viernes, 20 de noviembre de 2009

SOBRE "PINTAR PALABRAS"

Relacionada con mi entrada "Pintar palabras", presento una colaboración que he recibido de "O Curioso Impertinente":

SOBRE ALBERTI
"Unha exposición "virtualmente" cautivadora. Rafael Alberti, a quen no prólogo da exposición se califica como un dos nosos artistas de avangarda menos coñecidos, moi interesado no tema que nos ocupa, dixo nunha entrevista: "Yo no hago ninguna distinción entre poesía y pintura, entre la palabra y la línea, entre la expresión gráfica y la palabra".
A interacción da arte coas palabras produce a miúdo obras fascinantes. Miquel Barceló, para festexar o número 10.000 de EL PAIS, botou a vista atrás, a Picasso e a Braque, e voltou xogar co "journal" nunha espléndida portada de outubro de 2.004. O magnífico ilustrador Miguel Calatayud tamén se achegou ás palabras pintadas: no "monstruo" fúndense o significante e o significado, a palabra é o monstruo. Ou esas "cenizas" autorreferentes a arder que predín o que van ser".

MIGUEL CALATAYUD
"O magnífico ilustrador Miguel Calatayud tamén se achegou ás palabras pintadas: no "monstruo" fúndense o significante e o significado, a palabra é o monstruo. Ou esas "cenizas"
autorreferentes a arder que predín o que van ser".


"No século XIX, STAHL editou un abecedario ilustrado, "Adiviña o alfabeto", con máis intención lúdica e instructiva que artística, que ben podía ser un antecesor dos da exposición. Ese I, con puntiño e todo, Insinuado e Integrado no debuxo, a un paso de deixar de existir se as contras se fecharan, seguro que gostaba ós surrealistas. E onte mesmo rematou unha exposición sobre Valle-Inclán que, no cartel anunciador, reproducía a efixie tipográfica do escritor, composta por letras e signos ortográficos".

Vou rematar cuns fragmentiños do conto de Saúl Yurkievich, EL VAGÓN AZUL, sobre Kurt Schwitters, do que tamén se fala nese prólogo.
"Esa madera con silueta de hongo o de flecha, por su grisáceo viejo con toques de rosa, parece un ratón. Colinda con el rectángulo de papel crema, un recibo de vestuario bien legible. También se leen, a pesar de las pinceladas que los embadurnan, los recortes de periódico que pegó a la izquierda. (...)
Ensaya con los resortes, con los carretes, con las ruedas dentadas. Nada va. Recurre al armario de los papeles donde acumula tarjetas postales (su manía). cromos, boletos, recortes, las cartas que recibe, billetes con matasellos, etiquetas, sus vencidos vales de racionamiento. Todo papel que pasa por sus manos va a parar al armario."

miércoles, 18 de noviembre de 2009

"LABERINTO DE MUSEOS". INSTITUTO CERVANTES


Aquí presento otro enlace del Instituto Cervantes que nos conduce a imágenes y páginas de una serie de museos creados en los últimos años
"Dentro de las actividades programadas para la inauguración de nuestra nueva sede en Pekín, y cumpliendo uno de los objetivos fundamentales del Instituto Cervantes, el proyecto «Laberinto de museos» pretende difundir el arte español y sus plataformas promocionales. Dieciséis museos y centros ofrecen una imagen plural del paisaje museístico nacional, al tiempo que nos permiten asistir al diálogo entre dos culturas, la china y la española, como medio de conocimiento y comprensión mutua". CVC

