"LET US FACE THE FUTURE": LA ESCUELA DE LONDRES Y EL POP-ART

DAVID HOCKNEY: "Christopher Isherwood y Don Bachardy", 1968

LA ESCUELA DE LONDRES

Escuela figurativa inglesa de los años 50 Y 60, formada por artistas de la talla de Lucian Freud, Leon Kossoff, Frank Auerbach y Ronald Brooks Kitaj.

Algunos críticos han considerado que existe una vertiente expresionista en el grupo, mientras que otros han relacionado a sus componentes con el Surrealismo e incluso con la “Nueva Objetividad”.

León Kossoff

Nacido en Londres en 1926 de padres judíos rusos, Kossoff es miembro de la llamada Escuela de Londres que representa la corriente figurativa británica, a la que también pertenecen otros inmigrantes.

Amigos desde sus años estudiantiles, Kossoff y Auerbach (Berlín 1931) son esencialmente pintores urbanos y en los difíciles años de posguerra ambos se dedicaron a plasmar en sus lienzos los solares abiertos por los bombardeos alemanes y los trabajos de reconstrucción de la capital británica.

Kossoff: "Willesden Junction"

Kossoff: "Junction with Ridley Road street market, Friday evening, November, 1972

Para Kossoff la pintura es un imperativo psicológico y cada imagen es una forma de catharsis. Pintura de tipo expresionista, muy empastada, con pinceladas nerviosas y trazo rápido y esquemático.

El artista en declaraciones ocasionales hace hincapié en la relación entre lo que ve y lo que siente: “Trato de llevar a cabo lo que hay dentro de mi, dejando que los pensamientos fluyan con libertad...”

Frank Auerbach

Nació en Berlín, Alemania, y se trasladó a Londres en 1939.

A finales de la década de 1940 y comienzos de la de 1950 la capital británica era una ciudad que mostraba por todas partes las cicatrices de los durísimos bombardeos alemanes de la Segunda Guerra Mundial

Franc Auerbach: "El edificio Shell en construcción visto desde el Támesis", 1959

La gran metrópoli, que trataba de llenar con nuevos edificios los solares abiertos por las bombas, fue, sin embargo, una constante fuente de fascinación para un joven artista de origen judío alemán que había llegado allí en 1939, con sólo ocho años, como refugiado y que perdió a sus padres y otros familiares en el Holocausto.

0Lo que le fascinaba era ese momento máximo de tensión entre el caos de la tierra excavada y el principio, apenas esbozado, de un orden arquitectónico, tensión que él se esforzó por trasladar a sus obras. "Londres después de la guerra era un paisaje maravilloso, con precipicios, montañas y grandes hendiduras. Viviendo en Londres, parecía una locura desperdiciar la oportunidad de aprovechar las imágenes maravillosas que nos rodeaban", recordaría años después Frank Auerbach.

"El destino de la pintura es captar para el arte una experiencia a flor de piel"

Brooks Kitaj

Pintor estadounidense que vivió 40 años en Inglaterra y se convirtió en un miembro destacado del grupo de artistas conocidos como la Escuela de Londres.

Kitaj se consideró como un "Judío errante", emocional y culturalmente desplazado de su tierra natal, se impregnó de las tradiciones literarias y artísticas europeas. Su escritura complementa su pintura, lo que permite al espectador desentrañar las complejas asociaciones de los símbolos pictóricos.

KITAJ: "The Refugees", 1983

KITAJ: "The Oak Tree", 1991

Su pintura está muy influenciada por la literatura, la historia y la política, pero también por la cultura popular.

Da mucha importancia al contenido temático de la pintura y rechaza la pura abstracción. Esto le convirtió en portavoz natural del arte figurativo en años en los que éste podía parecer obsoleto.

Su lenguaje plástico cestá entrado en la figura humana, en las técnicas del dibujo y un expresivo uso del color.

