ARTE Y DEPORTE: EDAD CONTEMPORÁNEA III

La natación es el acto de sostenerse y avanzar en el agua, bien como afición, competición, o simple supervivencia.
La natación coordina los movimientos de los brazos y las piernas con la correcta respiración del individuo.
CÉZANNE en su primera etapa practica una pintura densa, empastada, abundante de materia. Utilizará el desnudo para su experimentación pictórica, relacionándose así con la pintura clásica, una de sus máximas aspiraciones como se recoge en la frase "quiero pintar como Poussin, pero a partir de la naturaleza". Dedica varias obras al tema de bañistas en actitud de reposo. En la obra que presento muestra, por el contrario, el dinamismo del salto.

David Hockney: "Una gran salpicadura", 1966

Ningún cuadro narra mejor que este, un simple acontecimiento. Se titula "La gran zambullida" y fue realizado por el artista pop David Hockney en 1967. Los colores limpios, planos y uniformes se contraponen con las caóticas pinceladas del agua salpicando. Su composición parece beber de Mondrian al encajar tan técnicamente los elementos, aunque sean tan naturales como las palmeras, estas se nos presentan rectas y paralelas, pero el autor contrapone a toda esta exactitud, la mancha de Pollock cuando tiene que resolver la eclosión de agua que produce la zambullida. Alguien que vive en la casa y que estaba sentado en la silla, acaba de sumergirse en el agua, desde el trampolín. No sabemos quien es, si es hombre o mujer, joven o viejo, da igual, no es importante; solo sabemos de él, el agua restada de Arquímedes que sube por un instante a los cielos.

PRIMER DÍA DE VACACIONES
Nadaba yo en el mar y era muy tarde,
justo en ese momento
en que las luces flotan como brasas
de una hoguera rendida
y en el agua se queman las preguntas,
los silencios extraños.
Había decidido nadar hasta la boya roja,
la que se esconde como el sol
al otro lado de las barcas.
Muy lejos de la orilla,solitario y perdido en el crepúsculo,
me adentraba en el mar
sintiendo la inquietud que me conmueve
al adentrarme en un poema
o en una noche larga de amor desconocido.
Y de pronto la vi sobre las aguas.
Luis García Montero

Los primeros datos de competiciones se remontana la antigua Grecia donde en las costas del Peloponeso y en las islas Eólicas se hacían concursos de saltos. También en la civilización cretense se han hallado vestigios semejantes. Los saltos de trampolín, influidos por el desarrollo de la gimnasia, se iniciaron a finales del siglo XIX. Sin duda es uno de los deportes más bellos al combinar precisión y estética.

CAILLEBOTTE realiza una serie de pinturas de campo, en Yerres, relacionadas con actividades deportivas: pesca, remo o natación. Frecuentemente utilizaba una suave técnica impresionista semejante a la de Renoir para expresar la naturaleza tranquila del campo en contraste con sus pinceladas más sobrias y lisas de sus pinturas urbanas.

NIKI DE SAINT-PHALLE: Escultora y pintora francesa. En 1964 empieza a modelar Nanas, voluptuosas figuras femeninas de colores vistosos. El carácter espectacular, monumental y llamativo de sus esculturas tiene mucho en común con el pop art.

DEPORTE, ARTE Y LITERATURA
La revista LITORAL ha publicado un número de gran calidad que relaciona el deporte con el arte y la literatura. En ella he encontrado una sugerente fuente de información. Las imágenes y los textos que incluyo a continuación son montajes realizados a partir del contenido de la citada revista.

JOSÉP RENAU, pintor, fotomontador, muralista (Valencia, 1907 - Berlín, 1982). Hijo de un profesor de dibujo en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia.Ganó su primer concurso de carteles con 18 años. Trabajó también como fotógrafo y muralista y sus carteles cinematográficos eran apreciados en todo el mundo. Militante del Partido Comunista de España desde 1931 y fundador de la Unión de Escritores y Artistas Proletarios (1932), inició el despegue de su obra con carteles editados para apoyar a la República durante la Guerra Civil Española. Fue profesor de Bellas Artes en la Universidad de Valencia. Posteriormente se le nombró Director General de Bellas Artes en 1936, siendo quien encargó a Picasso la realización del Guernica en 1937 para la Exposición Internacional de Artes y Técnicas de París y quien decidió el traslado a las Torres de Serranos de Valencia parte de la obra del Museo del Prado para salvarla de los bombardeos de Madrid organizando con posterioridad su traslado a Suiza. Fuente: Wikipedia

UN EJEMPLO DE CINE

En muchas ocasiones es imprescindible aislar la obra de arte de su creador para seguir admirándola. Un ejemplo de ello es la obra cinematográfica de la realizadora germana Leni Riefenstahl que gozo la protección personal de Hitler. Si bien Leni Riefenstahl posteriormente arguyó ser simpatizante de Hitler en sus inicios, progresivamente fue distanciándose de la figura del gobernante. Su vida fue plena de vivencias y amor al arte fotográfico, el cual constituye su más preciado legado. Riefenstahl es, quizás, el último ejemplo de la vieja disputa entre arte y ética.

"A lo largo del río durante el festival de Ching-ming"