viernes, 13 de noviembre de 2009

"PINTAR PALABRAS". CENTRO VIRTUAL CERVANTES

Es muy atractiva la página "Artes" del Cervantes.
"Esta exposición se propone representar el interés de muchos de los artistas del siglo XX por la palabra pintada —es decir, la presencia de las palabras, de los textos, en la superficie visual propia de las obras plásticas, bien como elemento icónico autónomo o como representación de un concepto— y narrar su evolución, la historia de un nuevo género de pintura y registro visual nacido con el siglo XX a partir del cubismo. Aunque la tendencia es universal y recorre transversalmente todo el arte contemporáneo desde sus inicios, resulta curioso señalar que muchos de los artistas más significativos de este género son españoles... Picasso, Juan Gris, Miró, Dalí, Tàpies, Millares, Brossa, Equipo Crónica, Víctor Mira, Carlos Pazos, Concha Jerez, García Sevilla, X. Vázquez, Plensa, R. López Cuenca, Perejaume, etcétera. Durante el siglo XX podemos seguir un interesante proceso de incorporación de la escritura y la palabra al catálogo de imágenes del arte contemporáneo —bien como palabra autónoma, como texto con funciones descriptivas o literarias, como poesía visual o por su valor conceptual— revelándose un nuevo género en la pintura: al principio, en el cubismo, conviviendo y contaminando los tradicionales géneros del paisaje, el retrato, la «naturaleza muerta»; luego, afirmando su personalidad específica como género de «palabras pintadas», con sus intenciones particulares, su propia evolución como modo privilegiado de representación de la realidad y las ideas estéticas, sociales... extendiéndose y diseminando su influencia sobre otros territorios expresivos y técnicas artísticas (la escultura, fotografía, imagen electrónica, net art, instalaciones multimedia, etcétera). " (Presentación de la exposición).

lunes, 2 de noviembre de 2009

EL ARTE DE LA SEMEJANZA

"El arte de la semejanza" , exposición producida por Caixanova en itinerancia desde Septiembre de 2009 hasta Enero de 2010. Se ha presentado en Vigo y desde el día 29 se puede ver en Pontevedra hasta el 13 de diciembre y más tarde en Orense, del 17 de diciembre de 2009 al 31 de enero de 2010.Se trata de una exposición que tiene como objetivo reivindicar la figuración como expresión artística contemporánea.
«Aunque la primera impresión que se llevaran los espectadores es la de ver obras de gran virtuosismo técnico, a mí me gustaría que la gente viera que hay un sentido conceptual, que hay una intención más allá de querer hacerlo bien», aclaró Mercedes Rozas, la comisaria de la exposición.
Mercedes Rozas ha reunido la obra de nueve artistas, cuyas edades oscilan entre los 45 y los 31 años, que demuestran una gran maestría en el dominio del dibujo, aunque empleando técnicas tan contemporáneas como un bolígrafo Bic, gasas, vinilo o la madera.
Los nombres de mayor proyección internacional son el sevillano Salustiano y la italiana Carla Bedini, el resto son artistas que están haciéndose un nombre. Es el caso de Juanfran Casas, el hombre del bolígrafo Bic, que actualmente vive en Roma, becado por la Academia de España en Roma, y sus obras se venden sin ninguna dificultad. Este doctor en Bellas Artes obtuvo, en 1999, el Premio Nacional de Fin de Carrera del Ministerio de Educación y Ciencia al mejor expediente universitario de España.
Se completa la nómina de artistas con la presencia del canario Rómulo Celdrán, el madrileño Eloy Morales, la valenciana Marta Blasco, la asturiana Rebeca Menéndez, el murciano Torregar y el ourensano Perianes, que el pasado año sorprendió con una instalación ubicada en el Marco, que consistía en reproducir un monte en una de las salas de la parte baja del museo.
«Pretendo reivindicar la figuración desde parámetros contemporáneos, algo que estaba denostado en las galerías; pero yo creo que se puede hacer arte de calidad con registros figurativos», afirma la comisaria de la exposición.
Nexo común entre los artistas seleccionados por Mercedes Rozas es el dominio que tienen del dibujo, no en vano, todos ellos son profesores de dibujo en diferentes facultades de Bellas Artes. Otro punto en común de los estos artistas es su edad. «Son jóvenes y eso les otorga una identidad generacional», apunta. Rozas.
El proyecto pretende evidenciar el valor de las propuestas que adoptan a través de parámetros actuales el recurso de la forma figurativa como estrategia, demostrando que desde estas actitudes es posible construir una obra de calidad, con gran capacidad expresiva y significado propio. Con distintos criterios abordan prácticas artísticas como el dibujo, la pintura, el vídeo o la instalación, sin dejarse tentar por lo fácil ni caer en el oportunismo de la novedad por la novedad.
Detrás de cada imagen de esta exposición no existe sólo virtuosismo o perfección técnica, sino que conceptualmente anidan reflexiones preocupadas por el paso del tiempo o el tema de la identidad, tácticas que alimentan una visión onírica de la pintura, inducen deliberadamente a confundir la realidad con la representación artística, se implican en el espacio o profundizan en la interrelación disciplinar.Todos y cada uno de ellos enfocan su trabajo teniendo en cuenta el papel versátil y enriquecedor de los distintos procedimientos técnicos.


