Kitaj se consideraba heredero de la gran tradición figurativa que iba de Degas y Cézanne a Picasso y Matisse. La preocupación sobre su identidad y sus raíces judías fueron la mayor fuente de inspiración de su producción artística. La obra de Kitaj se encuentra plagada de referencias pictóricas, literarias o filosóficas así como de las circunstancias que han marcado la historia de su época y sus orígenes (el Holocausto, el asesinato de Kennedy, el Fascismo).

De Cézanne afirmaba:"el más grande pintor que jamás ha vivido" y de Edward Hopper: "mi pintor favorito de los americanos".

KITAJ: "The Autumn of Central Paris", 1972-73

Atraído por los collages de su colega estadounidense Robert Rauschenberg, Kitaj tuvo a su vez una gran influencia en el surgimiento del pop art británico. El artista intentó desde un comienzo desvincularse de este movimiento, definiéndose como un artista "algo más expresionista".
Kitaj consideraba el pop art demasiado superficial aunque siempre mantuvo su amistad con Hockney, a quien consideró como el mejor dibujante de su generación.

POP ART INGLÉS  

"A mediados del siglo XX la primacía de la alta cultura sobre la popular comenzaba a disolverse de manera irreversible. La vanguardia histórica estaba dando paso a sonidos,imágenes y palabras que se originaban en la publicidad y en los mass-media.

Los movimientos contraculturales de los 50 y 60, expresión de una rebeldía que pretendía superar los traumas de la II Guerra Mundial, encontraron su cauce en la música rock y pop, con sus ídolos de masas o en movimientos literarios como la generación “beat”; en el ámbito de las artes plásticas, supondrían el final del desarrollo lineal de la vanguardia con sus sucesivos “ismos”, encarnados en una generación de jóvenes norteamericanos y británicos que dieron lugar al nacimiento de un arte que plasmaba las imágenes de la sociedad en la que habían crecido: el arte pop.

Los temas generales del Pop Art eran la subcultura, la cultura popular, las imágenes de los medios de comunicación, las nuevas tecnologías, el diseño, la industria de consumo y la interrelación de estas manifestaciones y su influencia sobre el hombre. Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo y su poca importancia puesta en el objeto de arte final. Sin embargo, el Arte Pop descarga de la obra de arte toda la filosofía anti-arte del Dadá y encuentra una vía para construir nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades. En cuanto a las técnicas, también toma del dadaísmo el uso del collage y el fotomontaje."

JUAN F. RUIZ en la revista MEMORIA

Independent Group

En 1952 un grupo de artistas, arquitectos e intelectuales forman el Independent Group, dentro del Institute of Contemporary Art de Londres, que se había creado en 1947 (por Herbert Read) como centro de debate. En el Independent Group estaban Hamilton y Paolozzi, los arquitectos Smithson, Banham (historiador del arte), el crítico Alloway y algunos músicos. En las discusiones se hablaba de los nuevos medios, las películas de serie B, la tecnología, la filosofía (McLuhan), la moda, la música pop y muy poco de arte (sólo una conferencia sobre expresionismo abstracto). Sin preocuparse de las diferencias entre las artes, la tecnología y las imágenes de la cultura popular.

(…) "El artista -omnipresente y apasionado en cada una de sus obras informalistas- se oculta ahora y deja fríamente que sean ellas (los objetos) los protagonistas, de la misma manera que se oculta el diseñador industrial que hace un nuevo plato o una vitrina para exponer paquetes de arroz. Nada de emotividad, expresividad o manifestación del yo. El artista pop pretende que su obra parezca una obra producida por la industria, hecha en serie."

ARTE-HISTORIA: Joaquín Yarza Luaces

Patrick Caulfield

Pintor y grabador Inglés conocido por sus cuadros de arte pop. Patrick Caulfield estudió en la Chelsea School of Art de la década de 1950, y en el Royal College of Art desde 1960 hasta 1963, lugar en el que su obra quedó vinculada a la generación del pop art británico Entre sus compañeros de clase estaban David Hockney y RB Kitaj.