El río de la vida
Dejo por unos días el deporte para presentar un enlace que he recibido a través del correo electrónico con la recreación de una pintura considerada como uno de los más importantes tesoros de China. El original fue pintado en el siglo XI o XII, durante la Dinastía Song del Norte. Se conoce a través de versiones realizadas posteriormente. Esta copia fue hecha, en el siglo XVIII, durante la Dinastía Qing. En ellas existen modificaciones con respecto al original pero conserva el estilo y el sentido inicial de la obra.
La gente se amontona durante horas en el Museo de Shangai para verla. Mide más de 5 metros de largo y sólo unos 25 cm. de ancho.
La obra se llama "A lo largo del río durante el festival de Ching-ming" y fue pintada por ZHANG ZEDUAN (1085-1145). En China, la fiesta de Chin-ming viene a ser equivalente a nuestra fiesta otoñal de todos los santos, en noviembre. Esta única y espectacular pintura clásica China de la Dinastía Song, se muestra aquí con excelentes efectos de tecnología moderna.
Puedes recorrer el río y detenerte a placer en los detalles de cada orilla, los pueblos y los personajes, con sólo desplazar el puntero del ratón hacia la derecha o la izquierda. Para detenerte, basta con colocarlo en el centro de la imagen. Cuando aparece un recuadro blanco, si pinchas se despliega una animación multimedia (con sonido). Un rato de placer garantizado al alcance de un click.
Cuando pulses el cursor, dale tiempo para que se cargue, no tarda.
Hay mucho para ver aquí. Tómate tu tiempo para “caminar” a lo largo de la pintura. Clickea también los rectángulos debajo de la pintura, así “cobrará vida”.
Representa la vida cotidiana de la gente de la dinastía Song en la capital, Bianjing. Sus imágenes muestran una exactitud matemática en barcos, puentes, tiendas y paisaje: 814 personas, 28 embarcaciones, 60 animales, 30 edificios, 20 vehículos, nueve sillas de manos, y 170 árboles.
En esta página también se puede recorrer toda la pintura y apreciar los detalles.
El arte nos habla de la historia
Las rivalidades entre las diferentes dinastías que gobernaron en China se reflejaron en el arte que mostró una fuerte introspección y refinamiento como respuesta a las ásperas realidades políticas. Los emperadores de la dinastía Song (960-1279) se caracterizaban por ser muy ilustrados y muchos de ellos eran, incluso, consumados artistas.
Durante la dinastía Song había ávidos coleccionistas de arte que a menudo se reunían en grupos para discutir sus propias pinturas, así como la tasa de las de sus colegas y amigos.
La pintura China antigua ha seguido una evolución que va de una tradición marcada por el realismo hacia una concepción cada vez más espiritual. La pintura china
Con los Song se inicia la verdadera edad de oro de la pintura china.
El emperador Huizong fundó las primeras Academias de pintura ligadas a la corte patrocinando así a numerosos artistas. Él mismo fue un gran pintor, amante de las artes y coleccionista. Los temas de la Academia era muy diversos: personajes, palacios y edificios, tribus extranjeras, dragones y peces, montañas y aguas, animales domésticos y salvajes, cañas y pinos, legumbres y frutas.
La dinastía Song del Norte (960-1126) determina las formas que imperarán en la pintura de paisaje hasta el final de la pintura tradicional, ya en el siglo XX. Emplean con preferencia el formato del rollo vertical, en el cual conjugan los tres elementos del paisaje: las montañas, el agua y el elemento humano. Durante el periodo Song del norte los pintores solían inclinarse por un estilo monumental, creando impresionantes panorámicas. La pintura ocupa un lugar supremo entre todas las artes y el artista está muy valorado socialmente. La pintura es objeto de una verdadera mística, con base en la filosofía china; el Taoísmo hizo hincapié en que los seres humanos no eran más que pequeñas motas en el cosmos, y en la relación entre el hombre y el universo. De modo que no busca ser un simple objeto estético, tiende a convertirse en un microcosmos que vuelve a crear, de igual manera que el macrocosmos, un espacio abierto donde la verdadera vida sea posible. El pensamiento estético chino considera siempre a lo bello en su relación con lo verdadero. El objetivo del artista no es describir el aspecto exterior del mundo, sino discernir las líneas internas que estructuran y reúnen todas las cosas.

El artista debía tener una disposición mental en el momento de la creación. De ahí el precepto “el espíritu debe preceder al pincel”.
En la pintura china se pueden advertir una serie de características que presentan el dualismo oriental:
1. Pincel- tinta毛笔 - 墨汁
Pintura realizada con tinta, en la cual la tinta negra, con sus infinitos matices, es por si sola recurso suficiente para que el pintor encarne con ella todas las variaciones de color que ofrece la naturaleza. La tinta está asociada al pincel porque, aislada, no es más que materia virtual a la que sólo el pincel puede dar vida. Tal como lo formuló Han Zhuo, de la dinastía Song: “El pincel para generar sustancia y forma, la tinta para fijar colores y luz”.

2.-Yin- yang 阴阳(claro-oscuro)
Sin limitarse al contraste claro-oscuro, la luz gobierna: atmósfera, tonalidad, modelado de las formas, impresión de distancia...
La tinta negra que se utiliza en la pintura monocromática y en la época de los Song se considera suficientemente rica como para expresar los infinitos matices de la naturaleza. Los pintores exponen sus observaciones minuciosas sobre las variaciones de la atmósfera y los matices de tonalidad vistos a través de los paisajes. 3.-Montaña-agua 山水:
Para los chinos la expresión montaña y agua significa por extensión el paisaje. Constituyen los dos poros de la naturaleza. Hay una célebre cita de Confucio que dice “el hombre de corazón se encanta con la montaña; el hombre de entendimiento disfruta del agua”. Los chinos suelen establecer ciertas correspondencias entre las virtudes de los objetos de la naturaleza y las virtudes humanas. En este contexto, pintar la montaña y el agua es retratar al hombre, no tanto su retrato físico, sino más bien el de su espíritu: su ritmo, su proceder, sus tormentos, sus contradicciones, sus temores, su alegría, sosegada o exuberante, sus deseos secretos, sus sueños de infinito. Así, la montaña y el agua encarnan las leyes fundamentales del universo microcósmico que mantiene vínculos orgánicos con el microcosmos que es el hombre.
4. Hombre-Cielo-Tierra人天:
Cielo y tierra representan al igual que la pareja anterior dos polos complementarios como Yin Yang. El hombre por los vínculos que tiene con la tierra formaría parte de esta relación. El denominador común de estos términos sería el vacío, la proporción armoniosa establecida entre cielo y tierra es la misma que el hombre intenta establecer en sí mismo: las virtudes del cielo y la tierra. 5. La quinta dimensión:
Integrados estos cuatro niveles conseguimos un movimiento que gira sobre si mismo que se abre al infinito. Podemos hablar así de una quinta dimensión espacio-tiempo. Esta dimensión representa el vacío en su grado supremo que transciende el universo pictórico llevándolo hacia la unidad originaria. Fuente: Pintura Song宋 por A. González y M.Hidalgo

¿Por dónde nos lleva el río?

El río nos transporta a través de un universo humano en el que se puede conocer un trocito de la historia de China. Sus orillas hablan de ese microcosmos en el que el propio fluir de las aguas es la metáfora de la vida del hombre: su origen, su crecimiento y su devenir. Toda una filosofía se encierra en estas expresivas imágenes.

En la parte de la derecha se presenta el mundo rural: campos de cultivo, gente sin prisas - agricultores, pastores en un paisaje bucólico.
La mitad izquierda es la zona urbana con sus actividades económicas: embarque de mercancías, tiendas, y hasta una oficina fiscal.
Se representa gente de todas las clases sociales: los vendedores ambulantes, malabaristas, actores, mendigos y monjes pidiendo limosna, adivinos y videntes, médicos, taberneros, maestros, molineros, obreros metalúrgicos, carpinteros, albañiles, oficiales y académicos de todos los rangos. Fuera de la ciudad (separados por la puerta a la izquierda), hay empresas de todo tipo, venta de vino, cereales, productos de segunda mano, utensilios de cocina, arcos y flechas, lámparas, instrumentos musicales, oro y plata, cristalería, adornos, teñido de telas, pinturas , medicinas, así como numerosos restaurantes. Los vendedores y las tiendas propias se extienden a lo largo del gran puente, llamado Puente del Arco Iris (虹桥 Hong Qiao) El gran puente que cruza el río es el centro y el foco principal del desplazamiento. Una gran conmoción anima a la gente en el puente. Se acerca un barco que parece que va a estrellarse con el puente. La multitud en el puente y a lo largo de la orilla del río están gritando y gesticulando hacia el barco. Alguien desde lo alto del puente baja una cuerda a los brazos extendidos de la tripulación.
Además de las tiendas y restaurantes, hay hoteles, templos, residencias privadas y edificios oficiales que varían en la grandeza y el estilo, de las cabañas frente a las mansiones con grandes y patios traseros.
Las personas y las mercancías son transportadas por distintos medios: vagones de ruedas, animales (asnos y mulas), sillas de manos, y carros. El río está lleno de barcos de pesca y de transporte de pasajeros, con peones en la orilla del río, tirando de los buques más grandes.

