética del “horror vacui”.

En el mundo árabe no se concibe la idea de dejar sin cubrir ningún elemento estructural del edificio, arcos, bóvedas, paredes, todos ellos se cuajan de formas decorativas que los enmascaran. Se trata de jugar con un mismo módulo que se va repitiendo sin cesar hasta cubrir toda la superficie. Una línea enlaza con otra, se entrecruzan, tejiéndose una malla que recubre paramentos completos, espacios que crean juegos de luces y sombras a través de sus líneas, como en el caso de las celosías. Decoración que otorga belleza a todo tipo de material, mármol, madera, piedra, yeso, cerámica.

La decoración forma una segunda arquitectura, envolvente, en el interior de los edificios.

Decoración de ataurique y epigráfica

Elementos constructivos

Tipos de arcos

El arquitecto, el artista y el artesano

En el mundo islámico las bellas artes actuales así como la arquitectura eran consideradas como un trabajo manual. Ejercer un oficio no tenía consideración social, aunque Mahoma tuvo siempre palabras de alabanza para aquellos que realizaban su trabajo con dignidad: “Dios ama al comerciante honrado y al artesano activo y leal porque Él es sabio”.

El trabajo artesano que junto al honor y la fe era una fuente de felicidad, estaba extremadamente especializado.. Aunque los conocimientos técnicos fuesen muy concretos, la formación de los artesanos se consideraba muy importante. Ibn Jaldun afirmaba: “Para desempeñar un oficio resulta imprescindible haber aprendido antes de un maestro. Un trabajo artesanal es actividad que necesita práctica y reflexión. Como constituye una técnica específica y material se ha de acceder a ella a través de los sentidos. Por esto su aprendizaje resulta más provechoso si se recibe por transmisión directa.”

La perfección que se buscaba en el ejercicio del oficio dio lugar a la aparición de ordenanzas para mantener la calidad de los productos. Una hisba del siglo XIV se refiere a ello: “Los trabajadores no deben asociarse contra el público. Los albañiles tienen que jurar que no aceptarán sobornos o regalos de los que fabrican la cal y el yeso y que quieren asegurarse su consentimiento cuando la cal ha sido insuficientemente quemada o es de mala calidad.”

Entre los artesanos, los pintores y los escultores llegaron a alcanzar una cierta distinción, aunque siempre por debajo de los calígrafos.

Los arquitectos iniciaban su formación como canteros o en otras artes (orfebre, ceramista, ebanista, etc.) y, si eran hábiles en el campo de las matemáticas o en el de la geometría, llegaban a dirigir la construcción de una obra.