Caulfield nunca se sintió cómodo en ese grupo, aunque compartía el interés de estos artistas por la imaginería banal y el kitsch comercial que relanzaba la cultura popular. Ël se consideraba un pintor clásico de rigurosa normativa a semejanza del pintor que más admiraba, Juan Gris.

Esta pintura que es una transcripción de un cuadro de Delacroix, retrotrae al espectador a la destrucción total de la gran tradición clásica, pero lo hace de un modo indirecto, a través de un velo romántico, uniendo su sentimiento de pérdida con una dosis muy contemporánea de despreocupación.

 Desde mediados de los años 1970 comenzó a incorporar elementos realistas en su trabajo. Caulfield realiza pinturas figurativas interpretando objetos sencillos.

Normalmente utiliza tintas planas atravesadas por simples líneas. Algunas de sus obras están dominadas por una sola tonalidad.

Richard Hamilton  

Pintor británico, uno de los iniciadores del Pop Art inglés.

Su obra ¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos? , es una auténtica declaración de principios para el Pop Art inglés. En ella se encuentran presentes muchos de los elementos de la cultura trivial americana: una chica de revista, un culturista, un televisor, un emblema de la Ford, un cartel de cómic, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un enorme chupa-chups con la inscripción ‘pop', sostenido por el culturista a modo de raqueta de tenis, todo ello bajo un techo que no es más que el planeta Tierra.

Richard Hamilton definió el movimiento pop como "popular, efímero, fungible, de bajo coste, masivo, ingenioso, sexy, efectista, glamuroso y un gran negocio". Todas estas calificaciones serían cualidades equivalentes a las de la sociedad de consumo.

En esta obra aparecen esposados el galerista Robert Fraser y Mick Jagger cuando fueron detenidos por posesión de drogas. 

Las creaciones de Richard Hamilton se inspiran en la industria del ocio y el consumo, en la publicidad y en la Historia del Arte. Siempre interesado por las nuevas tecnologías, trabaja a partir de imágenes emblemáticas que usa como espejos para criticar la saturación visual de la vida moderna. El suyo es un Pop culto y de hondo contenido intelectual.

RICHARD HAMILTON: "The Solomon R. Guggenheim, 1956

RICHARD HAMILTON: "Guggenheim" (cromo), 1970

La influencia de Marcel Duchamp fue decisiva en su obra. Duchamp elevó a categoría artística los objetos cotidianos y Hamilton sintoniza con él y le rinde homenaje con sus creaciones pop.

"Mi pensamiento se basa en la dicotomía”, explica siempre que se le pregunta. “Cuando hago una cosa, necesito también lo opuesto, como Marcel Duchamp”.

Eduardo Luigi Paolozzi 

Escultor escocés, pionero del Pop Art en la década de 1950 y, desde entonces, uno de los artistas británicos más destacados. De padres italianos, nació en Leith, cerca de Edimburgo, y entre 1943 y 1947 estudió en las escuelas de arte de Edimburgo y de Slade.  Paolozzi fue el fundador del Independent Group, que es considerado como precursor del movimiento británico pop art de los 60.

PAOLOZZI: "Bring The Foot Of The Walk Home"

Paolozzi: "Newton"

Desde 1947 hasta 1949 trabajó en París, donde recibió la influencia del surrealismo. A su regreso a Gran Bretaña se implicó abiertamente en el desarrollo del Pop Art.

PAOLOZZI: "Mr. Gromyko", 1950

Eduardo Paolozzi: Wittgenstein in New York from "As is When", 1965

PAOLOZZI: I was a rich man's plaything, collage de 1947, que se ha considerado como la primera muestra real del Pop Art

Peter Blake  

Perteneciente a la primera generación de artistas pop británicos, trabajó en artes gráficas y siempre mostró interés por la imaginería popular. Sus primeras obras, a mediados de los cincuenta, tenían el aspecto de los cartelones de feria que se podían encontrar en cualquier sitio. La fama le vino por la cubierta de "Sargent Pepper's" que hizo para los Beatles en 1967, aunque ya antes, en 1964, había trabajado para los Beach Boys.