ARTE Y DEPORTE: EDAD CONTEMPORÁNEA II

El intento más serio de un pintor innovador, de tomar el deporte como objeto central de su obra es el del artista francés Robert Delaunay, que muestra al deporte como algo especial, divertido y digno de representación artística.DALÍ: "La poesía de América o los Atletas cósmicos", 1943.
Dentro del surrealismo, Dalí adopta entre su temática, motivos relacionados con el deporte que en ciertos casos tienen alto contenido político como en este cuadro en el que se representan alguno de los mitos y problemas de la sociedad americana. Aparece algún producto de consumo, símbolo del poder económico de Estados Unidos. Pero sobre todo se centra en las figuras de dos atletas musculados en los que se advierten formas clasicistas y que se ha interpretado como una denuncia del racismo a través de varios elementos simbólicos. Según el propio Dalí, este cuadro corresponde a las pinturas que advierten de la Gran Guerra. Otra de sus obras de contenido deportivo es "El atleta cósmico", inspirado directamente de la escultura de Mirón, el Discobolo. En ambos cuadros se incluyen alusiones al paisaje del Ampurdán. Atletismo
Ell atletismo es un deporte que contiene un conjunto de disciplinas agrupadas en carreras, saltos, lanzamientos, pruebas combinadas. Es el arte de superar el rendimiento de los adversarios en velocidad o en resistencia, en distancia o en altura.
Los primeros campeonatos de atletismo contemporáneos se celebraron en Eton en el año 1845. Una competición parecida había tenido lugar un año antes en la Universidad de Dublín. Las diferentes universidades gustaban medir sus fuerzas en competiciones entre ellas. Es característico el ejemplo de Oxford y Cambridge cuyos enfrentamientos deportivos son tradicionales.

En marzo de 1864 pudo leerse en el "Times" este lacónico anuncio: "El cinco de Marzo, a las doce del día, empezarán los Juegos Atléticos entre Oxford y Cambridge".
Inicialmente se celebraban carreras cortas, medias y largas, más tarde se llevaron a cabo las carreras de vallas y obstáculos. Posteriormente se introdujeron en las competiciones los saltos de altura, longitud y con pértiga. Finalmente, entró a formar parte de las pruebas el lanzamiento de pelota de criquet y apareció el lanzamiento de martillo.
El arte está lleno de representaciones relacionadas con el atletismo. De ellas hago una selección:
Umberto Boccioni: Pasión por el dinamismo
Escultor, pintor y escritor italiano. Figura principal del futurismo, Contribuye a modelar la estética y teoría de un movimiento revolucionario a través de su arte.
A Pesar de la brevedad de su vida -Reggio Calabria, 1882 -Verona, 1916 -, la importancia otorgada al dinamismo de la forma y a la idea de simultaneidad así como a la ruptura de la masa sólida en escultura, influyen notablemente en otros artistas que también se preocuparán por representar el movimiento.

Abstracción 1

Movimiento de un corredor

"El gesto que reproduzcamos en el lienzo no será más que un momento fijo en el dinamismo universal. Simplemente será la misma sensación dinámica [...]. Debido a la persistencia de la imagen en la retina, los objetos en movimiento se multiplican constantemente; su forma cambia como rápidas vibraciones en su loca carrera. De ese modo, un caballo en movimiento no tiene cuatro patas, sino veinte, y sus movimientos son triangulares ". Umberto Boccioni. Salto con Pértiga
El salto con pértiga se remonta a las antiguas sociedades griegas, pero se desarrolló al final del siglo XVIII en Alemania durante las competiciones de gimnasia.
El salto con pértiga consiste en franquear con la ayuda de una pértiga una barra transversal, sin hacerla caer, después de una carrera de impulso de unos treinta metros.
A lo largo de los siglos, la técnica de salto y los materiales han mejorado mucho. Las pértigas de bambú utilizadas en los juegos de 1900 se sustituyeron por pértigas de fibra de vidrio en 1956, Y después por las de fibra de carbono que son las que se utilizan en la actualidad. La prueba se incluyó en los primeros Juegos Olímpicos en 1896 y para las mujeres en los Juegos de Sydney en el 2000.

PEDRO MONJE Pedro Monje, artista nacido en 1945, en Lopera (Jaén), versátil y polifacético en los procedimientos y las técnicas. Ha conseguido crear su espacio artístico en Valladolid, ciudad en la que vive. Su obra gira en torno al hombre.
Además de la pintura y la cerámica, destacan sus obras escultóricas en bronce, de las que exponemos aquí las relacionadas con la actividad deportiva.
Son figuras esquemáticas, rítmicas e ingenuas. En ellas el equilibrio se convierte en un juego Gimnástico. Tienen un encanto especial.

Kazimir Malevich, pintor ruso, creador del Suprematismo.
El Suprematismo es un movimiento artístico vanguardista de principios del siglo XX. Esta corriente se desarrolla entre los años 1915 a 1923. Se trata de una tendencia, derivada del cubismo, en la que los elementos formales se reducen al triángulo, el cuadrado, la cruz y el círculo, los elementos cromáticos se circunscriben al rojo, blanco y verde, azul, blanco. A partir de este movimiento, la sensibilidad se convierte en vehículo decisivo para la formulación final de la abstracción moderna.
La obra que muestro aquí corresponde a una etapa en la que Malévich regresa a la figuración, pero en ella se advierten elementos formales y cromáticos del Suprematismo. En este caso el "Hombre corriendo" (1934), no es un atleta sino alguien que realiza un ejercicio físico que puede simbolizar una huida. Es un hombre sin rostro, como un robot, entre una espada y una cruz.

CESC, Francesc Vila i Rufas fue Uno de los pioneros contemporáneos del humor gráfico en prensa, entendido como un auténtico artículo de opinión con argumentación y tesis. Su compromiso político, antifranquista, le llevo reflejar entre trazos y dibujos a veces naïf, lo que la censura impedía en palabras.
Su labor creativa se repartió entre el humor gráfico en prensa y la pintura, terrenos ambos en los que gozó de un gran prestigio. A pesar de que no se le ha relacionado con el deporte, como leemos en la revista Apunts, Lo ha representado en viñetas y pinturas, como la que muestro,. De una enorme sencillez y sugerencia.

El pintor canadiense CLIFF KEARNS, diseñador, ilustrador y profesional de la publicidad, representa a un gimnasta realizando un ejercicio de anillas, concentrado en el esfuerzo físico y con su musculatura en tensión. La técnica de este ejercicio debe incluir al menos dos paradas de manos: una ejecutada por medio de la fuerza y la otra a través del balanceo. Al menos un elemento de fuerza debe ser llevado a cabo durante dos segundos.

"Gimnasta", de EUGENE FREDRIK JANSSON pintor simbolista sueco. A principio de su carrera se dedicaba a la pintura de paisajes, pero a partir de 1904 cambió de temas pictóricos. En su taller a modo de gimnasio represento cuerpos masculinos atléticos que levantaban pesas o hacian ejercicios gimnásticos.

HANS ERNI, polifacético artista suizo que recientemente ha cumplido los cien años, en perfectas condiciones físicas y mentales. Su obra es inmensamente extensa y en ella, por lo general sobre una base filosófica, se desarrollan, entre muchos otros, temas técnicos, científicos, sociopolíticos, ecológicos o deportivos.