"(...) Y me resulta difícil substraerme a ello cuando afronto la obra de Carla Bedini, artista que refuerza, en su pintura – tan sorprendente por su realismo de corte gótico y mágico, a lo Roh, como por su conceptualización singular a la hora de reflexionar sobre el pasado- una atmósfera inquietante y wildeana, tal vez haciendo explícitos sus deseos de incidir en aquella melancolía operativa de los personajes femeninos de uno de los pintores más torturados del prevanguardismo histórico: Munch. La huella melancólica provocaba la trascendencia del tiempo como protagonista y extensión del artista y elevaba la soledad al papel protagónico que nunca tuvo."
"Carla Bedini utiliza como soporte gasas superpuestas, y no lienzo, lo que acentúa ese carácter delicado y frágil de su pintura. Recrea magistralmente en sus inhabitadas arquitecturas tenebristas, donde la luz azota o reaviva el mundo de las sombras y su fría geometría, pero en especial cuando se acerca a las solitarias figuras de sus retratadas, casi siempre niñas o adolescentes, cuyos ojos taladran o desnudan el alma del espectador que trata de sostener la mirada en el cuadro." Antón CastroSu obra presenta un realismo fotográfico. Morales recurre a la fotografía como soporte para realizar lienzos realistas, en los que los detalles cotidianos del mundo que lo rodea, toman la textura y color del pincel. Remite manifiestamente a aquellos orígenes hiperrealistas un monumental e impactante retrato cuadrado de su hermano David a medio afeitar.
Realiza retratos, tanto al óleo, como al carboncillo de un especial virtuosismo.
En su obra dominan, retratos y desnudos de mujeres en interiores con muchas referencias actuales, casi a modo de "collage“ como el de los botes de Coca-Cola.