Peter Blake's Mystery Tour

Peter Blake lleva a los espectadores a un viaje mágico en un viejo autobús. Él se une a personajes que han poblado su imaginación en los últimos años - Elvis, Ian Dury, Howerd Frankie y Kim Novak, entre otros. Profundamente enraizado en esta generación, su iconografía es un paradigma del pop en el sentido más difundido del término -estrellas de cine, como Kim Novak, cantantes como Elvis, grupos musicales, pop y jazz, comics…-

La fascinación por el coleccionismo y la preocupación por lo “efímero de la vida moderna” están presentes en su obra de finales de la década de 1950, en la que empezó a hacer collages y composiciones con tarjetas postales, fotografías e ilustraciones de actores y artistas pop contemporáneos, combinándolas con formas geométricas de brillantes colores.

David Hockney

Artista inglés afincado en Los Ángeles. Pintor, ilustrador, dibujante y escenógrafo es considerado uno de los artistas más influyentes del s. XX. El artista pop más importante de la segunda generación, aunque él mismo se considera situado en la periferia del movimiento. Sus obras de la década de 1960, como la serie sobre piscinas de Los Ángeles, están pintadas en un estilo deliberadamente ingenuo y colorista, con una temática extraída de la cultura popular.

Hockney: " A Bigger splash", 1967

"Dos sillas"

DAVID HOCKNEY: "Retrato rodeado de artefactos artísticos", 1965

"Etiquetado inicialmente como artista pop, Hockney se vincula en la actualidad a la Escuela de Londres, concepto que empleó por primera vez, a mediados de los años setenta el pintor Kitaj para describir el notable abanico de pintura figurativa que había presidido la escena londinense desde finales de los años cuarenta, a pesar del dominio internacional de la abstracción. Sin embargo, ninguna de estas clasificaciones le hace justicia. Ni siquiera en los años sesenta, Hockney se sintió cómodo con la etiqueta de artista pop. Sus preocupaciones eran excesivamente personales y su enfoque demasiado idiosincrásico para encajar en ella. Y nunca demostró sentir la sana preocupación     por el sudor y la materia física que caracteriza la obra de muchos pintores de la Escuela de Londres... Hockney y Kitaj tendieron a dar un enfoque gráfico a sus cuadros y se influyeron mutuamente durante un tiempo" Jon Thompson: "Cómo leer la pintura moderna"

HOCKNEY: "Hombre en un museo", 1962

Hockney: "Hombre duchándose en Beverly-Hills", 1964

Bridget Riley
Pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos.
Después de su primera etapa puntillista, influenciada por Seurat, Riley experimentó hacia 1960 con una pintura de grandes superficies de colores planos, antes de realizar numerosas obras en blanco y negro entre 1961 y 1965

BRIDGET RILEY: "Catarata 3", 1967

BRIDGET RILEY: "Fiesta"

Howard Hodgkin  

Pintor y grabador británico. Sus primeras obras son figurativas y se inscriben dentro del Pop Art. Su arte que se caracteriza por el predominio de la pincelada larga, las formas geométricas y los colores vivos.

Hodward Hodgkin: "Mr and Mrs Patrick Caulfield", 1967-1970

"LET US FACE THE FUTURE". UNA MIRADA AL ARTE BRITÁNICO DE POSGUERRA. I

LUCIAN FREUD: "Autorretrato"

Tras la Segunda Guerra Mundial se producen cambios profundos tanto desde el punto de vista geopolítico y socioeconómico como cultural. Desde la amenazadora guerra fría hasta los revolucionarios movimientos musicales de los Beatles o los Rollings Stones y las rompedoras actitudes ante la vida protagonizadas por las jóvenes generaciones del 68. Época en que se sentaron las bases del Estado de Bienestar. El foco del arte se traslada de Paris a Nueva York en un contexto en que Estados Unidos se manifiesta como una gran potencia mundial. Sus artistas tendrán reconocimiento internacional con influencia en el arte europeo.   