Hans Erni: "Gimnasia"

En 1989, la Academia de Deportes de los Estados Unidos le nombró "artista deportivo del año". El 1992, con ocasión de los 25 Juegos Olímpicos celebrados en Barcelona, el presidente del COI, Juan Antonio Samaranch, impuso a Hans Enri la medalla de oro por su obra artística de contenido deportivo. (Fuente: Apunts)Hans Erni: "Paso de testigo", 1995

ARTE Y DEPORTE: EDAD CONTEMPORÁNEA I

A partir de la industrialización el ocio ocupa un lugar importante en la vida de los ciudadanos en los países desarrollados. Los deportes aumentaron su capacidad de organización y regulación. Aumenta la participación en competiciones deportivas. Con la llegada de los medios de comunicación de masas el deporte se convierte en un espectáculo accesible para todos, entra en nuestras casas.
Los juegos olímpicos de la edad contemporánea se deben a la iniciativa del BARÓN PIERRE DE COUBERTIN, ferviente defensor de la educación física en Francia, su país natal. Fue quién acuñó la frase que se convertiría en todo un símbolo: “Lo importante no es ganar, sino participar” La idea de Coubertin era recrear una institución de la cual se sabía por fuentes literarias y por exitosas excavaciones alemanas en Olimpia, iniciadas en la década de 1870 y llevadas a cabo por Ernst Curtius, bajo los auspicios directos del Kaiser Guillermo I. En el siglo XVIII se dio el paso de los juegos al deporte.

CARTEL MODERNISTA ANUNCIANDO LOS JUEGOSPierre comienza a soñar con unir en una extraordinaria competición a los deportistas de todo el mundo, bajo el signo de la unión y la hermandad, sin ánimo de lucro y sólo por el deseo de conseguir la gloria. La idea de Coubertin parecía insensata y chocó con mucha incomprensión.
Intentando convencer a todos, viajó por todo el mundo hablando de paz, comprensión entre los hombres y de unión, mezclándolo todo con la palabra deporte. Al fin, en la última sesión del Congreso Internacional de Educación Física que se celebró en la Sorbona de París, el 26 de junio de 1894, se decide instituir los Juegos Olímpicos. Los primeros juegos contemporáneos se celebraron en Atenas en 1896.

El deporte forma parte de la educación
El deporte surgió como estrategia para canalizar el tiempo libre de los jóvenes y en un período muy corto acabó siendo elemento central de su sistema educativo. Se empezaron a crear equipos, jefes y jerarquías, se organizaron y reglamentaron los juegos tradicionales. Otros deportes como el fútbol, el rugby, etc. También fueron codificados en las universidades; se inventaron las porterías de fútbol, las vallas, los obstáculos y se utilizaron por primera vez los cronómetros.
Todo ello se exportó a los EEUU a partir de 1880 y triunfó de una manera espectacular en la sociedad americana; de ahí se extendería a todo el resto del mundo.

MARC CHAGALL: "Los tres acróbatas", 1926

PICASSO: “Acróbata y joven equilibrista”, 1905

El alpinismo surge a finales del siglo XVIII. Desde los balcones de las casas aristocráticas que bordean el lago Léman se descubren las crestas nevadas de las cimas alpinas. Así nace la idea de escalarlas. El monte Cervino es uno de los picos míticos por escalar. En la imagen de Gustave Doré se muestra la conquista de su cima. Se considera como la segunda fecha esencial del alpinismo antes de 1786. Se representa 79 años después la cordada europea formada por ingleses, suizos y franceses.

Regatas: remo y vela

El remo es uno de los primeros deportes que se denominan ‘‘mecánicos”. Este adjetivo se aplica para designar la transformación del trabajo muscular humano aplicado a un ingenio de desplazamiento. En este tipo de deportes la evolución del material se irá vinculando a las nuevas posibilidades de la tecnología.
Al igual que en el caso del atletismo, serán las Universidades, Eton, Oxford y Cambridge sobre todo, las que contribuyan decisivamente a la extensión de este deporte. En Inglaterra, las universidades de Cambridge y Oxford iniciaron su rivalidad en remo en 1829, mientras que, en Estados Unidos, Yale y Harvard lo hicieron en 1852.

Thomas Eakins: "John Biglin a single Scull", 1873

Gustave Caillebotte fue uno de los iniciadores de la rebelión contra la Academia de Bellas Artes de París junto con artistas como Monet, Renoir, Dégas, Pissarro, Bazille y Sisley, dentro del movimiento impresionista francés que terminaría por cambiarle el curso a la historia del arte. Entre sus obras destacan las realizadas en el Yerres relacionadas con el remo, la natación o la vela. Este último tema tamién ha sido plasmado por otros artistas del mismo movimiento impresionista como Monet que realizó varias obras representando las regatas en Argenteuil. El paisaje cambiante, el dinamismo del agua y del ejercicio físico facilitan la representación de la fugacidad que es uno de los objetivos del movimiento impresionista.

El acuarelista de origen extremeño Juan Félix Campos muestra en esta obra de los piragüistas, realizada en 2008,su interés por reflejar el movimiento y la velocidad.

La vela es el arte de controlar la dinámica de un barco propulsado por simple acción del viento sobre sus velas. Este deporte ha sido objeto de representación artística en numerosas ocasiones. Las imágenes que proyecta son de un gran valor estético.

MONET: "Regatas en Argenteuil", 1874

Belén Eizaguirre Alvear: "Spinaker", "Primera regata" y "Virando", 2006 Boxeo El resurgir del boxeo, como forma de entrenamiento público, es paralelo al desarrollo de las ciudades modernas. A principios del siglo XVIII, el boxeo ya era un deporte popular en Londres.A pesar de la gran popularidad de que gozaba este deporte en varios países europeos, no se incluyó en el calendario de los I Juegos Olímpicos, celebrados en Atenas (1896), y se argumentó que esta práctica era peligrosa y que los que la llevaban a cabo eran los peores elementos de la sociedad. Ocho años después, en la ciudad de San Luis, Estados Unidos, en ocasión de la tercera edición olímpica los estaounidenses consiguieron que se incorporara al programa oficial competitivo.
Gabriel Bertazzoli: "Boxeador", 2007 Mohamed Ali por Andy Warhol, 1978
La pasión de EDUARDO ARROLLO por el boxeo más literario El Muvim inaguró el 17 de diciembre de 2009, la exposición Eduardo Arroyo Boxeo y Literatura. La exposición recoge la afición del artista Eduardo Arroyo por el deporte del Boxeo. Arroyo afirma que el boxeo es un arte solitario, cruel y noble como el oficio del pintor. Eduardo Arroyo estudió Periodismo. Su profesión le llevó a París con intención de desarrollar su carrera como escritor y allí descubrió su atracción por las artes plásticas. Su interés por la palabra le llevó a realizar su carrera artística poniendo un énfasis especial en la concepción verbal de la figuración. A través de su obra intenta desmitificar situaciones, prejuicios y convencionalismos sociales. "Debo ser el único español al que le interesa esto", anunció ayer Eduardo Arroyo en el Museu Valencià de la Il·lustració i la Modernitat (Muvim) durante la presentación de la muestra que estrecha vínculos entre la literatura y el boxeo, un proyecto largamente madurado que rinde homenaje a su "locura pugilística" por un deporte "que ha vuelto a ser clandestino".
La equitación
Es un deporte ecuestre que se ha practicado durante toda la historia. El hombre ha estado estrechamente ligado al mundo del caballo, de ahí que pintores y escultores lo han representado en numerosas ocasiones. A finales del siglo XVIII, existían competiciones permanentes y corredores de apuestas profesionales. Surgieron también entrenadores y jockeys, asentándose toda una industria sobre la cría caballar.