La pintura actual de Morales se centra en la representación del escenario, el paisaje, no tanto en la figura humana en sí, y la luz cobra un protagonismo fundamental.Su obra se desarrolla principalmente dentro del campo de la pintura, con obras de gran formato con las que ha conseguido importantes éxitos internacionales, y desde 2006 en el campo del dibujo, con obras realizadas con bolígrafo Bic azul.Su estilo, realista en apariencia, parte de fotografías domésticas y de baja calidad, magnificando dichas instantáneas dionisíacas, momentos de vida y juventud, con picardía y sentido del humor.
El sexo, los amigos, la comida y la bebida son elementos reconocibles en estas imágenes que analizan y exaltan los pequeños climas cotidianos de felicidad pura y primitiva.
Casas intenta provocar en el espectador una sensación de extrañeza o de risa a través de imágenes puntuales de contextos ajenos.
A pesar de utilizar sólo un bolígrafo, el artista consigue reproducir la realidad al detalle. El proceso previo no conlleva grandes elaboraciones ya que realiza las fotografías con máquinas corrientes, sin preparación ni iluminación.
Artista que pinta con una técnica que recuerda encuadres y perspectivas de la técnica fotográfica, aunque salvando los efectos ópticos de la cámara.
Se trata de una figuración con trazos impresionistas, de matices terrosos, con una cierta preponderancia de la figura humana, que realiza sobre fondos descontextualizados para concentrarse en el argumento central, único las más de las veces. Sus comienzos mostraron una muy temprana tendencia hacia la búsqueda del más allá de la pintura tradicional, con un figurativismo que optaba por romper moldes mediante cáusticas deformaciones y ampulosidades cromáticas.
Con una línea fina de dibujo a medio camino entre la pintura italiana y el Arte oriental, sus cuadros tienen el color rojo y la figura humana como eje central de una obra intimista, que se desarrolla con toques renacentistas y, que nos brinda una serenidad y un equilibrio difícilmente igualable.
Sus pinturas recogen el más mínimo de los rasgos de sus modelos, tanto adultos como infantiles, haciendo difícil discernir la distancia que separa el dibujo de la fotografía.
“En mis cuadros nunca pasa nada. Por no haber, no hay ni temática. Son imágenes que no pretenden contar “algo”. Yo busco algo más primitivo, más sutil, busco causarle un determinado estado en el alma a quien los contempla
Es un trabajo intelectual, muy calculado, pero siempre persiguiendo una finalidad emocional. En ese sentido, mi pintura trabaja como la pintura abstracta, aunque me deje la piel y los ojos en lograr la figuración más fina y exacta que soy capaz de trazar.”
Con una pintura que ha dado un giro al género del retrato, su aproximación a la figura humana es de un rigor académico digno de pintor renacentista, acercándose fielmente a sus modelos gracias a un detenido estudio de la forma, a la pulcritud del dibujo y de la pincelada. Sin embargo, los personajes están descontextualizados. Los torsos y rostros solitarios habitan un espacio donde no hay más borde que la tela, siendo el fondo un vacío monocromo y total. Los cuerpos aparecen como en un sueño donde todo se torna rojo.
El trabajo de este artista comienza en el momento que toma las fotos al modelo. Aunque no suele conversar mucho con ellos, reconoce que siempre se establece una complicidad: "Te van revelando cosas y descubres que no solo es un rostro sereno o bello sino que, además, descubres que todas estas personas eran muy especiales y, curiosamente, muchas de ellas relacionadas con la música".
¿Por qué el color rojo?
“Porque está lleno de connotaciones e intenciones. Del latín coloratus (colorare, colorar, dar color), es el color por excelencia. El rojo tiene el poder de trascender a su propia condición de color. Es más que un color, es un símbolo que provoca sentimientos de belleza, de ausencia de tiempo, siendo a la vez expresión de fuerza, el color de la sangre, de la religión y de los elegidos. El rojo de mis cuadros en realidad es una metáfora del cielo, de lo trascendente.”
Fuente: Entrevista por Carolina Lara, periodista publicada en Artfacts.Net: la experiencia al servicio del arte Rómulo Celdrán logra con la misma sencillez con la que se conduce vitalmente un triunfo apoteósico del oficio y ha creado una propuesta personal que contribuye a una sentida reflexión sobre la naturaleza del arte y su ilusión.
Hasta la actualidad ha desarrollado su producción mediante diversos procedimientos técnicos: pintura, dibujo, estampa litográfica (aunque de un modo menos frecuente) y escultura.
En el medio escultórico ha conseguido sus trabajos más impactantes.Su experiencia y dominio como pintor le sirven para acertar con el cromatismo que imprime a esas esculturas, mientras que el extraordinario despliegue de la duda sobre la naturaleza material que sufre el espectador cuando admira sus dibujos ha sido logrado, asimismo, en el campo tridimensional.
Sus esculturas están talladas o esculpidas en un único bloque, respectivamente, de madera o de piedra.
Éstas presentan dos elementos:
- un soporte que funciona, en la mayoría de las ocasiones, a modo de pedestal y que explicita la naturaleza del material en el que sustancian (un bloque de piedra, un tronco, etc.) y
- objetos de la vida cotidiana que son representados con milimétrica literalidad y a tamaño natural.
Todas estas obras se titulan precisamente, Objects (Objetos).
El efecto asombroso es el que consigue confundir al espectador que cree ver obras de apropiación material de objetos reales.
El cultivo de lo siniestro, inquietante y misterioso es característico de esta artista.
Marta Blasco optó por describir unos paisajes desolados, salpicados de árboles muertos, de espectros solitarios, de figuras dolientes; una visión romántica de la naturaleza y de la existencia que encuentra su origen en lo onírico y lo literario y que se concreta en una pintura brillante, delicada y preciosista.

(…) el trabajo que ha desarrollado Marta Blasco en estos dibujos posee ante todo un carácter ritual: la inmersión en la bañera, la tiniebla como “origen y simboliza entre otras cosas la búsqueda del amor y la total entrega. Pero Ofelia es una forma mítica, el culto a Afrodita exige también el baño ritual .
Javier Rubio Nomblot (Texto del catálogo “Ophelia: Dibujos y Desdibujos”)

La artista asturiana, presenta creaciones hechas en fieltro que se pliega, se levanta hacia el espectador acentuando la tercera dimensión. A través de la temática de niñas que están absortas en sus juegos infantiles, la artista libera la evocación del pasado. Por medio de un cordón de lana se enlazan las figuras de uno y otro lado de las paredes, llamando la atención del espectador.


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