lunes, 2 de noviembre de 2009

EL ARTE DE LA SEMEJANZA

"El arte de la semejanza" , exposición producida por Caixanova en itinerancia desde Septiembre de 2009 hasta Enero de 2010. Se ha presentado en Vigo y desde el día 29 se puede ver en Pontevedra hasta el 13 de diciembre y más tarde en Orense, del 17 de diciembre de 2009 al 31 de enero de 2010.Se trata de una exposición que tiene como objetivo reivindicar la figuración como expresión artística contemporánea.
«Aunque la primera impresión que se llevaran los espectadores es la de ver obras de gran virtuosismo técnico, a mí me gustaría que la gente viera que hay un sentido conceptual, que hay una intención más allá de querer hacerlo bien», aclaró Mercedes Rozas, la comisaria de la exposición.
Mercedes Rozas ha reunido la obra de nueve artistas, cuyas edades oscilan entre los 45 y los 31 años, que demuestran una gran maestría en el dominio del dibujo, aunque empleando técnicas tan contemporáneas como un bolígrafo Bic, gasas, vinilo o la madera.
Los nombres de mayor proyección internacional son el sevillano Salustiano y la italiana Carla Bedini, el resto son artistas que están haciéndose un nombre. Es el caso de Juanfran Casas, el hombre del bolígrafo Bic, que actualmente vive en Roma, becado por la Academia de España en Roma, y sus obras se venden sin ninguna dificultad. Este doctor en Bellas Artes obtuvo, en 1999, el Premio Nacional de Fin de Carrera del Ministerio de Educación y Ciencia al mejor expediente universitario de España.
Se completa la nómina de artistas con la presencia del canario Rómulo Celdrán, el madrileño Eloy Morales, la valenciana Marta Blasco, la asturiana Rebeca Menéndez, el murciano Torregar y el ourensano Perianes, que el pasado año sorprendió con una instalación ubicada en el Marco, que consistía en reproducir un monte en una de las salas de la parte baja del museo.
«Pretendo reivindicar la figuración desde parámetros contemporáneos, algo que estaba denostado en las galerías; pero yo creo que se puede hacer arte de calidad con registros figurativos», afirma la comisaria de la exposición.
Nexo común entre los artistas seleccionados por Mercedes Rozas es el dominio que tienen del dibujo, no en vano, todos ellos son profesores de dibujo en diferentes facultades de Bellas Artes. Otro punto en común de los estos artistas es su edad. «Son jóvenes y eso les otorga una identidad generacional», apunta. Rozas.
El proyecto pretende evidenciar el valor de las propuestas que adoptan a través de parámetros actuales el recurso de la forma figurativa como estrategia, demostrando que desde estas actitudes es posible construir una obra de calidad, con gran capacidad expresiva y significado propio. Con distintos criterios abordan prácticas artísticas como el dibujo, la pintura, el vídeo o la instalación, sin dejarse tentar por lo fácil ni caer en el oportunismo de la novedad por la novedad.
Detrás de cada imagen de esta exposición no existe sólo virtuosismo o perfección técnica, sino que conceptualmente anidan reflexiones preocupadas por el paso del tiempo o el tema de la identidad, tácticas que alimentan una visión onírica de la pintura, inducen deliberadamente a confundir la realidad con la representación artística, se implican en el espacio o profundizan en la interrelación disciplinar.Todos y cada uno de ellos enfocan su trabajo teniendo en cuenta el papel versátil y enriquecedor de los distintos procedimientos técnicos.


































"(...) Y me resulta difícil substraerme a ello cuando afronto la obra de Carla Bedini, artista que refuerza, en su pintura – tan sorprendente por su realismo de corte gótico y mágico, a lo Roh, como por su conceptualización singular a la hora de reflexionar sobre el pasado- una atmósfera inquietante y wildeana, tal vez haciendo explícitos sus deseos de incidir en aquella melancolía operativa de los personajes femeninos de uno de los pintores más torturados del prevanguardismo histórico: Munch. La huella melancólica provocaba la trascendencia del tiempo como protagonista y extensión del artista y elevaba la soledad al papel protagónico que nunca tuvo."
"Carla Bedini utiliza como soporte gasas superpuestas, y no lienzo, lo que acentúa ese carácter delicado y frágil de su pintura. Recrea magistralmente en sus inhabitadas arquitecturas tenebristas, donde la luz azota o reaviva el mundo de las sombras y su fría geometría, pero en especial cuando se acerca a las solitarias figuras de sus retratadas, casi siempre niñas o adolescentes, cuyos ojos taladran o desnudan el alma del espectador que trata de sostener la mirada en el cuadro." Antón CastroSu obra presenta un realismo fotográfico. Morales recurre a la fotografía como soporte para realizar lienzos realistas, en los que los detalles cotidianos del mundo que lo rodea, toman la textura y color del pincel. Remite manifiestamente a aquellos orígenes hiperrealistas un monumental e impactante retrato cuadrado de su hermano David a medio afeitar.
Realiza retratos, tanto al óleo, como al carboncillo de un especial virtuosismo.
En su obra dominan, retratos y desnudos de mujeres en interiores con muchas referencias actuales, casi a modo de "collage“ como el de los botes de Coca-Cola.