Gericault, pintor encuadrado en el Romanticismo que entrará en contacto con el mundo del caballo a partir de 1820 en que viaja a Londres. La pasión por la hípica en Gran Bretaña, estimula su arte. Allí pintará una serie de obras en las que representa carreras de caballos.

Los caballos en el mundo del Impresionismo

...y en el Futurismo
Dado el interés del Futurismo por el movimiento, el mundo de la hípica será objeto de su interés. Aunque será un movimiento que distorsiona la realidad como se puede observar en los cuadros de Carrá y Severini.

El movimiento futurista rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento....y en Escher También podemos descubrir como aplica sus técnicas en la representación del caballo: la dualidad y la búsqueda del equilibrio, la utilización del blanco y el negro, la simetría, el infinito frente a lo limitado, el que todo objeto representado tenga su contrapartida.

Escher dibujó en junio de 1946 este mosaico de título Horseman. La técnica utilizada es la pintura de color al agua. Este dibujo es un bello ejemplo de la generación de un mosaico mediante el movimiento llamado “deslizamiento” que es la combinación de una simetría y de una traslación.
Partiendo de una figura geométrica muy sencilla, a la que va aplicando sucesivas transformaciones, llega a la construcción de un motivo que rellena el plano. El mosaico se genera después mediante giros, simetrías, traslaciones y deslizamientos.

El polo

Fuentes:
GONZÁLEZ AJA, T. (2000): El Deporte a través del Arte. Dirección Gral. de Deportes. Consejería de Educación. Comunidad de Madrid. Madrid.
MANDELL, R. (1986): Historia cultural del Deporte. Eds. Bellaterra. Barcelona.
Diccionario de la RAE

ENLACES:

Arte y deporte I / Grecia / Etruria y Roma

Arte y deporte en Mesoamérica / Edad Media / Edad Moderna

SOBRE "PINTAR PALABRAS"

Relacionada con mi entrada "Pintar palabras", presento una colaboración que he recibido de "O Curioso Impertinente":

SOBRE ALBERTI
"Unha exposición "virtualmente" cautivadora. Rafael Alberti, a quen no prólogo da exposición se califica como un dos nosos artistas de avangarda menos coñecidos, moi interesado no tema que nos ocupa, dixo nunha entrevista: "Yo no hago ninguna distinción entre poesía y pintura, entre la palabra y la línea, entre la expresión gráfica y la palabra".
A interacción da arte coas palabras produce a miúdo obras fascinantes. Miquel Barceló, para festexar o número 10.000 de EL PAIS, botou a vista atrás, a Picasso e a Braque, e voltou xogar co "journal" nunha espléndida portada de outubro de 2.004. O magnífico ilustrador Miguel Calatayud tamén se achegou ás palabras pintadas: no "monstruo" fúndense o significante e o significado, a palabra é o monstruo. Ou esas "cenizas" autorreferentes a arder que predín o que van ser".

MIGUEL CALATAYUD
"O magnífico ilustrador Miguel Calatayud tamén se achegou ás palabras pintadas: no "monstruo" fúndense o significante e o significado, a palabra é o monstruo. Ou esas "cenizas" autorreferentes a arder que predín o que van ser".

"No século XIX, STAHL editou un abecedario ilustrado, "Adiviña o alfabeto", con máis intención lúdica e instructiva que artística, que ben podía ser un antecesor dos da exposición. Ese I, con puntiño e todo, Insinuado e Integrado no debuxo, a un paso de deixar de existir se as contras se fecharan, seguro que gostaba ós surrealistas. E onte mesmo rematou unha exposición sobre Valle-Inclán que, no cartel anunciador, reproducía a efixie tipográfica do escritor, composta por letras e signos ortográficos".

Vou rematar cuns fragmentiños do conto de Saúl Yurkievich, EL VAGÓN AZUL, sobre Kurt Schwitters, do que tamén se fala nese prólogo.
"Esa madera con silueta de hongo o de flecha, por su grisáceo viejo con toques de rosa, parece un ratón. Colinda con el rectángulo de papel crema, un recibo de vestuario bien legible. También se leen, a pesar de las pinceladas que los embadurnan, los recortes de periódico que pegó a la izquierda. (...)
Ensaya con los resortes, con los carretes, con las ruedas dentadas. Nada va. Recurre al armario de los papeles donde acumula tarjetas postales (su manía). cromos, boletos, recortes, las cartas que recibe, billetes con matasellos, etiquetas, sus vencidos vales de racionamiento. Todo papel que pasa por sus manos va a parar al armario."

"LABERINTO DE MUSEOS". INSTITUTO CERVANTES

Aquí presento otro enlace del Instituto Cervantes que nos conduce a imágenes y páginas de una serie de museos creados en los últimos años
"Dentro de las actividades programadas para la inauguración de nuestra nueva sede en Pekín, y cumpliendo uno de los objetivos fundamentales del Instituto Cervantes, el proyecto «Laberinto de museos» pretende difundir el arte español y sus plataformas promocionales. Dieciséis museos y centros ofrecen una imagen plural del paisaje museístico nacional, al tiempo que nos permiten asistir al diálogo entre dos culturas, la china y la española, como medio de conocimiento y comprensión mutua". CVC

"PINTAR PALABRAS". CENTRO VIRTUAL CERVANTES

Os presento esta interesante exposición virtual del Instituto Cervantes sobre las "palabras pintadas".

Es muy atractiva la página "Artes" del Cervantes.

"Esta exposición se propone representar el interés de muchos de los artistas del siglo XX por la palabra pintada —es decir, la presencia de las palabras, de los textos, en la superficie visual propia de las obras plásticas, bien como elemento icónico autónomo o como representación de un concepto— y narrar su evolución, la historia de un nuevo género de pintura y registro visual nacido con el siglo XX a partir del cubismo. Aunque la tendencia es universal y recorre transversalmente todo el arte contemporáneo desde sus inicios, resulta curioso señalar que muchos de los artistas más significativos de este género son españoles... Picasso, Juan Gris, Miró, Dalí, Tàpies, Millares, Brossa, Equipo Crónica, Víctor Mira, Carlos Pazos, Concha Jerez, García Sevilla, X. Vázquez, Plensa, R. López Cuenca, Perejaume, etcétera. Durante el siglo XX podemos seguir un interesante proceso de incorporación de la escritura y la palabra al catálogo de imágenes del arte contemporáneo —bien como palabra autónoma, como texto con funciones descriptivas o literarias, como poesía visual o por su valor conceptual— revelándose un nuevo género en la pintura: al principio, en el cubismo, conviviendo y contaminando los tradicionales géneros del paisaje, el retrato, la «naturaleza muerta»; luego, afirmando su personalidad específica como género de «palabras pintadas», con sus intenciones particulares, su propia evolución como modo privilegiado de representación de la realidad y las ideas estéticas, sociales... extendiéndose y diseminando su influencia sobre otros territorios expresivos y técnicas artísticas (la escultura, fotografía, imagen electrónica, net art, instalaciones multimedia, etcétera). " (Presentación de la exposición).