Los desastres bélicos se muestran en el arte con una enorme fuerza expresiva. La soledad del ser humano, la angustia vital reflejada en la mirada, la destrucción y el horror... En un primer momento se muestra la amargura y frustración de la posguerra pero, mas tarde, surgirá un arte mas amable que culminara en el pop-art de los años sesenta.

ARTE BRITÁNICO: DE LOS AÑOS CUARENTA A LOS SESENTA

                     HENRY MOORE: "Two sleepers",1941

Desde el 27 de noviembre de 2010 hasta el 20 de febrero de 2011, se muestra la exposición, “Let Us Face the Future”, en la Fundación Miró de Barcelona. A través de ella se intenta descubrir al público la obra de una de las etapas más creativas del arte británico.  

Aprovechando esta evocación artística, presento una panorámica de obras representativas de esta época, muchas de ellas se pueden contemplar en la exposición.

La exposición toma el nombre del eslogan "Afrontemos el futuro" con el que, en 1945, el partido laborista británico ganó las elecciones legislativas en Gran Bretaña y derrotó, contra todo pronóstico, al partido conservador presidido por Winston Churchill.

En Inglaterra, la II Guerra Mundial representó una ruptura total en la evolución de la pintura. El rasgo dominante de los intentos artísticos fue la angustia. Se bautizó con el nombre de "geometría del miedo" los formas angulares de los escultores de la época.
Las obras de Henry Moore, Francis Bacon, Lucian Freud y Graham Sutherland expresan la ansiedad de un periodo aún turbulento.

HENRY MOORE 

Henry Moore: Figuras envueltas con niños, 1941

Durante la Segunda Guerra Mundial, la escasez de materiales le obligó a realizar esculturas de pequeñas dimensiones y a dedicarse al dibujo. A partir de 1940 comenzó una serie de dibujos basados en la experiencia vivida por los británicos, que tuvieron que buscar refugio en el metro londinense para defenderse de los bombardeos. Irónicamente, fueron estos dibujos de los refugios antiaéreos y no sus esculturas los que le otorgaron el merecido reconocimiento al escultor británico. Por primera vez la gente tomaba en cuenta su obra, y su reputación comenzó a extenderse a otros países. Además, en 1941, el entonces director de la National Gallery, Kenneth Clark, nombró a HENRY MOORE artista oficial de guerra.

LUCIAN FREUD

Lucian Freud, nieto de Sigmund Freud, nació en Berlín en 1922. Con once años conoce el exilio. Huyendo del régimen nazi, su familia llega a Inglaterra. A los 17, se nacionaliza británico. En 1943 se establece en Paddington, en medio de un barrio popular destruído por los bombardeos de la II Guerra Mundial.

Freud: "Interior en Paddington", 1951

Hacia 1947 conoció a Francis Bacon, con quien compartiría la amistad y esa inclinación por pintar el cuerpo humano. Lucian Freud muestra a las figuras en situaciones pasivas, mientras que Francis Bacon orienta a sus personajes hacia la acción. Ambos artistas se retratan mutuamente y se autorretratan. Tanto Bacon como Freud forman parte esencial de una generación de artistas figurativos ingleses.

                LUCIAN FREUD: retrato de Francis Bacon,1952

                                        Autorretrato de Lucien Freud

LUCIAN FREUD: "Reflejo con dos niños" (Autorretrato),1965

"El tema es autobiográfico, cuando tiene que ver con la esperanza y la memoria y la sensualidad y la participación, la verdad." "Pinto gente, no por lo que quisieran ser, sino porque lo son" Lucien Freud

 LUCIAN FREUD:"Chica con rosas", 1947

Después de terminada la Segunda Guerra Mundial se inicia su gradual pero sostenida dedicación al retrato. La serie de retratos de Kitty, su primera esposa, va a marcar, desde el primero al último, una evolución decisiva. En el retrato realista de su primera esposa, se puede apreciar la ansiedad pegada en los ojos. Retratos perturbadores e inquietantes, que hacen pensar en el ser humano desprotegido. Freud consigue desvelar la asombrosa profundidad humana del ser, característica de todo gran retrato.