La pintura actual de Morales se centra en la representación del escenario, el paisaje, no tanto en la figura humana en sí, y la luz cobra un protagonismo fundamental.Su obra se desarrolla principalmente dentro del campo de la pintura, con obras de gran formato con las que ha conseguido importantes éxitos internacionales, y desde 2006 en el campo del dibujo, con obras realizadas con bolígrafo Bic azul.Su estilo, realista en apariencia, parte de fotografías domésticas y de baja calidad, magnificando dichas instantáneas dionisíacas, momentos de vida y juventud, con picardía y sentido del humor.
El sexo, los amigos, la comida y la bebida son elementos reconocibles en estas imágenes que analizan y exaltan los pequeños climas cotidianos de felicidad pura y primitiva.
Casas intenta provocar en el espectador una sensación de extrañeza o de risa a través de imágenes puntuales de contextos ajenos.
A pesar de utilizar sólo un bolígrafo, el artista consigue reproducir la realidad al detalle. El proceso previo no conlleva grandes elaboraciones ya que realiza las fotografías con máquinas corrientes, sin preparación ni iluminación.
Artista que pinta con una técnica que recuerda encuadres y perspectivas de la técnica fotográfica, aunque salvando los efectos ópticos de la cámara.
Se trata de una figuración con trazos impresionistas, de matices terrosos, con una cierta preponderancia de la figura humana, que realiza sobre fondos descontextualizados para concentrarse en el argumento central, único las más de las veces. Sus comienzos mostraron una muy temprana tendencia hacia la búsqueda del más allá de la pintura tradicional, con un figurativismo que optaba por romper moldes mediante cáusticas deformaciones y ampulosidades cromáticas.
Con una línea fina de dibujo a medio camino entre la pintura italiana y el Arte oriental, sus cuadros tienen el color rojo y la figura humana como eje central de una obra intimista, que se desarrolla con toques renacentistas y, que nos brinda una serenidad y un equilibrio difícilmente igualable.
Sus pinturas recogen el más mínimo de los rasgos de sus modelos, tanto adultos como infantiles, haciendo difícil discernir la distancia que separa el dibujo de la fotografía.
“En mis cuadros nunca pasa nada. Por no haber, no hay ni temática. Son imágenes que no pretenden contar “algo”. Yo busco algo más primitivo, más sutil, busco causarle un determinado estado en el alma a quien los contempla
Es un trabajo intelectual, muy calculado, pero siempre persiguiendo una finalidad emocional. En ese sentido, mi pintura trabaja como la pintura abstracta, aunque me deje la piel y los ojos en lograr la figuración más fina y exacta que soy capaz de trazar.”
Con una pintura que ha dado un giro al género del retrato, su aproximación a la figura humana es de un rigor académico digno de pintor renacentista, acercándose fielmente a sus modelos gracias a un detenido estudio de la forma, a la pulcritud del dibujo y de la pincelada. Sin embargo, los personajes están descontextualizados. Los torsos y rostros solitarios habitan un espacio donde no hay más borde que la tela, siendo el fondo un vacío monocromo y total. Los cuerpos aparecen como en un sueño donde todo se torna rojo.
El trabajo de este artista comienza en el momento que toma las fotos al modelo. Aunque no suele conversar mucho con ellos, reconoce que siempre se establece una complicidad: "Te van revelando cosas y descubres que no solo es un rostro sereno o bello sino que, además, descubres que todas estas personas eran muy especiales y, curiosamente, muchas de ellas relacionadas con la música".
¿Por qué el color rojo?
“Porque está lleno de connotaciones e intenciones. Del latín coloratus (colorare, colorar, dar color), es el color por excelencia. El rojo tiene el poder de trascender a su propia condición de color. Es más que un color, es un símbolo que provoca sentimientos de belleza, de ausencia de tiempo, siendo a la vez expresión de fuerza, el color de la sangre, de la religión y de los elegidos. El rojo de mis cuadros en realidad es una metáfora del cielo, de lo trascendente.”
Fuente: Entrevista por Carolina Lara, periodista publicada en Artfacts.Net: la experiencia al servicio del arte Rómulo Celdrán logra con la misma sencillez con la que se conduce vitalmente un triunfo apoteósico del oficio y ha creado una propuesta personal que contribuye a una sentida reflexión sobre la naturaleza del arte y su ilusión.
Hasta la actualidad ha desarrollado su producción mediante diversos procedimientos técnicos: pintura, dibujo, estampa litográfica (aunque de un modo menos frecuente) y escultura.
En el medio escultórico ha conseguido sus trabajos más impactantes.Su experiencia y dominio como pintor le sirven para acertar con el cromatismo que imprime a esas esculturas, mientras que el extraordinario despliegue de la duda sobre la naturaleza material que sufre el espectador cuando admira sus dibujos ha sido logrado, asimismo, en el campo tridimensional.
Sus esculturas están talladas o esculpidas en un único bloque, respectivamente, de madera o de piedra.
Éstas presentan dos elementos:
- un soporte que funciona, en la mayoría de las ocasiones, a modo de pedestal y que explicita la naturaleza del material en el que sustancian (un bloque de piedra, un tronco, etc.) y
- objetos de la vida cotidiana que son representados con milimétrica literalidad y a tamaño natural.
Todas estas obras se titulan precisamente, Objects (Objetos).
El efecto asombroso es el que consigue confundir al espectador que cree ver obras de apropiación material de objetos reales.
El cultivo de lo siniestro, inquietante y misterioso es característico de esta artista.
Marta Blasco optó por describir unos paisajes desolados, salpicados de árboles muertos, de espectros solitarios, de figuras dolientes; una visión romántica de la naturaleza y de la existencia que encuentra su origen en lo onírico y lo literario y que se concreta en una pintura brillante, delicada y preciosista.