EL ARTE DE LA SEMEJANZA: IMÁGENES

EL ARTE DE LA SEMEJANZA

"El arte de la semejanza" , exposición producida por Caixanova en itinerancia desde Septiembre de 2009 hasta Enero de 2010. Se ha presentado en Vigo y desde el día 29 se puede ver en Pontevedra hasta el 13 de diciembre y más tarde en Orense, del 17 de diciembre de 2009 al 31 de enero de 2010.
Se trata de una exposición que tiene como objetivo reivindicar la figuración como expresión artística contemporánea.
«Aunque la primera impresión que se llevaran los espectadores es la de ver obras de gran virtuosismo técnico, a mí me gustaría que la gente viera que hay un sentido conceptual, que hay una intención más allá de querer hacerlo bien», aclaró Mercedes Rozas, la comisaria de la exposición.
Mercedes Rozas ha reunido la obra de nueve artistas, cuyas edades oscilan entre los 45 y los 31 años, que demuestran una gran maestría en el dominio del dibujo, aunque empleando técnicas tan contemporáneas como un bolígrafo Bic, gasas, vinilo o la madera.
Los nombres de mayor proyección internacional son el sevillano Salustiano y la italiana Carla Bedini, el resto son artistas que están haciéndose un nombre. Es el caso de Juanfran Casas, el hombre del bolígrafo Bic, que actualmente vive en Roma, becado por la Academia de España en Roma, y sus obras se venden sin ninguna dificultad. Este doctor en Bellas Artes obtuvo, en 1999, el Premio Nacional de Fin de Carrera del Ministerio de Educación y Ciencia al mejor expediente universitario de España.
Se completa la nómina de artistas con la presencia del canario Rómulo Celdrán, el madrileño Eloy Morales, la valenciana Marta Blasco, la asturiana Rebeca Menéndez, el murciano Torregar y el ourensano Perianes, que el pasado año sorprendió con una instalación ubicada en el Marco, que consistía en reproducir un monte en una de las salas de la parte baja del museo.
«Pretendo reivindicar la figuración desde parámetros contemporáneos, algo que estaba denostado en las galerías; pero yo creo que se puede hacer arte de calidad con registros figurativos», afirma la comisaria de la exposición.
Nexo común entre los artistas seleccionados por Mercedes Rozas es el dominio que tienen del dibujo, no en vano, todos ellos son profesores de dibujo en diferentes facultades de Bellas Artes. Otro punto en común de los estos artistas es su edad. «Son jóvenes y eso les otorga una identidad generacional», apunta. Rozas.
El proyecto pretende evidenciar el valor de las propuestas que adoptan a través de parámetros actuales el recurso de la forma figurativa como estrategia, demostrando que desde estas actitudes es posible construir una obra de calidad, con gran capacidad expresiva y significado propio. Con distintos criterios abordan prácticas artísticas como el dibujo, la pintura, el vídeo o la instalación, sin dejarse tentar por lo fácil ni caer en el oportunismo de la novedad por la novedad.

Detrás de cada imagen de esta exposición no existe sólo virtuosismo o perfección técnica, sino que conceptualmente anidan reflexiones preocupadas por el paso del tiempo o el tema de la identidad, tácticas que alimentan una visión onírica de la pintura, inducen deliberadamente a confundir la realidad con la representación artística, se implican en el espacio o profundizan en la interrelación disciplinar.Todos y cada uno de ellos enfocan su trabajo teniendo en cuenta el papel versátil y enriquecedor de los distintos procedimientos técnicos.

"(...) Y me resulta difícil substraerme a ello cuando afronto la obra de Carla Bedini, artista que refuerza, en su pintura – tan sorprendente por su realismo de corte gótico y mágico, a lo Roh, como por su conceptualización singular a la hora de reflexionar sobre el pasado- una atmósfera inquietante y wildeana, tal vez haciendo explícitos sus deseos de incidir en aquella melancolía operativa de los personajes femeninos de uno de los pintores más torturados del prevanguardismo histórico: Munch. La huella melancólica provocaba la trascendencia del tiempo como protagonista y extensión del artista y elevaba la soledad al papel protagónico que nunca tuvo."

"Carla Bedini utiliza como soporte gasas superpuestas, y no lienzo, lo que acentúa ese carácter delicado y frágil de su pintura. Recrea magistralmente en sus inhabitadas arquitecturas tenebristas, donde la luz azota o reaviva el mundo de las sombras y su fría geometría, pero en especial cuando se acerca a las solitarias figuras de sus retratadas, casi siempre niñas o adolescentes, cuyos ojos taladran o desnudan el alma del espectador que trata de sostener la mirada en el cuadro." Antón CastroSu obra presenta un realismo fotográfico. Morales recurre a la fotografía como soporte para realizar lienzos realistas, en los que los detalles cotidianos del mundo que lo rodea, toman la textura y color del pincel. Remite manifiestamente a aquellos orígenes hiperrealistas un monumental e impactante retrato cuadrado de su hermano David a medio afeitar.
Realiza retratos, tanto al óleo, como al carboncillo de un especial virtuosismo.
En su obra dominan, retratos y desnudos de mujeres en interiores con muchas referencias actuales, casi a modo de "collage“ como el de los botes de Coca-Cola.

La pintura actual de Morales se centra en la representación del escenario, el paisaje, no tanto en la figura humana en sí, y la luz cobra un protagonismo fundamental.Su obra se desarrolla principalmente dentro del campo de la pintura, con obras de gran formato con las que ha conseguido importantes éxitos internacionales, y desde 2006 en el campo del dibujo, con obras realizadas con bolígrafo Bic azul.
Su estilo, realista en apariencia, parte de fotografías domésticas y de baja calidad, magnificando dichas instantáneas dionisíacas, momentos de vida y juventud, con picardía y sentido del humor.

El sexo, los amigos, la comida y la bebida son elementos reconocibles en estas imágenes que analizan y exaltan los pequeños climas cotidianos de felicidad pura y primitiva.
Casas intenta provocar en el espectador una sensación de extrañeza o de risa a través de imágenes puntuales de contextos ajenos.
A pesar de utilizar sólo un bolígrafo, el artista consigue reproducir la realidad al detalle. El proceso previo no conlleva grandes elaboraciones ya que realiza las fotografías con máquinas corrientes, sin preparación ni iluminación.

Artista que pinta con una técnica que recuerda encuadres y perspectivas de la técnica fotográfica, aunque salvando los efectos ópticos de la cámara.
Se trata de una figuración con trazos impresionistas, de matices terrosos, con una cierta preponderancia de la figura humana, que realiza sobre fondos descontextualizados para concentrarse en el argumento central, único las más de las veces. Sus comienzos mostraron una muy temprana tendencia hacia la búsqueda del más allá de la pintura tradicional, con un figurativismo que optaba por romper moldes mediante cáusticas deformaciones y ampulosidades cromáticas.