FRANCIS BACON

FRANCIS BACON: "Tres estudios de Lucien Freud"

FRANCIS BACON: "Autorretrato"

La visión atormentada de Bacon llamaría la atención de un público traumatizado por la experiencia de la guerra; pero así como los pintores informalistas orientan su angustia existencial hacia la indeterminación de la abstracción matérica, Bacon elige la figura humana como motivo central de sus cuadros, y la somete a deformaciones y alteraciones hasta un nivel no conocido con anterioridad en la historia del expresionismo.

"La vida desde el nacimiento hasta la muerte es una larga destrucción" Francis Bacon

En estas obras en los que las masas se retuercen sobre sí mismas para acabar convertidas en grito exacerbado de angustia y de dolor, Bacon utiliza a menudo fondos rojizos para situar sus torturadas figuras. El terror, la angustia, el aislamiento dominan toda su creación.

Las tres "figuras", mutaciones bestiales de la forma humana, fueron la interpretación de Bacon de las Furias: las tres diosas de la venganza: Tisífone, Megera y Alecto de la mitología griega. Se utilizan simbólicamente.

GRAHAM SUTHERLAND

Sutherland fue uno de los pintores que trabajó por encargo del Comité Asesor de artistas de Guerra, para registrar la devastación de los bombardeos de Londres. Tras haber estudiado los edificios destruidos en la ciudad, en mayo de 1941 fue enviado a la zona bombardeada cerca de los muelles del East End.

Estos cuadros muestran unas calles de la zona Silvertown, cerca de los muelles. El área fue devastada y la imagen que plasma Sutherland es muy conmovedora, misteriosa y triste. Aunque las casas fueron abandonadas en su mayoría, algunas personas siguieron en la vivienda entre los escombros durante un período de malestar social. La escena huye de lo escabroso y muestra quietud y melancolía.

Devastación de 1941: Una calle del East End 1941

Durante la guerra, la producción de acero fue especialmente urgente en Gran Bretaña al frenarse las importaciones extranjeras. El país trató de corregir la escasez de armas impulsando esta industria. Sutherland refleja a través de una serie de obras el mundo de la fundición.

"Una Fundición: el metal caliente ha sido vertido en un molde y desprende un gas inflamable", 1941-2 

"La alimentación del horno de acero", 1941-2

"Devastación de 1941. East End, depósito de papel quemado" 

En Wapping, cerca de Tower Bridge, vio grandes rollos de papel entre los restos de un almacén.  Sutherland los dibujó. A menudo se centraba en tales detalles, que se convirtieron en metáforas de los daños humanos que no se le permitió representar.

SUTHERLAND: "Crucifixion", 1946

Obra de una serie realizada por Sutherland en la preparación de una versión más grande encargada por una iglesia en Northampton. Las fuentes en las que se basó fueron las imágenes que vio los últimos acontecimientos históricos. Su punto de referencia principal fue el Crucificado de Matthias Grunewald. También se basó en las fotografías publicadas de muertos y víctimas de los campos de concentración.

ANTHONY CARO

Escultor inglés, cuyas obras, de gran tamaño y fuerza expresiva, constituyen un ejemplo importante del arte minimal y constructivista moderno. Se formó en la Royal Academy de Londres y fue ayudante de Henry Moore. De gran importancia en el desarrollo de la obra de Caro fue la decisiva influencia del escultor abstracto estadounidense David Smith, cuyo trabajo conoció durante un viaje a Estados Unidos en 1959, a partir del cual abandonó la escultura tradicional en metal fundido para construir obras abstractas a partir de piezas rígidas de metal.

ANTHONY CARO: "Man Holding his Foot", 1954