(…) el trabajo que ha desarrollado Marta Blasco en estos dibujos posee ante todo un carácter ritual: la inmersión en la bañera, la tiniebla como “origen y simboliza entre otras cosas la búsqueda del amor y la total entrega. Pero Ofelia es una forma mítica, el culto a Afrodita exige también el baño ritual .
Javier Rubio Nomblot (Texto del catálogo “Ophelia: Dibujos y Desdibujos”)

La artista asturiana, presenta creaciones hechas en fieltro que se pliega, se levanta hacia el espectador acentuando la tercera dimensión. A través de la temática de niñas que están absortas en sus juegos infantiles, la artista libera la evocación del pasado. Por medio de un cordón de lana se enlazan las figuras de uno y otro lado de las paredes, llamando la atención del espectador.


9 comentarios:

Antonio Martínez dijo...

Fantástica entrada. En canto teña oportunidade de achegarme ao sur, irei vistar esta exposición. Saúdos.

Ana dijo...

La exposición merece la visita. He añadido algunas obras que no están expuestas y he dejado de poner otras para que resulten nuevas a los espectadores (lectores del blog) que asistan a la muestra.
El virtuosismo técnico es enorme y descubre que hay todavía recorrido para innovar y emocionar a través de la figuración.
Saludos

Lucie G dijo...

Parece interesantísima esta exposición, y me ha encantado leer tu articulo. Buscaré más información sobre estos artistas, sobre todo Carla Bedini que no conocía y algunos más!
Un abrazo

Ana dijo...

Es una exposición muy atractiva. Para mi fue un descubrimiento.
Puedes encontrar información en Internet, sobre todo de Carla Bedini...y muchas imágenes.
Saludos

O Curioso Impertinente dijo...

O día da inauguración, aquí en Pontevedra, quedamos ás portas pero onte xa nos achegamos a vela.
Resulta interesante e moi sorprendente nalgúns casos, mágoa que sexa un pouco escasa, queda un con gañas de ver algún traballo máis, de Salustiano, por exemplo.
O virtuosismo do que falas, Ana, é certamente apabullante.
Coincido con Lucie G no interese especial en Carla Bedini, que me da que vai ser pasto de portadas de libros de terror e afíns.

Por certo que os de Caixanova podían ter o coidado de facilitar un folletiño coas obras, títulos e autores, anque non fose gran cousa.

Ana dijo...

Tienes razón, en la exposición se echan de menos más obras. Pondré un slide añadiendo las que he encontrado en Internet.
Caixanova editó un catálogo y supongo que por ese motivo no proporciona folletos. Es por eso de "la obra social"...que no resulta tan social.
Aún así es de agradecer que, al menos las cajas, nos proporcionen retazos de cultura.

Anónimo dijo...

me he permitido el lujo de recomendar este blog a mi alumnado de 1º de bachillerato artístico. Y me han entregado unos trabajos realmente buenos sobre esta exposición que fueron a visitar!!!
En inglés!!! Y utilizando como referencia tu entrada sobre la exposición!!!! Gracias porque tu duro trabajo facilita el mío pudiendo unir el inglés a sus intereses como futuros artistas. Un besote de tu tocaya.

Ana dijo...

Gracias, tocaya, por difundir mi blog que, como sabes, nació con la intención de ayudar a los alumnos. Me parece una idea estupenda unir el arte al inglés para el bachillerato artístico. Seguro que se acercan al idioma con más interés...¡de eso se trata!
Un abrazo
Ana

Anónimo dijo...

Como deferencia hacia la bloggera más famosa de mi entorno, en cuanto tenga algo de tiempo te traduciré ese correo tan fantástico que me has enviado. Ánimo y a seguir así!!!! Tocaya.

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