Con una línea fina de dibujo a medio camino entre la pintura italiana y el Arte oriental, sus cuadros tienen el color rojo y la figura humana como eje central de una obra intimista, que se desarrolla con toques renacentistas y, que nos brinda una serenidad y un equilibrio difícilmente igualable.
Sus pinturas recogen el más mínimo de los rasgos de sus modelos, tanto adultos como infantiles, haciendo difícil discernir la distancia que separa el dibujo de la fotografía.

“En mis cuadros nunca pasa nada. Por no haber, no hay ni temática. Son imágenes que no pretenden contar “algo”. Yo busco algo más primitivo, más sutil, busco causarle un determinado estado en el alma a quien los contempla

Es un trabajo intelectual, muy calculado, pero siempre persiguiendo una finalidad emocional. En ese sentido, mi pintura trabaja como la pintura abstracta, aunque me deje la piel y los ojos en lograr la figuración más fina y exacta que soy capaz de trazar.”

Con una pintura que ha dado un giro al género del retrato, su aproximación a la figura humana es de un rigor académico digno de pintor renacentista, acercándose fielmente a sus modelos gracias a un detenido estudio de la forma, a la pulcritud del dibujo y de la pincelada. Sin embargo, los personajes están descontextualizados. Los torsos y rostros solitarios habitan un espacio donde no hay más borde que la tela, siendo el fondo un vacío monocromo y total. Los cuerpos aparecen como en un sueño donde todo se torna rojo.

El trabajo de este artista comienza en el momento que toma las fotos al modelo. Aunque no suele conversar mucho con ellos, reconoce que siempre se establece una complicidad: "Te van revelando cosas y descubres que no solo es un rostro sereno o bello sino que, además, descubres que todas estas personas eran muy especiales y, curiosamente, muchas de ellas relacionadas con la música".

¿Por qué el color rojo?

“Porque está lleno de connotaciones e intenciones. Del latín coloratus (colorare, colorar, dar color), es el color por excelencia. El rojo tiene el poder de trascender a su propia condición de color. Es más que un color, es un símbolo que provoca sentimientos de belleza, de ausencia de tiempo, siendo a la vez expresión de fuerza, el color de la sangre, de la religión y de los elegidos. El rojo de mis cuadros en realidad es una metáfora del cielo, de lo trascendente.”

Fuente: Entrevista por Carolina Lara, periodista publicada en Artfacts.Net: la experiencia al servicio del arte Rómulo Celdrán logra con la misma sencillez con la que se conduce vitalmente un triunfo apoteósico del oficio y ha creado una propuesta personal que contribuye a una sentida reflexión sobre la naturaleza del arte y su ilusión.
Hasta la actualidad ha desarrollado su producción mediante diversos procedimientos técnicos: pintura, dibujo, estampa litográfica (aunque de un modo menos frecuente) y escultura. En el medio escultórico ha conseguido sus trabajos más impactantes.
Su experiencia y dominio como pintor le sirven para acertar con el cromatismo que imprime a esas esculturas, mientras que el extraordinario despliegue de la duda sobre la naturaleza material que sufre el espectador cuando admira sus dibujos ha sido logrado, asimismo, en el campo tridimensional.
Sus esculturas están talladas o esculpidas en un único bloque, respectivamente, de madera o de piedra.
Éstas presentan dos elementos:
- un soporte que funciona, en la mayoría de las ocasiones, a modo de pedestal y que explicita la naturaleza del material en el que sustancian (un bloque de piedra, un tronco, etc.) y
- objetos de la vida cotidiana que son representados con milimétrica literalidad y a tamaño natural.
Todas estas obras se titulan precisamente, Objects (Objetos).
El efecto asombroso es el que consigue confundir al espectador que cree ver obras de apropiación material de objetos reales. El cultivo de lo siniestro, inquietante y misterioso es característico de esta artista.
Marta Blasco optó por describir unos paisajes desolados, salpicados de árboles muertos, de espectros solitarios, de figuras dolientes; una visión romántica de la naturaleza y de la existencia que encuentra su origen en lo onírico y lo literario y que se concreta en una pintura brillante, delicada y preciosista.

(…) el trabajo que ha desarrollado Marta Blasco en estos dibujos posee ante todo un carácter ritual: la inmersión en la bañera, la tiniebla como “origen y simboliza entre otras cosas la búsqueda del amor y la total entrega. Pero Ofelia es una forma mítica, el culto a Afrodita exige también el baño ritual .
Javier Rubio Nomblot (Texto del catálogo “Ophelia: Dibujos y Desdibujos”)
La artista asturiana, presenta creaciones hechas en fieltro que se pliega, se levanta hacia el espectador acentuando la tercera dimensión. A través de la temática de niñas que están absortas en sus juegos infantiles, la artista libera la evocación del pasado. Por medio de un cordón de lana se enlazan las figuras de uno y otro lado de las paredes, llamando la atención del espectador.

ÓPERA DE OSLO Y PROYECTO LAMBDA

El Premio Mies 2009, para una sobria inclinación
La Comisión Europea y la Fundación Mies van der Rohe han otorgado al edificio proyectado por el estudio de arquitectura de Snøhetta, la Ópera y el Ballet Nacional de Noruega, Oslo, el Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europa, Premio Mies van der Rohe 2009.
El presidente del jurado ha afirmado que: “La Ópera y el Ballet Nacional Noruego de Oslo es más que un simple edificio. En primer lugar, es un espacio urbano, un regalo para la ciudad. El edificio se puede considerar un catalizador de todas las energías de la ciudad y es un emblema de la regeneración de su tejido urbano.”

Sobre un fiordo
Este edificio emblemático realizado por Snøhetta, quien también proyectó la nueva Biblioteca de Alejandría (2002), es el mayor centro cultural construido en Noruega en los últimos 700 años. El tejado de piedras inclinadas -compuesto por 36.000 piezas encajadas– se levanta del fiordo; permite que el público, los residentes y los asistentes a la ópera anden por encima del edificio, lo que crea una relación con la estructura pública. Andar por el techo
En el exterior del edificio, la estructura más impresionante es el blanco artesonado de piedra inclinada que surge directamente desde el fiordo Oslofjord y que da a los visitantes la oportunidad de disfrutar de un paseo y de las vistas de la ciudad.
Desde el fiordo, se puede ver que una de las fachadas del edificio tiene paneles solares. Se trata del espacio con más paneles solares de Noruega, lo que permite suministrar al edificio la energía que necesita.

Una plaza en el tejado
Como si se tratara de una partitura, las figuras de los paseantes se suceden como notas musicales, sobre los pliegues blancos del techo de la nueva Ópera de Oslo, convertido en una gran plaza urbana. El mármol blanco y el cristal lo asemejan a un témpano que emerge de las aguas del fiordo. “Un hermoso espacio público, abierto y de fácil acceso”, como define Tarald Lundevall, uno de los arquitectos responsables del proyecto firmado por el estudio noruego Snøhetta.

Funciona como elemento articulador de la renovación del frente marino de la capital noruega.
“La gente de Oslo acude cada día a pasear por su tejado", explica Tarald Lundevall.
De hecho, Snøhetta se vanagloria de tener muy en cuenta el contexto urbano y cultural a la hora de enfocar cada trabajo. "En nuestro estudio es un elemento fundamental, y no sólo en relación al paisaje exterior. Aquí el tejado, blanco e inclinado, es en sí mismo un paisaje urbano".

En el espacio interior de mil metros cuadrados, que está revestido con carpintería fina (aplicando los sistemas tradicionales de los constructores de barcos noruegos), encontramos numerosas obras de arte entrelazadas con el tejido estructural

Lo funcional se une a lo simbólico
Lundevall explica que el cliente de la ópera, el ministerio de Cultura noruego, pedía que el edificio fuera a la vez funcional y monumental, "representativo, como una declaración de las cualidades noruegas".
En lo que respecta a la monumentalidad decidieron reinventar este término y frente a lo que marca la tradición, amante de la verticalidad simbólica, optaron por una nueva manera de entender la monumentalidad escandinava. La funcionalidad la consiguieron trabajando de manera muy estrecha con sus futuros usuarios para diseñar una especie de "fábrica" con espacios muy flexibles en los que, sin embargo, no renunciaron a la belleza mediante un cuidado revestimiento de madera fina trabajada de manera tradicional.

Una ópera varada entre los fiordos
Lundevall, para quien pase lo que pase, lo que está claro es que la sostenibilidad será uno de los factores que más deberán tener en cuenta los arquitectos. "Cambiará nuestra manera de pensar y de construir. Es el gran desafío actual de la arquitectura". Fuente: Catalina Serra, EL PAÍS

Ambiciosa aventura
La Ópera de Oslo firmada por el estudio Snøhetta es la primera pieza de una operación que transformará completamente la lectura y el uso de un enclave que quiere reivindicarse a sí mismo como Fijord city. Y es que, como tantas ciudades desarrolladas a espaldas del mar, Oslo depositó en las riberas de su fiordo las instalaciones portuarias cerrando a sus habitantes el contacto con el agua.
Ahora, esos terrenos ganados al mar han legado un perímetro bellísimo de geometría artificial formado por una serie de penínsulas que recibirán diferentes edificios culturales, como la Biblioteca Nacional y el nuevo Museo Munch, pero que también incluyen construcciones residenciales y comerciales con el fin de extender con no poca naturalidad la ciudad verdadera, y no sólo la de las grandes actuaciones, hasta la orilla.
El edificio explota su emplazamiento convirtiéndose en resolución topográfica del encuentro de la tierra firme con el fiordo y hace de su cubierta un lugar público que ha adquirido una importancia máxima entre los espacios abiertos de la trama urbana.
Su desarrollo horizontal y su construcción a base de pliegues de mármol blanco hacen aflorar su condición geológica como si fuera una cantera que siempre estaba ahí y hubiera sido tallada por los arquitectos.

Y su interior es, en cierto modo, una prolongación de la ciudad con el vestíbulo imponente y luminoso y sus restaurantes formando una plaza cubierta bajo el gran solárium en donde una población que adora el sol puede abandonarse a su contemplación.

Snøhetta ha sabido hacerlo todo bien, rodearse de artistas para trabajar una buena serie de acciones singulares, construir unas salas que son un prodigio espacial y acústico, resolver los mil problemas que un programa tan complejo pone sobre la mesa sin que hayan dejado huella en la construcción, y con todo ello, ofrecer a su ciudad un regalo inesperado.
Proyectar y construir la Ópera ha debido resultar una empresa llena de contratiempos, de ésas que sólo los arquitectos más ilusionados son capaces de afrontar convencidos de que el futuro vendrá para olvidar todo dolor. Oslo puede estar hoy más orgullosa de su Ópera y de este premio, pero sobre todo, de haber confiado en la arquitectura para cambiar su historia y, gracias a ello, puede mirar confiada hacia unos tiempos nuevos en los que todo lo aprendido en esta primera gran acción será el mejor bagaje para continuar su extraordinario proyecto.
Artículo de Juan Herreros, arquitecto y ganador del proyecto para el nuevo Museo Munch de Oslo.

Proyecto Lambda, para la bahía de Oslo

La Ópera de Oslo forma parte del proyecto Lambda. En la imagen se puede apreciar el aspecto que tendrá la bahía de la capital noruega tras la realización del proyecto. En primer término, el edificio de la Ópera, ya construido, y a la derecha, el nuevo Museo Munch.

Un arquitecto español para la nueva Oslo
Juan Herreros será el encargado de abrir la capital noruega al mar.

Siguiendo el ejemplo de otras ciudades marítimas ( Barcelona o Bilbao y la recuperación de su ría), la capital de un país que ama profundamente su naturaleza se prepara para abrazar definitivamente el mar. De modo que en 2011, la silueta de esta capital modelo de sociedad avanzada, ya no será la misma. El Museo Munch se ha configurado como la proa de una soberbia renovación urbanística que conquistará para la ciudad una isla naturista, una playa, un parque, un barrio de viviendas sostenibles y una librería.

Todo este conjunto de edificaciones, denominado Munch Area, ocupará una superficie de 50.000 metros cuadrados de Bjorvika, un barrio cargado de historia en la bahía de Oslo pegado al fiordo. Y será realizado por el estudio de Juan Herreros (El Escorial, Madrid, 1958), que acaba de ganar el proyecto en un concurso internacional al que concurrieron 20 equipos seleccionados con criterios muy estrictos, entre los que se encontraban Zada Hadid y Tadao Ando. Herreros se presentó bajo el seudónimo de Lambda, la letra griega con la que se representa la longitud de onda en fenómenos como la luz o las olas del mar y que también sirve de lema al proyecto. A esa representación obedece el envoltorio del edificio preeminente, el Museo Munch, que se ha forrado de vidrios ondulados para que reaccionen a los cambios de la temperatura del agua o del aire, como termómetro de las condiciones externas.

El museo se inspira en el lenguaje exuberante de su futuro morador, el pintor noruego Edvard Munch que falleció en 1944 dejando un profuso y desordenado legado que heredó su ciudad natal, Oslo.

(...) Una de las cuestiones que ha destacado el jurado es que el Museo Munch dialogue con la Ópera "al mismo nivel de importancia", manifestó el jurado, presidido por el arquitecto suizo Valerio Olgiatti, que arrastra la fama de ser un radical. "Es una declaración de arte y de acceso público para el fiordo. El edificio es elegante y emblemático por su simplicidad y será una torre de luz en la entrada del fiordo generando un sorprendente lugar para que las personas gocen del singular paisaje de Oslo".

(...) "A la sombra de estos edificios surge una nueva ciudad y una nueva forma de moverse", resume Juan Herreros, profesor en la Escuela de Arquitectura de Madrid y en la de Columbia de Nueva York. "Oslo es una ciudad ejemplar por su interés por la arquitectura y por su austeridad. También por ser una sociedad muy civil que renuncia a la ostentación y elige un modo de vida austero y tranquilo y eso me atrae mucho". "Este proyecto ha sido un regalo extraordinario".

Mª José Díaz de Tuesta, EL PAÍS